25 film sugli amanti di The Lam

“; Possiamo farcela. Possiamo farcela se corriamo, ”; sussurra Ruth (Rooney Mara) nel David Lowery’; s “;Ain ’; t Them Bodies Saints, ”; che, dopo un rilascio limitato di venerdì, inizia la sua espansione questa settimana. È un film che abbiamo adorato Sundancee uno che nella sua delicata sovversione di 'Lovers on the Run' rdquo; sottogenere: come chiarisce il fumetto prequel, gli eventi di & Saints ’; si svolgono principalmente dopo the bank robbin ’ ;, outlawin ’; parte della storia è stata fatta - ci ha ricordato tutti gli altri grandi (e non così grandi) film che hanno contrapposto una coppia di amanti alla legge.



Non è difficile capire perché questo tipo di film abbia esercitato una presa continua sulla nostra immaginazione collettiva, specialmente negli Stati Uniti (molti film stranieri nel genere fanno un cenno diretto all'eredità delle loro controparti americane). Come una combinazione di road movie, film di gangster e romanticismo condannato, questi film possono essere l'incapsulamento quasi perfetto dell'American cinematografica, tutti i cieli battuti e l'amore dei cuccioli e le gomme delle auto che strappano nuvole di polvere mentre si recano in Burma Shave. C'è qualcosa di esilarante e romantico in modo esasperante nell'idea che siamo solo noi due contro il mondo, e che se riuscissimo a farcela oltre il prossimo orizzonte ci sarà un posto dove io e te e questa borsa di il denaro può vivere per sempre: la fantasia di rubare il sogno americano e cavarsela.

Individualismo, anti-autoritarismo, libertà, giovinezza, ricchezza e, naturalmente, immortale, appassionato vero amore; il genere tocca così tanti di questi miti profondamente radicati ed esorta che davvero, la sorpresa non è quanti film ci sono nella categoria (e avremmo potuto allungare la nostra lista molto, molto più lontano), ma che non ci sono più . Per quanto riguarda la spinosa domanda morale se questi film tendano a rendere glamour o romanticizzare una vita criminale? Inferno, sì. In effetti, per la maggior parte del tempo gli appiccicosi moralmente obbligati che i fuorilegge arrivano a servire solo a rendere ancor più leggendari i loro exploit - come molte delle grandi icone del cool americano, muoiono giovani.



Quindi vieni con noi in un viaggio selvaggio e sconclusionato attraverso 25 film amorosi. Potresti essere sanguinante dopo la sparatoria a quell'ultimo blocco stradale e il serbatoio del gas è quasi vuoto, ma è solo un altro paio di miglia al confine, e possiamo farcela se corriamo.



oreos game of thrones

“;Bonnie e Clyde”; (1967)
“; hai letto la storia di Jesse James / di come ha vissuto e morto; / Se hai ancora bisogno / Di qualcosa da leggere, / Ecco la storia di Bonnie e Clyde. ”; Cos'altro si può dire del trionfo che è Arthur PennSparato attraverso l'arco di Hollywood “;Bonnie & Clyde” ;? Dapprima respinto, poi abbracciato in toto dalla critica e dal pubblico (è inizialmente svanito solo per prosperare alla ri-uscita, finendo con due vittorie all'Oscar per un totale di dieci nomination), la cronaca di Penn degli famigerati amanti condannati è una per i secoli. Warren Beatty mantiene l'aria fresca e disinvolta e trova vulnerabilità (soprattutto di tipo sessuale) nel suo ritratto di Clyde Barrow mentre Faye Dunaway oscilla brillantemente tra la seducente calcolatrice e la bambina stregata e senza colpa che teme e si aspetta un sanguinoso denouement. Dobbiamo menzionare l'indimenticabile scena finale, il suo taglio audace ancora scioccante fino ai giorni nostri? Penn circonda i nostri protagonisti con un cast uniformemente forte (tra questi Gene Hackman, Michael J. Pollard, e Estelle Parsons, che se ne andò con l'Oscar solitario recitato nel film) e concede momenti di triste bellezza, in particolare uno scatto molto lodato di Clyde che insegue Bonnie in un vasto campo mentre una nuvola passa sopra di lui, avvolgendo gli innamorati. Il film ha aiutato ad aprire le porte a una varietà di imitatori minori (e occasionalmente altrettanto grandi) e rimane un quadro storico, notevole per la sua violenza ma a malapena definito da esso. Come ha scritto la stessa Bonnie Parker, un giorno scenderanno insieme / E li seppelliranno fianco a fianco / A pochi sarà dolore / Alla legge un sollievo / Ma è morte per Bonnie e Clyde. ” ; [UN]

“;California”; (1993)
Certo, datato, superficiale, rovinato da un cast che agisce in modo eccessivo e troppo inconsapevolmente stilizzato (Domenico Sena è stato poi un regista di video musicali a girare il suo primo lungometraggio), “;California”; è ancora un film di cui abbiamo affetto nonostante i suoi difetti. Inferno, nel 1993, alla sua uscita, alcuni di noi pensavano che Sena avrebbe avuto un David Fincherla traiettoria della carriera, ma la realtà è che questo oscuro e agghiacciante serial killer di road trip ha poca profondità morale che Fincher porterebbe a “;Sette”; o film successivi. Ma ai suoi tempi aveva un cast in crescita, incluse le stelle in buona fede ancora nessuna Brad Pitt, Juliette Lewis, David Duchovny e Michelle Forbes (“;Un fiume scorre attraverso di esso”; sarebbe stato il film più grande di Pitt fino a quel momento). Forse è la premessa improbabile, potenzialmente sciocca: appena uscito dall'incarico di una rivista sugli assassini seriali, uno scrittore di riviste (Duchovny) e la sua fidanzata fotografa (Forbes) decidono di espandere l'argomento in un libro e intraprendere un viaggio dall'Est Costa in California per documentare i famigerati siti di omicidi da serial killer. A corto di soldi, la coppia pubblica un annuncio ride-share e ha risposto un duo di spazzatura bianco: il tabacco-chewin ’; bidello del parco roulotte Early Grace (Pitt) e la sua fidanzata ninfetta della Lolita Adele (Lewis). Il trucco è che Early è stato praticamente un serial killer per tutto il tempo e lungo il viaggio che inizia a sorgere sulla coppia yuppie che presto inizia a temere per la propria vita. Quindi sono gli amanti in fuga (Prime pause parole per partire in primo luogo), che lasciano una scia di corpi lungo la strada (all'insaputa degli ospiti del viaggio), e poi accendono i loro amici. Potrebbe essere difficile sospendere l'incredulità di questo improbabile set up, ma diremo questo: Pitt, mentre mastica la scena tutto il tempo con manierismi carichi di tic, è un grande mix di oscuri fumetti e davvero terrificante. Allo stesso modo, Juliette Lewis è superba come l'innocente, babydoll Adele, che preferirebbe chiudere un occhio piuttosto che riconoscere la bussola morale del suo compagno. Segnati da Carter Burwell (che ha composto una grande maggioranza di film del Coen Brothers) e sparato da Bojan Bazelli (Abel Ferrara'S 'Re di New York, ' Up Verbinski'S 'L'anello“), L'umore atmosferico del terrore è di prim'ordine. Tuttavia il problema di Sena è che il suo film è tutto un atteggiamento cool e un affetto meditabondo, ostentando i personaggi moralmente in bancarotta e fornendo poca trama psicologica al di sotto di tutto. Ma per una generazione che ha sostenuto lo stile di 'autorevoli volgari', siamo un po 'sorpresi che questo thriller non abbia ricevuto una seconda occhiata negli ultimi anni. [B]

