I migliori film del 2016, secondo il critico IndieWire Eric Kohn

In senso orario da sinistra: 'Paterson', 'L'Accademia delle Muse', 'Moonlight', 'Swiss Army Man'

Ogni dicembre vale la pena ripeterlo: chiunque pensi che sia stato un brutto anno per i film non ha visto abbastanza. In un'epoca di abbuffate, una preponderanza di spettacoli via cavo premium imperdibili e, diavolo, anche le app per smartphone che richiedono molta più attenzione per la maggior parte dei risultati, la vera gamma di cinema di qualità è spesso oscurata dal rumore di sempre panorama multimediale ingombra. Per valutare veramente lo stato dei film moderni, uno sguardo oltre l'ovvio. Certo, è stato un anno debole per i film che si distinguono principalmente per il potere delle stelle e i considerevoli budget di marketing, ma queste opzioni rappresentano solo una piccola parte del mercato.

Il circuito dei festival cinematografici offre un'alternativa ideale ai canali convenzionali per scoprire film di cui vale la pena parlare tutto l'anno - e, se hanno la fortuna di distribuire la terra, si qualificano per la celebrazione di fine anno in elenchi come questo. Quest'anno, ogni singolo finalista della mia lista dei migliori dell'anno è emerso in un grande festival e, nella maggior parte dei casi, è arrivato in seguito nei cinema. Nessuno di loro era scommesse commerciali sicure; in effetti, le loro cifre cumulative al botteghino potrebbero dipingere un'immagine triste della fattibilità commerciale di questa forma d'arte, ma quella foto è solo un piccolo pezzo di un puzzle molto più grande. I film che sfidano le convenzioni, allontanano le persone e le lasciano incerte su ciò che hanno appena vissuto sono spesso i più meritevoli di celebrazioni.



LEGGI TUTTO: New York Film Critics Circle Names & La La Land ’; Miglior film del 2016, Moonlight ’; e ‘ Manchester By the Sea ’; Guadagna tre premi

La mia lista mostra molti film che hanno faticato a uscire, che non funzionano per tutti, che provocano dibattiti forti - eppure mi sento a mio agio nel ritenerli i migliori dell'anno. Il consenso è noioso. Se qualcosa qui provoca disaccordo, non fa che rafforzare la vitalità di queste grandi opere.

Se c'è un tema che li attraversa, è l'ansia dei tempi moderni. La nostra società è sempre più scossa da sviluppi inaspettati - come dimostrano Donald Trump, Brexit e i Chicago Cubs allo stesso modo - e molti dei migliori film di quest'anno parlano di quel sentimento nauseabondo di un mondo misterioso e delle sorprese che ci offre. Queste storie coinvolgono personaggi alla deriva in ambienti inquieti in cui i confini tra realtà e finzione si dissolvono, portando a ricerche incerte per una verità inafferrabile. Non tutti lo trovano.

Elenco dei finalisti del 2016 'The Eyes of My Mother', 'Nuts!', 'Manchester By the Sea' e 'The Lobster'

Il seguente elenco è classificato. Richiede alcuni avvertimenti per riconoscere alcuni secondi classificati. Innanzitutto, il mio approccio curatoriale tiene conto di fattori quali equilibrio e portata. Ci sono molti sforzi di prim'ordine che si classificherebbero in cima alla mia lista se non ci fossero altri titoli simili che apprezzo di più solo un tocco (quindi, 'The Witch' ottiene la slot horror su 'The Eyes of My Mother', e 'Swiss Army Man' batte 'The Lobster' nel divertente eccentrico dipartimento allegorico).

Mentre ho ampliato l'elenco oltre i soliti primi 10 per includere 16 titoli, ce ne sono molti altri che non hanno del tutto tagliato. Questi includono la deliziosa parodia dei fratelli Coen della fabbrica dei sogni di Hollywood 'Hail, Caesar!' E l'inventivo semidocumentario di un famigerato venditore di olio di serpente in 'Nuts!', Entrambi i quali parlano di idee riflesse in questa lista. 'Manchester By the Sea' è uno sguardo sapientemente sceneggiato nel vivere con dolore, e 'The Lobster' (che è emerso in una versione di questa lista all'inizio dell'anno) eccelle nell'esplorazione della catarsi di fuga da una società oppressiva. Vederli tutti.

Soprattutto, questo elenco riflette un anno selvaggiamente complesso di esperienze culturali, quando la società è stata capovolta e il film ha previsto altrettanto. Sono uno specchio per il mondo in cui viviamo ora.