“;Gun Crazy”; (1950)
Una delle accuse frequenti rivolte a questo sottogenere del film è che la narrativa di due persone contro il mondo corre il rischio di rendere glamour o romanticizzare la coppia centrale, anche se sono criminali, spesso omicidi. E a giudicare da questa offerta assolutamente ardente e brillante da parte di uno stilista sottovalutato Joseph H. Lewis, è un dibattito che dura da più di mezzo secolo, anche nell'era del Codice Hayes, poiché non vi è dubbio che, per quanto appiccicosa la loro fine e torturata moralmente, debole e manipolata come entrambe, Laurie (Peggy Cummins) e Bart (John Dall), il duo con armi da fuoco, rapinatori di banche e innamorati selvaggi qui, è incredibilmente fottutamente figo. Liberamente ispirato alla vita reale di Bonnie e Clyde (Laurie sfoggia occasionalmente quel classico look da berretto e mac), la storia segue il travagliato Bart, ossessionato dalla pistola ma non violento da un prologo ambientato durante la sua infanzia, poco prima che lui ’; è stato mandato alla scuola di riforma, a lui si è incontrato e si è imbattuto con il tiratore scelto per il carnevale Laurie, come la sua promessa di 'fare davvero il possibile per essere bravo'. arriva al nulla e affondano ulteriormente in una vita di rapina a mano armata e fughe strette. Dall offre una performance terribilmente comprensiva e conflittuale nei panni dell'uomo decente che sacrifica la sua decenza per essere un omone agli occhi della donna che ama, ma, come la sua migliore fatturazione e il titolo originale del film (“;Deadly è la femmina”;) suggerisce, questo è Cummins ’; film, nonostante il tempo sullo schermo maggiore di Bart e lo sfondo meglio disegnato. Di fronte al bambino, benedetto con un talento per la capacità di tiro e turbato da nessuna delle schizzinosità di Bart sull'uccisione, ciò che impedisce a Laurie di essere semplicemente la più fatale delle femmine scaltro è la genuinità del suo amore per Bart e la sua straordinaria consapevolezza di sé. Il film stesso è praticamente un capolavoro, un massimo di carriera per Lewis, che ha una reputazione retrospettiva per essere riuscito a affinare e realizzare anche il più bizzarro dei film B che si è fatto strada in film di stile sorprendente e persino sperimentazione formale (prendi lo strano avvincente scena di rapina che viene girata dal sedile posteriore dell'auto mentre Laurie guida e lei e Bart litigano gentilmente e naturalisticamente su come arrivarci, dove parcheggiare, quanto è pesante il traffico, ecc.) Alla fine poetica, c'è ’; Non c'è dubbio su dove siano Lewis e le nostre simpatie - non con il mondo esterno, i cadaveri che sporcano le loro tracce o la famiglia e gli amici traditi dalla loro conversione alla criminalità, ma con Laurie e Bart e il mondo privato in cui creano che, come riassume Bart, solo loro sono reali. Tutto il resto è un incubo. ”; [UN-]

“;Farmacia Cowboy”; (1989)
Gus Van SantIl classico indie rivoluzionario non è un film per gli amanti della fuga, e molto di più una storia di tossicodipendenza sulla redenzione e la scoperta di sé attraverso Matt DillonIl personaggio principale di Bob Hughes. Detto questo, soddisfa abbastanza i requisiti di base del genere che abbiamo deciso di includerlo. Dillon interpreta il capo di una troupe disadattata di tossicodipendenti che rapinano le farmacie per sostenere le loro abitudini. La sua squadra comprende la sua superstiziosa fidanzata Dianne (Kelly Lynch) e una coppia di giovani amanti interpretati da James il grasso e Heather Graham. Insieme, il quartetto viaggia attraverso il Pacifico nord-occidentale saccheggiando narcotici da ignari negozi di droga mentre cerca di evitare Gentry (James Remar), un detective che è caldo sulle loro tracce. Al vertice, la tragedia colpisce e Bob decide di andare dritto, che in realtà è un film diverso dal paradigma familiare, ma arricchisce solo ciò che lo ha preceduto e conferisce al film un peso emotivo e spirituale che probabilmente non avrebbe posseduto altrimenti. Nel peggiore dei casi, i film sugli innamorati possono glorificare la violenza romantica delle coppie al di sopra della legge e offrire nient'altro; nella maggior parte dei casi possono essere veramente superficiali se la storia d'amore non si sente vera, straziante e assolutamente schiacciante. Van Sant usa il modello come vibrante trampolino di lancio per qualcosa di più profondo, più strutturato e in definitiva molto più memorabile della maggior parte. [UN-]

“;Zabriskie Point”; (1970)
Michelangelo Antonioni’;La famigerata follia è leggendaria. Qui abbiamo il maestro del cinema italiano che ha realizzato cinque classici del cinema gelido di fila: la sua moderna tetralogia dell'alienazione ('L’Avventura, ''La Notte, ''eclissi, ' Deserto Rosso“) E, naturalmente, il suo enigmatico capolavoro misterioso del mistero dell'omicidio londinese “;Saltare. ”; Dopo aver conquistato il Regno Unito con il già citato film degli anni '60, Antonioni ha puntato gli occhi sull'America. Il suo primo e unico film americano, “;Punti Zabriskiet ”; esamina la gioventù irrequieta della controcultura dell'era del Vietnam, ma con risultati trasformativi pressoché nulli. Scrittori della sceneggiatura inclusi Sam Shepard, collaboratore regolare Tonino Guerra e Bernado Bertollucila moglie di Clare Peplo, ma anche come scritto dalla commissione, la sceneggiatura era forse l'ultimo dei problemi del film (anche se il dialogo è sordo). In cima alla lista dei problemi c'erano i due contatti sconosciuti e inesperti Mark Frechette e Daria Halprin, i cui crediti cinematografici prima e dopo sono sostanzialmente trascurabili. Caratterizzato Rod Taylor e G. D. Spradlin nei ruoli secondari (Harrison Ford ha anche una parte non accreditata come uno dei dimostranti degli studenti), 'Zabriskie Point'. è ribelle-senza-una-causa-y con uno stile documentario (almeno all'inizio). Quando un agente di polizia viene ucciso in una protesta studentesca, Frechette (che può essere o non essere responsabile), va in fuga, ruba un aereo e alla fine incrocia i percorsi con il personaggio disaffezionato di Halprin. Alla fine i due si innamorano (casualmente) e passano il tempo a scopare nella Death Valley con le canzoni di Pink Floyd, The Grateful Dead, Kaleidoscope, The Rolling Stones, John Fahey, ecc. Mentre le sequenze da sogno del deserto girate da Alfio Contini sono belle da vedere, non c'è molto altro da sostenere su questo film lento e senza scopo. Un fallimento critico e commerciale al momento del rilascio, nel corso degli anni ci sono stati diversi tentativi di rivalutare il film come un classico frainteso e mentre non è così orribile come a volte si è reso conto di essere, siamo grati (anche se importanti Antonioni-ites) che la storia revisionista non ha mai avuto. [C]

scarlett johansson rom-com

“;The Sadist”; (1963)
Un film di sfruttamento in bianco e nero nella vena di Roger Corman, “;The Sadist”; è un B-film brutale ma polposo e divertente che è vagamente basato sugli omicidi di Charles Starkweather che hanno anche generato Terrence Malick’; s “;Badlands. ”; Diretto da James Landis, più significativamente, è stata la prima foto scattata negli Stati Uniti da un noto direttore della fotografia William Sigismund (Steven Spielberg'S 'Sugarland Express, ' Michael Cimino'S 'Cancello del Paradiso, ' Robert Altman'S 'Il lungo addio, ' Brian De Palma'S 'Spegnere'Per citarne solo alcuni) e come puoi immaginare, sembra fantastico; la polvere e il sangue hanno dato consistenza palpabile anche in bianco e nero. Tre sfortunati insegnanti delle superiori che si recano a una partita di baseball vengono messi da parte lungo la strada quando la loro macchina si rompe. In una stazione di benzina / discarica abbandonata hanno la sfortuna di imbattersi in uno psicopatico delinquente (Arch Hall, Jr.) e la sua fidanzata altrettanto sfrenata (Judy Bradshaw). Il “; twist ”; sul genere questa volta è che gli amanti in fuga sono i violenti cattivi della foto e il film è completamente fermo, al contrario del progetto del viaggio su strada che la maggior parte di queste immagini segue. Essenzialmente mantenendo il trio in cattività e poi abusando senza pietà e torturandoli mentre si nascondeva dalla legge che è sulla loro coda, 'The Sadist', 'The Sadist', 'rdquo; è chiamato in modo appropriato. Arch Hall, Jr. come il giovane, bello, James Dean-esque killer è deliziosamente buono come il pazzo psicotico esagerato che non potrebbe proprio fregarsene. E sicuramente, molto è un po 'ridicolo e involontariamente divertente ora, è ancora un film B divertente. Consigliato di guardare con gli amici sulle birre con un sacco di urla, urla e urla allo schermo. [B]

“;I ladri come noi”; (1974)
Qualcosa deve essere stato nell'aria. Malick " Badlands ”; arrivato nell'autunno del 73, Robert Altman’; s “;I ladri come noi”; fu rilasciato nel febbraio del 1974 e nell'aprile di quell'anno, Steven Spielberg mettere fuori “;Sugarland Express. ”; Tutte le storie di condannati fuorilegge innamorati che non potrebbero essere più diversi l'uno dall'altro. Basato sul Edward Anderson romanzo con lo stesso nome (lo stesso materiale di cui Nicholas Ray usato per “;Vivono di notte”;) Robert AltmanL'iterazione è l'adattamento più fedele, ma se è una gara di qualità e coinvolgimento, il film di Ray vince di un miglio di campagna. “; Thieves Like Us ”; stelle Keith Carradine come Bowie e Shelley Duvall nei panni di Keechie, due giovani amanti che si incontrano quando Bowie e il suo anziano, i partner dell'era della depressione, si nascondono dalla legge. Un trio fuggito da una banda di catene del Mississippi negli anni '30, Bowie, T-Dub (Bert Remsen) e Chicamaw (John Schuck) scoprono che i loro exploit sensazionali creano un'indebita attenzione e il gruppo è costretto a dividersi. Tuttavia, laconicamente stimolato, uno dei problemi del film di Altman è che la storia d'amore di Bowie / Keechie non inizia fino a un'ora e quindi l'immagine non si accende mai fino a quel punto. Inoltre, a differenza dei suoi contemporanei, 'Thieves Like Us', rdquo; è decisamente non affascinante e oggettivo; Altman si rifiuta di drammatizzare nulla fino alla frustrazione. Il film quindi affonda o nuota in base alle sue prestazioni e diciamo solo che Keith Carradine è molto, molto più grande di uno statista anziano in 'Ain', Them Bodies Saints '. poi fu come un giovane fortunato in 'Ladri'. Mentre Shelley Duvall è sempre quasi magico nei film di Robert Altman, la loro chimica non è abbastanza alchemica come deve essere e, a malapena mostrando un crimine, il regista sceglie una strada più introspettiva e ponderata che raramente illumina. A differenza della sua versione revisionista sull'occidente “;McCabe e la signora Miller, ”; &Lsquo; Thieves ’; possiede poche delle stesse qualità liriche e poetiche, e in un'opinione impopolare lo diremmo uno dei film più sopravvalutati di Altman negli anni '70. [C +]

“;Dove vive il pericolo”; (1950)
Il paradigma classico per gli amanti in fuga - nel 'Badlands, ''True Romance, 'Senso del genere - sono due amanti incredibilmente condannati, attraversati da una stella, incurabilmente innamorati l'uno dell'altro e in fuga, ma esistono anche altre iterazioni. Uno dei colpi di scena più affascinanti della formula viene prima che il genere esistesse nella sua forma moderna è John Farrow'S 'Dove vive il pericolo'Che raffigura due amanti in una bugia tossica di una relazione che diventa solo più acida quanto più si approfondiscono nel loro viaggio. Protagonisti Robert Mitchum, Faith Domergue (un Howard Hughes protagonista nel suo debutto cinematografico), e troppo brevemente, sempre deliziosamente buono Claude Rains, questo avvincente thriller noir incentrato su un bel giovane dottore con una ragazza stabile (Maureen O'Sullivan) che si innamora di una bellissima paziente suicida che sembra aver bisogno di aiuto. Quando scompare misteriosamente dall'ospedale la mattina successiva, il medico preoccupato e colpito (Mitchum) rintraccia la donna (Domergue) a casa sua solo per scoprire che è già sposata con un ricco signore anziano (Rains). Scoraggiato e arrabbiato con se stesso, il dottore tenta di andarsene, ma viene attirato dalle urla della donna. Segue una violenta alterazione e quando la polvere si è depositata, il medico scopre che l'uomo più anziano è stato ucciso accidentalmente. Mentre il medico eticamente sano cerca di chiamare la polizia, la donna manipolatrice convince il medico ferito e confuso (che ha subito una commozione cerebrale) a scappare per paura di essere accusato di omicidio. E così inizia un amante in fuga che è avvincente quanto arrivano, ma ancor più avvincente per le dinamiche traballanti tra i due e la lenta rivelazione del dottore secondo cui la sua compagna è più che un po 'indifferente (in effetti, lei ’) ; s la classica astuzia, squilibrata femme fatale). Direttamente sapientemente, pieno di suspense e teso, 'Where Danger Lives' ha tutti gli ingredienti di un classico film noir, ma è certamente guastato da Domergue che non è molto attore. [B +]

“;Una falsa mossa”; (1992)
direttore Carl Franklin ha avuto una carriera decente (vedi 'Diavolo In Un Abito Blu'Protagonista Denzel Washington), ma dando la natura scoppiettante e la voce acclamata della critica al suo thriller noir on-the-road del 1992 “;Una falsa mossa”; (Gene Siskel elencato come il suo film preferito del 1992; Roger Ebert era anche un grande fan), ti saresti aspettato di più dal regista. Venne fuori dall'indimenticabile lavoro di regista diretto al video alla fine degli anni '80, Roger Corman mondo, “; One False Move, ”; un racconto spericolato di droghe, violenza e relazioni sessuali, sembra più un debutto alla regia e si può percepire che Franklin stava cercando di ottenere il massimo da questo primo vero film. Scritto da una delle sue stelle, Billy Bob Thornton, “; One False Move ”; è incentrato su tre spietati spacciatori di droga di Los Angeles, due dei quali sono amanti, in fuga dopo aver brutalmente assassinato e attraversato due volte gli uomini con cui avevano intenzione di fare affari. Thornton interpreta Ray, la mente del trio, Cynda Williams interpreta la sua fidanzata nevrotica Fantasia e Michael Beach assume il ruolo del compagno silenzioso e intelligente, ma totalmente psicotico. Sulla scia del loro crimine, il trio si dirige verso una città rurale dell'Arkansas per nascondersi supponendo che gli abitanti locali ignoranti non daranno loro molta colpa. Ma il L.A.P.D. li sta rintracciando e avvisano lo sceriffo locale rube in testa interpretato da Bill Paxton che è entusiasta di fare il vero lavoro di polizia. ”; Ciò che ne consegue è uno scontro intenso, cinetico e sanguinoso tra i tre assassini e il poliziotto inesperto che si presenta all'altezza nonostante i suoi svantaggi. E il lungo preludio pungente che porta alla conclusione finale sulla collisione è tanto nervoso quanto suspense e teso come qualsiasi sequenza che possiamo ricordare. [B +]