Le liste sono intrinsecamente limitanti, quindi puoi aspettarti di vederne molte da queste parti mentre diffondiamo l'amore. Altre voci del team IndieWire peseranno per tutta la settimana e questo articolo verrà aggiornato con i collegamenti. Per ora, ecco la valutazione finale di questo critico sui migliori film usciti nel 2016. Gli argomenti sono benvenuti, ma i lettori che esprimono rapidamente il proprio giudizio sono incoraggiati a rintracciare prima tutti questi titoli.

16. 'Alcune donne'

'Alcune donne'

Film IFC

David Lynch Cleveland Show

Kelly Reichardt continua a mostrare la sua padronanza dell'isolamento americano con questo adattamento dei racconti di Maile Meloy. Ciascuno dei tre capitoli del film parla di un senso di dislocazione tra le figure della classe operaia nel Montana. In un anno in cui le frustrazioni della classe operaia hanno raggiunto un picco, non potrebbe essere più attuale. L'approccio antologico di Reichardt è pieno di scontri ambigui: con la difficile situazione di un avvocato annoiato (Kristen Stewart) che insegna lezioni di educazione degli adulti e la mano solitaria del ranch (Lily Gladstone) che si innamora di lei, Reichardt costruisce il suo miglior due-hander da 'Old Joy, 'Mentre il tentativo di una coppia di sposi (Michelle Williams e James Le Gros) di acquisire antiche arenarie da un uomo più anziano affronta sottilmente i conflitti intergenerazionali.

Ma il vero potere del film deriva dai suoi fermalibri, in cui una consulente legale fiduciosa (Laura Dern al suo meglio) si occupa di un uomo insoddisfatto che lavora per posta dopo che la sua compagnia lo ha ingannato per essersi accontentato di un infortunio sul lavoro. La crescente rabbia di un uomo bianco più anziano arrabbiato e le lotte del personaggio di Dern per consolarlo, danno a 'Certain Women' un sorprendente grado di comprensione della divisione della società americana.

15. 'The Witch'

Anya Taylor-Joy in 'The Witch'

Fatturato come 'New England Folktale', ”; lo scrittore-regista Robert Eggers ’; il debutto nel lungometraggio raggiunge un equilibrio delicato: da un lato, un elegante pezzo d'epoca sulla dissoluzione di una famiglia del New England intorno al 1630, è anche un film horror davvero inquietante sul possesso. Quasi esclusivamente ambientato in una capanna oscura e nei boschi minacciosi che lo circondano, l'approccio minimalista del film non manca di autenticità, poiché Eggers si affida a documenti giudiziari e altri documenti per scrivere il dialogo insieme a costumi del periodo in questione. L'effetto è una narrazione inquietante di forze ultraterrene rese particolarmente spaventose dal realismo che le circonda.

In coppia con il sorprendente debutto di Nicolas Pesce 'Gli occhi di mia madre', è esattamente ciò di cui il genere horror ha bisogno in questo momento - una scossa frenetica di sangue fresco e narrazione originale.

14. 'Toni Erdmann'

“Toni Erdmann”

Sulla carta, la scrittrice e regista Maren Ade 'Toni Erdmann' ha una semplice premessa: dopo la morte del suo cane, il solo genitore solitario Winfried (Peter Simonischek) si presenta nella grande città per tentare di riconquistare gli affetti della sua estranea figlia adulta Ines (un'incredibile Sandra Hüller), indossando travestimenti così può seguirla in giro per la città senza che i suoi amici e collaboratori lo capiscano.

Estratto da due ore e 42 minuti, tuttavia, il tanto atteso follow-up del regista tedesco fino al 2009 'Tutti gli altri'. diventa qualcosa di molto più sottile e percettivo di quanto suggerirebbe la sua configurazione rudimentale. L'epica doppia tendenza di Ade sulle dinamiche familiari ha ripagato le sue ambizioni. Tanto toccante il racconto dell'estraniamento padre-figlia e una saggia satira corporativa, 'Toni Erdmann' lotta con grandi problemi attraverso una lente sorprendentemente intima, in un equilibrio inquieto che riflette la vita instabile dei suoi personaggi.

All'inizio, non ero del tutto convinto che giustificasse il peso, ma 'Toni Erdmann' mi ha attaccato nei mesi da quando l'ho visto per la prima volta a Cannes, la sua narrazione stratificata rivelando gradualmente i suoi colpi da maestro a posteriori. Questo è il segno di un autentico risultato cinematografico.

13. 'Zio Kent 2'

“Zio Kent 2”

Fabbrica 25

'Fantastico, il cinema è morto', recita il motto di 'Zio Kent 2', citando una reazione tweet sull'esistenza del film. Ma il brillante colpo di stato del meta-romp di Todd Rohal nella mente della star di 'Zio Kent' e dell'animatore di 'Adventure Time' Kent Osborne è che i bizzarri colpi di scena del film portano al sequel più ispirato dal punto di vista cinematografico degli anni.

Nel triste capitolo di apertura diretto da Joe Swanberg, Osborne tenta di presentare un sequel del ritratto poco visto di Swanberg del scapolo quarantacinquenne; quando Swanberg dice a Osborne di fare il sequel da solo, l'odissea stravagante che ne deriva diventa proprio questo. Rohal, egli stesso un cineasta surrealista sottovalutato ('The Guatemalan Handshake') offre una brillante parodia dei narcisistici indie tropici americani che continua a diventare più folle man mano che avanza. Se Charlie Kaufman mettesse il concetto dietro 'mumblecore' nei suoi mirini, il risultato potrebbe assomigliare a questo. Ma se 'Zio Kent 2' è uno scherzo, è del tutto soddisfacente, offrendo un'accusa accusa di auto-esaltazione della creatività scavando dentro i suoi estremi e facendoli a pezzi.

12. 'The Fits'

'The Fits'

Oscilloscopio

Il primo lungometraggio di Anna Rose Holmer è un ritratto surreale di un'improbabile giovane eroina. L'undicenne Toni (star scozzese Royalty Hightower) aspira a diventare una ballerina mentre si fa strada attraverso l'allenamento di boxe nel suo centro giovanile di Cincinnati. Come una malattia convulsa inizia a colpire molti dei suoi compagni ballerini, 'The Fits'. si trasforma gradualmente in uno sguardo simile a 'Twin Peaks' sull'alienazione comune, ma è anche una rappresentazione intelligente di una comunità insulare vista attraverso l'obiettivo della meraviglia dell'infanzia.

Le prestazioni sorprendentemente sottili di Hightower si fondono perfettamente con il ritratto ritmico del film dei misteri e l'alienazione dell'adolescenza. La capacità di Holmer di rimanere nella prospettiva del suo giovane protagonista del mondo infonde 'The Fits' con una semplicità disarmante che è quasi stranamente commovente mentre si costruisce in un finale surreale.

11. 'L'Accademia delle Muse'

'L'Accademia delle Muse'

Finalmente distribuito in alcuni teatri un anno dopo il suo festival, il ritratto del film drammatico catalano Jose Luis Guerin attraverso una lente accademica è uno dei folle pubblico più poco ortodosso di sempre. Anche se non ha fatto uscire un film negli Stati Uniti dal 2007 'In the City of Sylvia', Guerin ha continuato a realizzare esperimenti cinematografici inventivi che mescolano componenti documentarie e immaginarie con risultati sorprendentemente imprevedibili. 'L'Accademia delle Muse' è il modello di questo approccio unico; è anche divertente e toccante in egual misura.

All'inizio, Guerin si concentra sulle lezioni di divisione di un elaboratore letterario all'Università di Barcellona, ​​il quale propone che le donne dovrebbero allinearsi alla definizione classica di 'musa' e utilizzare i loro poteri seducenti per ispirare la poesia. Mentre il discorso pesante si assorbe alle sue condizioni, questo punto di partenza diventa il primo atto di un dramma sensazionale in cui la relazione studente-insegnante si evolve in un territorio eticamente dubbioso: il professore non solo dorme con i suoi studenti, ma cerca anche di razionalizzare la decisione di fronte alla moglie senza fronzoli.

Scioccante, profondo, divertente e triste, 'L'Accademia delle Muse' è un'illustrazione di prim'ordine di pensieri profondi tradotti in una narrazione emozionante. Nonostante il concetto pesante, potrebbe essere il più vicino possibile arrivare a un crossover dal sempre innovativo Guerin.

10. 'Neruda'

'Neruda'

The Orchard and Participant Media

Il ritratto del regista cileno Pablo Larraín del leggendario poeta, senatore ed esperto narratore del suo paese Pablo Neruda è una rappresentazione affascinante dell'identità nazionale e dell'intelligenza letteraria. Luis Gnecco offre una performance vivida (e altamente accurata) come l'omonimo fulcro di 'Neruda', 'rdquo; che segue la figura fondamentale dei suoi giorni di festa bohémien attraverso la sua fuga dalle autorità cilene irritata dalle sue inclinazioni comuniste.