“;Vivono di notte”; (1948)
Mentre lì siamo gli amanti dei film lam che hanno preceduto “;Vivono di notte', Si può affermare che il genere che conosciamo e amiamo inizia in gran parte qui. Nicholas RayIl film di debutto del 1948 non è solo un thriller sorprendentemente commovente e incandescente, il film noir altamente influente ha creato il prototipo di riferimento che la maggior parte delle foto in fuga seguiranno da vicino in seguito. Un'enorme fonte di ispirazione per il Notebook cinema folla, il film ha ispirato “;Pierrot le Fou, ”; “;Senza fiato, ”; “;Bonnie & Clyde”; e innumerevoli altri, il film di Ray era basato sugli eventi della vita reale di Bonnie & Clyde, ma il film era in realtà un adattamento di Edward Anderson'Romanzo poco conosciuto' “;I ladri come noi”; (Altman farebbe lo stesso, vedi sopra). 'Questo ragazzo ... e questa ragazza ... non sono mai stati adeguatamente introdotti nel mondo in cui viviamo', leggono le carte del titolo e presto inizia una classica storia d'amore condannata di giovani fuorilegge che cercano di superare le conseguenze delle loro azioni. La premessa è semplice, tre rapinatori di banche fuggono dalla prigione e il più giovane e ingenuo, Bowie (Farley Granger) trova presto rifugio tra le braccia di una ragazza compassionevole (Cathy O’Donnell) chi è solidale con la sua condizione (Bowie è stato ingiustamente condannato per omicidio). Cercando di sposarsi e andare dritto, la giovane coppia sogna persino di assumere un avvocato per dimostrare l'innocenza di Bowie. Nel frattempo i suoi partner nel crimine cercano di costringerlo a un altro lavoro, ma anche quando rifiuta la legge non è molto indietro. Una delle idee più romantiche ed empatiche dei fuorilegge in fuga, qui non ci sono domande sulla moralità; Ray definisce questi due amanti come innocenti irrimediabilmente ingenui condannati dalle circostanze per le quali puoi e per cui sradicherai totalmente. Eleganti, sensuali e ansiosi, 'Loro vivono di notte'. è terribilmente teso e pieno di angoscia emotiva schiacciante. È un debutto alla regia straordinariamente assicurato da parte di Ray, ma ha anche due grandi attori al timone, in particolare Granger il cui tremendo criminale senza colpa rivela una tragica bellezza malinconica che incapsula perfettamente il film. [UN]

'Badlands'(1973)
Probabilmente il film 'Gli amanti in fuga' a cui vengono confrontati tutti gli altri, il film d'esordio di Terrence Malick, vagamente basato sugli exploit omicidi della vita reale del serial killer Charles Starkweather e la sua ragazza Caril Ann Fugate è un singolare tour de force del cinema americano, guidato da due spettacoli senza pari di Martin Sheen e Sissy Spacek. Sheen è una sfigata a basso costo che incanta una ragazzina minorenne, uccidendo prima suo padre (Warren Oates) e poi accompagnarlo in una follia omicida. (Il film, come il caso reale, ti consente di decidere quale livello di coinvolgimento ha effettivamente avuto.) Il sogno di Malick è ormai agli inizi, ma fa molto per enfatizzare la natura fiabesca dell'avventura oscura della coppia: viaggiano attraverso il campagna e nascondersi in una foresta incantata, con lui come il cavaliere incaricato di uccidere i draghi e lei come la principessa indifesa. Gli amanti a volte corrono nei film perché il loro amore è frainteso o sono ricercati dalle autorità; entrambi sono veri qui. C'è una sorta di ignoranza intenzionale che deve essere impiegata, dal momento che è una ragazza minorenne ed è uno degli idioti più duraturi e avvincenti del cinema, tutto spavalderia, denim e capelli lisci. Puoi sentire l'influenza di 'Badlands' in così tanti film successivi in ​​questo genere, che potrebbe sembrare quasi più importante per i film che ha generato e ispirato. Ma poi torni all'originale e lo trovi altrettanto avvincente e coinvolgente e straordinariamente fresco come non mai. [UN]

“;Si vive solo una volta”; (1937)
Solo il secondo del grande regista austriaco Fritz LangImmagini degli Stati Uniti (la prima è “;Furia, ”; che ha anche recitato Sylvia Sidney, come sarebbe il suo prossimo, “;Me e te”;) “;Si vive solo una volta”; è una tragedia meravigliosamente ripresa e recitata in modo nitido in cui una giovane donna amata intelligente, bella e a tutto tondo, Joan (Sidney) cade, con immutabile e indiscutibile lealtà, per il piccolo criminale Eddie (Henry Fonda). L'idealismo e la decenza di Joan si rivelano insufficienti per salvare il suo ex coniuge dai pregiudizi di una società giudicante e alla fine anche lei si indurisce contro il mondo esterno, scegliendo di stare con lui, dalla parte sbagliata della legge, oltre tutto il resto: lavoro, famiglia, rispettabilità e persino, eventualmente, il loro bambino. Fonda e Sidney sono entrambi superbi nei loro ruoli, con Fonda che porta un po 'della sua ambiguità distintiva al personaggio di Eddie, rendendolo un uomo comprensivo ma anche profondamente imperfetto la cui situazione non può semplicemente essere colmata fino ai fallimenti di una società indifferente, mentre Sidney vende davvero la devoluzione di Joan da membro vivace, indefettibile, onesto della società a Girl Friday monomaniacale e inspiegabile a un assassino disperato, senza speranza, coniato di recente. La storia segue la liberazione di Eddie dal carcere per tentata rapina, dopo la costante petizione di Joan e del suo capo (che è innamorato di lei), ma dopo che Joan ed Eddie si sono sposati, ha rivelato quanto sarà difficile condurre una vita normale per un ex detenuto, ed è presto tornato in prigione, questa volta con accuse molto più serie. L'abilità di Lang è visibile in ogni fotogramma di questo racconto degli innamorati condannati, in particolare in una spavalderia, sequenza di rapina impressionista che è girata in modo così intelligente che le sue ambiguità rimangono intatte fino a tardi nel film e nelle performance molto moderne che disegna dai suoi bravi attori — dovresti essere un po 'fatto di pietra per l'ultima insistenza di Joan sul fatto che lei farà di nuovo tutto per non commuoverti. Certamente ci incuriosisce per il taglio di 100 minuti che è stato ridotto all'attuale 85 a causa di un'eccessiva violenza: ciò che rimane è già un classico, ma saremo felici di ottenere altri 15 minuti del particolare talento visivo di Lang. [B + / A-]

'True Romance'(1993)
Uno dei tardi Tony ScottLe migliori offerte, la sceneggiatura di Tarantino & True Romance ”; è senza dubbio influenzato e ispirato da molti dei film della nostra raccolta. Clarence Worley (Christian Slater) incrocia i percorsi con la call girl Alabama Whitman (Patricia Arquette) per il suo compleanno, si innamora subito e la libera dal vizioso spacciatore Drexl Spivey (un memorabile Gary Oldman), venendo via macchiato di sangue, ma con una valigia piena di coca cola. Il loro viaggio d'ora in poi è più memorabile per i suoi lati rispetto all'effettiva relazione tra i due protagonisti, nonostante una solida chimica. La solita stilistica bombastica di Scott non oscura il dialogo e spiccano due scene: il volto di Clarence con Drexel e un classico istantaneo di uno scambio tra il padre di Clarence Clifford (Dennis Hopper) e Vincenzo Coccotti (Christopher Walken), sulle tracce dei due uccelli dell'amore per recuperare i soldi della droga. Slater e Arquette sono abbastanza simpatici, ma il loro accoppiamento non è particolarmente memorabile - una luna di miele perpetua interrotta dalla violenza grizzly. Tarantino non risparmia così tanto sullo sviluppo del personaggio mentre segue il progetto definito da film simili - anche Hans ZimmerL 'eccellente colonna sonora è un omaggio diretto a 'Badlands', ad eccezione della scrittura di Clarence come appassionato di cultura pop per eccellenza. In un universo (per fortuna) alternativo, non è difficile immaginare che Tarantino reciti quel ruolo - è essenzialmente una lettera d'amore / fantasia per filmare fanatici di tutto il mondo. È un divertimento frizzante e inebriante che non cerca né raggiunge altro, e se nient'altro ci lascia con un paio di momenti davvero preziosi, compreso il finale: solo in una sceneggiatura di Tarantino potrebbero le tre piccole parole che ronzano intorno alla testa di qualcuno mentre guardano il loro amato viene perforato essere ... ”Sei. Così. Fantastico. '[B]

“;Il veloce e il furioso”; (1955)
Sì, prima che ci fosse Vino, Paul Walker, e persino La roccia, c'era l'originale del 1955: “;The Fast & The Furious. ”; Ma no, la serie alimentata dal testosterone che conosciamo e apparentemente amiamo, non ha nulla a che fare con l'originale, se non appropriarsi del suo nome (evidentemente MGM non ho chiesto universale per cambiarlo in 'Vin Diesel' The Fast & The Furious '. Co-diretto da Edward Sampson e la star del film John Ireland (John Ford'S “;Mia cara Clementina”; e Howard Hawks'“;fiume rosso”; per citarne alcuni), il film era una produzione di Roger Corman - evidentemente il famigerato parsimonioso Corman ha permesso all'Irlanda di co-dirigere come un modo per abbassare la sua parte da protagonista. E ha davvero le sue impronte digitali dappertutto: ha co-scritto, si è messo dietro la macchina fotografica per la prima volta per girare la seconda unità e ha anche fatto un po 'di acrobazia alla guida. È una premessa tipicamente efficiente che non perde tempo e dà il via alla sua storia nei suoi primi cinque minuti: un carceriere della prigione ordina una hot rod di una giovane donna e loro si recano in Messico! La classe superiore in difficoltà è Dorothy Malone chi si ricorderà di lei riconoscimento accademicoruolo vincente in Douglas Circus'S 'Scritto sul vento. ”Come ostaggio dell'Irlanda, il personaggio scontroso di Malone si agita e si rivela un rapimento difficile (e questo essendo un film di Corman viene schiaffeggiato per essere anche un dolore), ma alla fine tutti i pericoli, la passione, i poliziotti sulla loro coda e l'eccitazione fa innamorare entrambi. A favorire l'attrazione sono le loro circostanze non così opposte: è fuori dalla legge (anche se giura di essere innocente) e lei è un'estranea sul circuito delle auto da corsa che ha vinto la sua corsa ( da qui il motivo per cui possiede la dolce Jaguar che l'Irlanda ha all'inizio. Girato in nove giorni, The Fast And The Furious ”; è ben lungi dall'essere un classico, ma a soli 73 minuti, è un piccolo film B piuttosto divertente. Credito Lovers-On-The-Run extra: “;The Chase”; starring Charlie Sheen e Kristy Swanson preso in prestito la sua sede all'ingrosso nel 1994 [B-]

“;Sugarland Express”; (1974)
Steven SpielbergIl debutto nel lungometraggio teatrale si basa, in modo molto approssimativo, su una storia vera, ma nonostante la strana fine inusuale, puoi già vedere l'evoluzione del regista Spielberg che sarebbe diventata - in meglio (abilità tecnica) e peggio (sentimentalità). Lou Jean Poplin (Goldie Hawn) rompe il marito Clovis (William Atherton) fuori dal carcere di bassa sicurezza con l'idea miope che possono rubare il loro figlio piccolo dai suoi genitori adottivi ed essere una vera famiglia ordinaria. ”; All'inizio prendono in ostaggio un giovane poliziotto, che attira una sproporzionata attenzione da parte della polizia (una carovana di macchine della polizia forte di 100), celebrità dei media e status di eroe locale. Mentre la vera storia non presentava alcun jailbreak e secondo quanto riferito l'aspetto della visita del bambino era un ripensamento, Spielberg e i suoi sceneggiatori (sorprendentemente vincitori del premio per la migliore sceneggiatura di Cannes) sono inequivocabili nelle loro intenzioni di simpatizzare con l'equivalente cinematografico del lascia andare, facendo di Lou Jean una madre fuorviata ma amorevolmente feroce e la tragica vittima di un sistema poco premuroso, e facendo sì che l'affabile giovane poliziotto diventi gradualmente amico e alleato dei suoi rapitori. In effetti, tutti, fino al capitano della polizia incaricato della caccia all'uomo, sono ritratti in modo così fondamentalmente simpatico e decente, che la posta in gioco è raramente percepita (quindi la fine sembra doppiamente ingiustificata) e per la maggior parte il film è interpretato come un'avventura picaresca bizzarra. Soprattutto nella seconda parte più pacifica, questo aspetto funziona abbastanza bene come la crescente disparità tra gli sforzi per contenere la coppia e la loro ovvia innocuità fa sorgere un commento ironico: ad un certo punto in una città in cui sono in viaggio si svolge una vera e propria parata il loro onore, con folle di gente del posto che li rallegra e spargono la macchina con regali per il bambino. Spielberg gestisce gli incidenti d'auto, le scene di folla e le sparatorie rare come un professionista - già la sua competenza tecnica è in mostra - ma la caratterizzazione soffre e, occasionalmente, i tentativi di umanizzare e normalizzare i Poplin si incontrano come condiscendenti, come l'ossessione miope di Lou Jean collezionare francobolli d'oro dalle stazioni di servizio o la sua insistenza nel mettere i bigodini tra i capelli. Stranamente sembra che il sentimentalismo nascente di Spielberg finisca per sottovalutare qualsiasi sentimento reale che abbiamo per la coppia, e il denouement (che è a sua volta abbattuto da un poscritto che insiste sul fatto che le cose abbiano funzionato dopo tutto) si svolge un po 'come scoprire un pezzo di sabbia inspiegabile nella tua gomma da masticare. [B-]

'Qualcosa di selvaggio'(1986)
Jonathan Demme'Totalmente sballato'Qualcosa di selvaggio'È una testimonianza delle lunghezze che gli uomini faranno per impressionare una ragazza, al punto da cambiare tutto di se stessi. In questo caso lo è Jeff Daniels, che interpreta un banchiere stretto, che si innamora di Melanie Griffith (al suo più carino assoluto). Puoi sentire il suo disperato desiderio di impressionarla fin dall'inizio, quindi quando i due scappano insieme (in un'auto è stata rubata), non sembra assurdo, sembra naturale: queste sono le lunghezze che questo ragazzo sta per fare solo per provare a impressionarla. 'Something Wild' è magnificamente girato dal collaboratore Demme di vecchia data Tak Fujimoto e ha una colonna sonora incredibilmente vivida che presenta tonnellate di famose band New Wave del giorno, sottolineando l'atteggiamento a ruota libera 'fuck it' di tutto il film. Chiunque si sia innamorato di qualcuno che conosci non è giusto per te (e voleva seguirli comunque) può identificarsi con 'Qualcosa di selvaggio', non importa quanto impazzisca. Il film diventa più scuro e imprevedibile man mano che procede, soprattutto quando Ray Liotta si presenta come il distinto marito di Griffith (enfasi sullo strano), portando a un climax del tutto inaspettato. Ma proprio prima che inizino a girare i titoli di coda, il bizzarro romanticismo del resto del film ritorna ed è difficile non svenire di nuovo. Come amante del film di corsa, è una storia dolce, sciocca e assolutamente moderna su un tizio quadrato che vuole impressionare una ragazza carina, indipendentemente dalle conseguenze. Una storia vecchia come il tempo, davvero. [B]

“; Pierrot Le Fou”; (1965)
Jean-Luc Godard rivisiterebbe il tema degli amanti condannati in fuga, dalla legge e da varie altre forze della società borghese, più volte nella sua lunga carriera (in particolare altrove con “;Senza fiato, ”; e “;Nome: Carmen, ”;) ma mai con tanta gioia, sciocca verve come in “;Pierrot le Fou, ”; che va al confine tra l'invio e l'omaggio amorevole al “;Gun Crazyil cinema americano con umorismo e intuizione e, naturalmente, un forte pizzico di pretesa intellettuale autocosciente. Il suo sperimentalismo è qui in vigore - tagli di salto, spunti improvvisi di musica, intere sequenze girate attraverso filtri rossi o blu - ma c'è abbastanza di un filo narrativo, o piuttosto fa riferimento a generi che siamo già così familiari, che ci sono sempre un'ancora di salvezza a cui aggrapparsi, anche nei momenti più all'avanguardia del film. Il costante gioco di parole (“; Allons-y, Alonzo! ”;), i riferimenti alla cultura pop e le battute contribuiscono anche alla brezza del tono (annuisce a tutto da “;Johnny Guitar”; a Elnett lacca per il “; metti una tigre nel tuo serbatoio ”; campagna pubblicitaria per Esso) e la tavolozza dei colori primari significano che il film passa di fretta. Ed è tutto ancorato dal fotogenico criminale Anna Karina sfoggiando una varietà di abiti e acconciature feticizzabili, e il re del freddo Jean-Paul Belmondo come gli innamorati che non sono così tanto le stelle si incrociano come pieno di strani capricci e attacchi di ennui esistenziale. E sì, questo è in realtà Sam Fuller interpretando il regista americano Sam Fuller ”; all'inizio di una festa, durante la quale, esilarantemente, le donne parlano di articoli da toeletta mentre gli uomini discutono di automobili. Ci sono omicidi e doppie croci e una sorta di gruppo di quasi terroristi / trafficanti d'armi e sferzate di riflessioni comicamente cupe su vita, morte e arte, ma praticamente tutto ti grida di non prenderlo sul serio e il risultato è uno di Godard ’ i film più semplici, più visceralmente divertenti, con un finale così divertente e sciocco che non sarebbe fuori posto nei primi tempi Woody Allen film di schizzo. Se ti piace la follia di una linea come: “; È una buona cosa non mi piacciono gli spinaci, perché se lo facessi dovrei mangiarlo e non sopporto la roba. È lo stesso con te, solo al contrario, ”; ti innamorerai di Pierrot le Fou. ”; E lo facciamo. [B +]

“;I 39 passi”; (1935)
Mentre un bel po 'di HitchcockI film di S sono caratterizzati, almeno in parte, da una coppia di amanti in fuga (“;Nord da nord-ovest, ”; “;incantato”;) forse ha trovato la massima espressione del tema in questo film del 1935 assolutamente geniale, il primo e ancora il miglior adattamento di John Buchan’; s “;I 39 passi. ”; Qui, tuttavia, gli amanti in fuga sono accusati ingiustamente: Richard Hannay (il nostro ragazzo degli anni '30 Robert Donat) è stato incastrato e, nel disperato tentativo di cancellare il suo nome, finisce per coinvolgere uno spettatore, Pamela (Madeleine Carroll) come suo compagno inizialmente non disposto ma progressivamente scongelante. Sia nella loro innocenza che nel fatto che in realtà non si innamorano fino a un po 'tardi nel gioco, questa potrebbe sembrare un'inclusione atipicamente ingenua in questa lista, popolata com'è più da psicopatici amorali il cui unico mondo è l'un l'altro, ma ciò crederebbe alla fantastica chimica tra i due e al fascino e all'umorismo che Hitch munge anche dalle situazioni più elettricamente pericolose. In effetti, sosteniamo che la scena in cui, ammanettata a Richard, Pamela deve togliersi le calze bagnate, ha un fascino sessuale più puro rispetto a qualsiasi quantità di carne contorta morbida. Che non solo questi innamorati abbiano superato e sconfitto con successo la polizia e i cattivi che li perseguitano, ma finiscono anche per salvare il paese con il loro eroismo, è la conclusione totalmente soddisfacente di questo cappero brillantemente divertente, un film che, per una volta in questo elenco, non finisce in una grandinata di proiettili, ma piuttosto con un dolcissimo primo piano di tenersi per mano. [UN]

è live pd fake

“;Il sole non brilla”; (2012)
Probabilmente lo sai meglio Amy Seimetz come attrice (la TV 'L'uccisione, ' Shane Carruth'S 'Colore a monte') Ma è una scrittrice / regista formidabile a sé stante, come dimostra il suo film d'esordio del 2012, l'incantevole'Il sole non brilla. ”Il film è protagonista Kate Lyn Sheil e Kentucker Audley (che appare brevemente come Casey AffleckIl fratello di 'Ain’t Them Bodies Saints', che è ovviamente diretto da David Lowery, redattore di 'Upstream' di Carruth, e quindi il cerchio è completo) come una coppia in fuga dalla cosa molto cattiva che Crystal (Sheil) ha fatto, che sembra anche cavalcare sul retro del loro camion. Seimetz crea un mondo che è schiarito dal sole, sovraesposto e sognante; un rendering perfetto di un viaggio in Florida sbiadito. Sheil e Audley offrono spettacoli che sono lanciati a due frequenze completamente diverse: sembra costantemente persa in un sogno ad occhi aperti o in un incubo, mai realmente faccia a faccia con la realtà, mentre affronta la loro situazione frontalmente, diventando sempre più in preda al panico e alla frenesia di il minuto. Poiché siamo in linea con Crystal per la maggior parte del film, non siamo completamente sicuri di quale sia la situazione, perché non lo è. Seimetz infonde questo film poliziesco sognante ma terrificante con l'aspetto e la sensazione di una vacanza di viaggio in spiaggia, e il risultato è qualcosa di assolutamente unico e assolutamente avvincente. [UN-]

“;Senza fiato”; (1960) / “;Senza fiato”; (1983)
Per un film girato nel 1960, alambicchi di Jean-Luc Godard ’; s “;Senza fiato”; (in cui Francois Truffaut ottiene un credito per la storia) adornano ancora un sacco di pareti del dormitorio del college. In parte, ovviamente, questo ha a che fare con l'irresistibile chic parigino in bianco e nero di tutto lo sforzo, in parte a causa della reputazione di Godard come un terribile enfant cinematografico e membro fondatore del nouvelle vague finemente cool, ma anche esso ’ perché il film è semplicemente una delle migliori evocazioni di quanto possa mai essere meraviglioso essere giovane, innamorato e alienato da una società che non lo capisce. Avvolto nel fumo di sigaretta, Michel (Jean-Paul Belmondo) mostra apertamente e consapevolmente i canali Humphrey Bogart creare un personaggio che, per quanto nichilista e egocentrico come lui, sia lui stesso altrettanto aspirante per i giovani ragazzi, mentre l'eterna moderna Patricia (Jean Seberg), con il suo taglio pixie e gli appartamenti rappresenta la versione più chic possibile della giovane americana all'estero. Certo che non vanno così tanto sul campo da bucare insieme per parlare, fumare e avere un bell'aspetto dopo che il sociopatico Michel, all'insaputa di Patricia, uccide un poliziotto, ma il movimento non è quasi all'ordine del giorno qui - e nessuno dei due lo è moralità, fino alla decisione disperata finale di Patricia. Ancora oggi, quando forse il film si sente così leggermente consumato, come se i decenni di adulazione che si sono susseguiti abbiano cancellato un po 'di lucentezza, è facile capire perché lo stile cinetico del salto e la narrazione non lineare hanno sconvolto il francese il cinema nella misura in cui lo ha fatto e ha lanciato un intero movimento: un migliaio di pareti del dormitorio non possono offuscare la pura bellezza del film e l'occhio insopportabile per il fresco. [UN-]

E tu sai cosa? Il 1983 Richard Gere-starring, il remake statunitense ambientato a Los Angeles non è così terribile come potresti pensare, se riesci ad andare oltre l'essenziale inutilità del rifacimento 'Breathless'. in primo luogo (anche se Tarantino è stato registrato per dire che il remake è superiore; nota: è completamente sbagliato). Siamo solo sorpresi che Godard non abbia mai pensato di rifare il remake americano del suo omaggio francese ai film di genere statunitensi, anche se forse lo ha fatto e ha creato una singolarità che si è ingoiata immediatamente. [B-]

'Natural Born Killers'(1994)
Pochi film negli anni Novanta erano controversi come 'Natural Born Killers, ' Oliver StoneIl road movie caleidoscopico e intriso di sangue su una coppia di serial killer innamorati (Woody Harrelson e Juliette Lewis), che era almeno in parte basato su una vecchia sceneggiatura di Quentin Tarantino (ha preso pubblicamente le distanze dal film dopo che Stone lo ha cambiato abbastanza da renderlo suo). Visivamente sorprendente come qualsiasi cosa abbia fatto il regista, 'Natural Born Killers' è stato un film di amanti in fuga che è servito anche come satira pungente dell'ossessione dei media degli anni Novanta per tutte le cose malvagie. Questo è stato un periodo nella storia americana in cui casi criminali di alto profilo hanno catturato l'immaginazione della nazione e le carte collezionabili del serial killer sono state stampate e scambiate da ragazzini (aw, ho già Dahmer) e Stone voleva infilzare il tutto nel modo più sfrenatamente esagerato possibile. E così ogni fotogramma del film è sovralimentato, altamente elaborato o multimediale: le sequenze passano dall'animazione in bianco e nero all'animazione sgargiante e viceversa senza alcun preavviso o contesto. Per Stone, la passione dei due amanti in fuga e l'appetito del pubblico americano di trasformarli in rockstar è stata ugualmente depravata, con l'uno che si nutre dell'altro. La quantità di indignazione mediatica che ha accompagnato questo film è stata scioccante come nel film reale, con intere sequenze rimosse dall'edizione teatrale (inclusa una in cui Tommy Lee Jones, che interpreta un malvagio guardiano della prigione, si è fatto tagliare la testa e mettere un bastone) per ottenere un punteggio R, e proteste esplicite montate da costa a costa (in seguito, un certo numero di 'crimini di copione' sarebbero stati incolpati nel film ). Il bizzarro approccio del lavello della cucina adottato da Stone per evocare il mondo privato dei 'Killers' è ammirevolmente bizzarro e conserva il suo potere di sussultare fino ai giorni nostri, ma il suo frenetismo surriscaldato e iperproteso non ha molta sostanza o impatto emotivo sotto i suoi simboli psichedelici . Va notato, tuttavia, che è divisivo fino all'ultimo, con questa è una voce per la quale la playlist armoniosa di solito Borg Hive Mind non può concordare su un grado, che va da [D +] a [A] (follia). Quindi lo uniformeremo a un [B-]

“;La fuga”; (1972) /”La fuga'(1994)
Basato su un romanzo del poeta vincitore della pasta dura Jim Thompson, la cui sceneggiatura è stata riscritta dal titano della mascolinità cinematografica Walter Hill, diretto dalla favorita femminista Sam Peckinpahe con protagonista a Steve McQueen fermamente nel mezzo di una rottura del matrimonio intrisa di cocaina, 'La fuga'Si alza da una fitta nebbia di testosterone: non c'è niente di più notte da ragazzi di così. Ali McGraw (un po 'male, con effetti occasionalmente affascinanti) usa le sue astuzie per liberare il marito 'Doc' McCoy (McQueen) dalla prigione. Dopo una rapina in banca fallita, la coppia litigiosa si mette in fuga con il bottino, inseguita da poliziotti con carne da cannone e una varietà di imbroglioni, guidata da Rudy sorprendentemente repellente e malvagio (Al Letteria). Forse inevitabilmente, tutto culmina in un bagno di sangue a El Paso, e una tenera riconciliazione per gli amanti della vita reale allora, ma non prima che il loro viaggio picaresco li abbia visti entrambi accumulare un bel conteggio del corpo, essere scaricati in una discarica da un camion della spazzatura, ed essere doppio attraversato da quasi tutti lungo la strada, anche da alcuni sconosciuti. Questo non è affatto Peckinpah di alto livello; sia lui che McQueen erano alla disperata ricerca di un colpo senza fronzoli dopo il fallimento commerciale di 'Junior Bonner”(1972), oltre a un'apertura straordinariamente evocativa quando Doc è ancora in prigione, questo è principalmente un film d'azione / rapina. Ma è un film di genere con pedigree e tutte le graffette ci sono: montaggi straordinariamente curati, balletti di proiettili slo-mo brevettati e un vuoto disprezzo per le vite di personaggi minori (testimone del povero dentista sap che si vergogna di sua moglie ’; s relazione flagrante con Rudy). E una presenza vacua come spesso troviamo McGraw, non c'è dubbio che lei e McQueen si adattino almeno fisicamente al grintoso anti-glamour della cinematografia e delle location fatiscenti. Forse no Robert Evans'Film preferito però … [B]

Porta via qualunque lucentezza della visione d'autore Peckinpah's versione di Peckinpah, e amplifica gli aspetti trash, polposi per luridi effetti della metà degli anni '90 e ottieni il remake del 1994, con protagonista Alec Baldwin e Kim Basinger. Non è altrettanto buono - ciò che poco non è stato reso esplicito nella versione del 1972 qui è messo a nudo in modo sbalorditivo qui - ma questo non vuol dire che non si possa ricavare un certo senso di colpa dai suoi eccessi. [C]

“;Boxcar Bertha”; (1972)
Come ha fatto con tanti giovani talenti, Roger Corman ha dato Martin Scorsese una delle sue prime grandi interruzioni con l'opportunità di dirigere il film di sfruttamento 'Boxcar Bertha'Come secondo lungometraggio (il suo primo è stato'Chi è che bussa alla mia porta') Per la compagnia di Corman American Independent Pictures nel 1972. Protagonisti Barbara Hershey e David Carradine come una giovane coppia che ama e ruba sulla strada con la sua gang tosta, il film ha approfittato di due tropi della New Hollywood degli anni '70: la nostalgia (il film è ambientato negli anni '30) e lo sfruttamento (il nubile Hershey è spesso nudo, probabilmente per Corman standard e pratiche). Senza dubbio capitalizzando sul 'Bonnie e Clyde'Successo di 5 anni prima,' Boxcar Bertha 'è un film che spinge i confini di quel film che già spinge i confini, aumentando il sesso, la violenza e il sangue che il pubblico degli anni '70 si aspettava, nonostante il periodo stabilito. La sensualità di 'Bertha' è stata persino catturata in una diffusione di Playboy completamente nuda con gli amanti della vita reale Hershey e Carradine (sembra solo appropriato che un'altra Carradine appaia in 'Ain’t Them Bodies Saints' per mantenere la tradizione). Ma nonostante tutto lo sfruttamento e la bontà di 'Bertha', il film è realizzato in modo abbastanza abile, nonostante i limiti di tempo e di budget, e mette in mostra lo stile cinetico e dinamico per cui Scorsese sarebbe diventato famoso, così come la sua volontà di sondare i pozzi più bui della natura umana. Hershey e Carradine sono avvincenti, oltre che i favoriti perenni Bernie Casey (di 'Vendetta dei nerd“) Che rappresenta la tensione razziale del tempo. Un esempio per eccellenza e spesso trascurato nel genere Lovers on the Run. [B +]

meraviglia post capitano scena creditizia

'The Honeymoon Killers'(1969)
C'è una sorta di fascino da baraccone che ti tiene nel suo abbraccio oscuro mentre guardi 'The Honeymoon Killers', Un film a cui erano stati attaccati almeno tre registi in vari punti della produzione (incluso Martin Scorsese, che è stato licenziato per aver lavorato troppo lentamente; alcune sue scene sono ancora visibili nel film). Le star del cinema Sedie Shirley e Tony Lo Bianco, in una storia basata sul famigerato 'assassini di cuori solitari' Raymond Fernandez e Martha Beck, che sono stati condannati per aver ucciso diverse persone e sospettati di aver ucciso almeno una dozzina di altre (raccontato nel film messicano del 1996 'Deep Crimson“). Girato in un tipo di bianco e nero cupo, a basso costo, che suggerisce sia i filmati del cinegiornale che i film polposi, 'The Honeymoon Killers' è meravigliosamente lurido, a un livello quasi disgustoso. Molto di questo ha a che fare con il cinema a basso costo ma altrettanto può essere attribuito alle due performance principali, che sono in qualche modo deliziosamente esagerate e spaventosamente reali. Stoler e Lo Bianco hanno un'energia a basso costo che suggerisce quanto siano innamorati e quanto potrebbero diventare psicotici. C'è qualcosa di decisamente 'off' in loro, che arricchisce il film con un realistico realismo che avrebbe potuto mancare se gli attori più abili e curati avessero preso i ruoli. Mentre il film ha ottenuto una certa notorietà nei film di culto nel corso degli anni, rimane ancora qualcosa di curioso, e che non tutti sono in grado di guardare. Anche se la loro storia d'amore è stranamente commovente, è ancora un orologio difficile, il tipo di cosa che ti fa venire voglia di fare una doccia dopo aver finito di guardarlo. Forse con qualcuno che ami davvero, davvero. [B]

'Cuore selvaggio'(1990)
In 'Wild at Heart', Sailor (Nicolas Cage) indossa una giacca di pelle di serpente che, nelle sue parole, rappresenta un 'simbolo della mia individualità e della mia fede nella libertà personale' e Lulu (Laura Dern) è il tipo di donna la cui sessualità si irradia dallo schermo; vuoi scappare con lei, indipendentemente dalle conseguenze. David LynchIl delizioso e bizzarro riff sul genere degli amanti in fuga, a cui Lynch ha lavorato dopo aver finito il pilot per la sua acclamata serie 'Cime gemelle, 'Ha girato alcune teste (e stomaci) quando è stato inizialmente rilasciato. Questo è uno di quei film 'fischiati a Cannes' in cui puoi quasi capire la risposta, specialmente nella sequenza in cui Lula e Sailor si baciano sulla ferita incendia del collo di qualcuno che avevano appena decapitato con un'esplosione di fucile. Ma questo è un film fuorilegge senza esclusione di colpi in tutta la sua gloria di libertà condizionale, con due personaggi che sono in fuga dalla legge e una miriade di cattivi del mondo sotterraneo (memorabilmente Willem DafoeBobby Perù). Ci sono una serie di svolazzi indimenticabili, incredibilmente bizzarri che si comportano come le battute interne che una coppia vicina condivide: il Elvis Presley canzoni, l'ouvert 'mago di Oz'Allusioni e spesso scomodi matrimoni di sesso e violenza. Questo è un film in cui Crispin Glover mette scarafaggi vivi in ​​mutande e Diane Ladd, La madre della vita reale di Dern, appare in primo piano, spalmandosi il rossetto su tutto il viso (qui è stata nominata all'Oscar). 'Wild at Heart' è meravigliosamente picaresco, cupamente divertente e assolutamente unico, ed è altrettanto potente di qualsiasi altro capolavoro di Lynch, tra i quali può essere comodamente contato. [UN-]

Menzioni d'onore
Prova positiva che il genere è vecchio quasi quanto il mezzo e abbraccia continenti e stili, pioniere svedese Victor Sjöström fatto film muto “Il fuorilegge e sua moglie'Nel 1918, che racconta la storia di un fuorilegge islandese del 18 ° secolo che si innamora della vedova terriera per la quale lavora e che, una volta scoperto, scende sulle colline con lei. Segue ogni sorta di melodramma quando hanno un bambino (che getta su una scogliera per sfuggire ai banditi!), Vengono coinvolti in un triangolo amoroso e infine si congelano a vicenda tra le braccia dell'altro (Intertitolo: 'Il loro amore era la loro unica legge') . Sfortunatamente la terribile qualità della nostra copia non rende giustizia a quello che all'epoca era chiamato 'il film più bello del mondo'.

Altrove c'erano molti titoli che non potevamo ottenere per motivi di spazio / tempo. Sembra che ci sia stata una sovrabbondanza mondiale all'inizio della metà degli anni '90—Kelly Reichardt'Debutto'Fiume d'erba' è un Jarmuschfilm indebitato dal 1994 che è più promettente che davvero impressionante, mentre Gregg Araki'S 'The Living End'(1992) è una versione gay del tema in cui una strana coppia, entrambi sieropositivi, decolla dopo aver ucciso un poliziotto. Ampiamente considerato un film fondatore del cinema New Queer, getta le tristi circostanze quasi come una commedia nichilista al ritornello frequente 'Fanculo il mondo', e Araki avrebbe rivisitato il genere, sempre in stile kitsch e gonzo, qualche anno dopo con 'The Doom Generation”(Sottotitolato“ Un film eterosessuale di Gregg Araki ”) con protagonista Rose McGowan. Michael Winterbottom'1995'Bacio Di Farfalla'Ha funzionato in un'ottica lesbica / bisessuale, mentre meno controversa (a seconda di come ti senti Renee Zellweger) era il 1994 'Amore e a.45, 'Un altro set-in-Texas che si dirige verso il confine. Drew Barrymore ha anche risolto i suoi problemi di tarda adolescenza non in uno ma in due film di successo: 'Guncrazy'E' del 1995 'Amore pazzo, 'Nessuno dei quali è molto poliziotto.

1940 ’; s “;Contrabbando”; potrebbe essere un film del venerabile duo di Michael Powell e Emeric Pressburger, ma Conrad Veidt (normalmente un cattivo) non può davvero tagliarlo come protagonista e il film è una specie di segatura secca (anche se la nostra retrospettiva su Powell & Pressburger esprime un'opinione diversa), mentre Godard non era l'unica Nouvelle Vague-er ad abbracciare il genere: “di Francois TruffautMississippi Mermaid'Anche stelle Jean-Paul Belmondo, insieme a Catherine Deneuvee, come 'Pierrot le Fou', almeno una parte di essa descrive in dettaglio gli stress che la vita in fuga può creare una relazione amorosa, di solito a causa del fatto che la donna diventa irrequieta e brama uno stile di vita più lussuoso. E ci sono due visioni più recenti e distorte che si adattano vagamente al paradigma di una coppia perseguita dalle autorità Ben Wheatley'Brillantemente scuro'turisti' e Wes Anderson'Adorabile'Moonrise Kingdom', Ma di recente abbiamo scritto di entrambi sulla nausea, altrove.

Abbiamo anche cercato di evitare i film che potrebbero presentare una sottotrama amorosa, ma che sono per lo più classificati come qualcos'altro, come la fantascienza, nel caso di pessimi ma affascinanti 'Codice 46'E il lucido ma poco interessante'L'isola, 'O film di rapina, nel caso del Goldie Hawn e Warren Beatty con protagonista “Dollari.'Anche il 1974'Dirty Mary, Crazy Larry'Ha alcuni degli elementi giusti, ma in realtà è solo un lungo inseguimento in auto, e altrettanto impressionante / stancante come sembra. Francois Ozon'S 'Amanti criminali'Si inserisce anche qui, poiché, nonostante un finale in fuga dalla polizia, è più un thriller oscuro e psicosessuale lungo la strada, e nonostante i nostri migliori sforzi non siamo riusciti a rintracciare due voci giapponesi dal suono interessante in tempo: 1999 'Adrenalina Drive'E il fantastico titolo giapponese'Jeans Blues: No Future'Dal 1974. 1996 Keanu Reeves / Cameron Diaz tacchino 'Sentirsi Minnesota', Tuttavia, non viene visualizzato nell'elenco principale perché semplicemente non siamo riusciti a indurre nessuno a scriverne. Valuta tutte le nostre inclusioni o esclusioni o OMG COME PUOI DIMENTICARE X sviste di seguito. - Jessica Kiang, Rodrigo Perez, Erik McClanahan, Drew Taylor, Mark Zhuravsky e Katie Walsh.



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