Ma la vera star di &ndquo; Neruda ”; è un astuto investigatore della polizia Oscar Bustamante Peluchonneau (Gael Garcia Bernal, un eccellente film comico) incaricato di seguire il poeta. Mentre continua a inseguire Neruda, Peluchonneau si rende conto di essere intrappolato nel mito stesso di Neruda. 'Non sono un personaggio secondario,' dice, ma alla fine la sua convalida deriva da Neruda riconoscendo che la loro storia è importante. Insieme a 'Jackie' di Larraín, pubblicato negli Stati Uniti solo una settimana prima di 'Neruda', il film conferma la capacità di questo ingegnoso regista di interrogare la storia in termini sorprendentemente originali. Larraín saluta uno dei più grandi narratori del suo paese abbinando i suoi talenti.

9. 'American Honey'

'Miele americano'

buona recensione da poliziotto

Anche se Shia LaBeouf non descrivesse le sue bretelle e pantaloni come 'Donald Trump-ish', il viaggio espressionista di Andrea Arnold risuonerebbe con una visione d'attualità. Da 'Red Road' a 'Fish Tank', Arnold ha costantemente realizzato ritratti avvincenti di giovani donne frustrate, ma la sua ambizione raggiunge i suoi massimi livelli con questa rappresentazione tentacolare di un adolescente in fuga (Sasha Lane, una delle migliori scoperte dell'anno) che si unisce un gruppo di giovani venditori edonisti di riviste guidati dall'astuto LaBeouf.

Alcuni critici hanno deriso il ritmo sinuoso del film e la colonna sonora pop-pop come una postura più che una finezza narrativa genuina, ma questo ignora la pura abilità artistica del suo design. Arnold dà uno sguardo scaltro alla gioventù alienata che saccheggia il midwest senza alcun obiettivo preciso oltre a mantenere a galla i loro stili di vita spericolati. È una dichiarazione generazionale arrabbiata e una richiesta disperata di aiuto.

8. 'Swiss Army Man'

'Swiss Army Man'

A24

'Pensavo di essere salvato', canta Paul Dano al cadavere di Daniel Radcliffe, 'ma tu sei solo un tizio morto, e sono tutto solo.' Un film surreale amico animato da alcuni usi innovativi della flatulenza, 'Swiss Army Man 'È la meravigliosa e strana mescolanza di schiaffo e musicalità del duo di video musicali Daniels, ricca di idee: gli intrappolamenti della correttezza politica, gli effetti isolanti della bassa autostima, la natura omoerotica del legame maschile e molto altro ancora.

Intrappolato su un'isola deserta quando incontra un cadavere che gli porta speranza, il personaggio di Dano capisce gli usi originali del corpo mentre lentamente prende vita. Radcliffe offre un'esibizione audace che è sia inquietante che assurda, proprio come la maggior parte di questo film totalmente coinvolgente che a volte sembra che si sia materializzato da un'altra dimensione della realizzazione di Daniels. Quella terra immaginaria è degna di più visite, quindi spero che continueranno così.

7. 'Paterson'

“Paterson”

Piccoli scambi e lunghe pause sono i tratti distintivi dei film di Jim Jarmusch, ma pochi hanno la profonda mescolanza di calore e malinconia trovata in 'Paterson'. Trasportato da Adam Driver e Jarmusch in modo appropriatamente discreto per catturare osservazioni disinvolte, 'Paterson' è il suo studio del personaggio più avvincente da 'Fiori spezzati', ma ha una raffinatezza discreta che lo eleva ad un altro livello. La leggera storia di un autista di autobus che illumina di luna come un poeta ingrandisce i ritmi quotidiani del suo mondo contenuto e li trasforma nell'arte che aspira a creare. A sua volta affascinante, malinconico e saggio, 'Paterson' perfeziona l'archetipo di hipster senza meta che vaga attraverso l'opera di Jarmusch confermando i suoi modi di ricerca dell'anima.

alex honnold asperger

6. 'Cameraperson'

“Cameraperson”

Kirsten Johnson apre 'Cameraperson' con una nota che descrive il progetto come 'il mio libro di memorie', ma è sicuro di dire che non è mai stato un libro di memorie come questo. Mettendo insieme le riprese dei suoi 25 anni di esperienza come cineasta documentarista, 'Cameraperson' offre una panoramica a ruota libera delle persone e dei luoghi che Johnson ha catturato nel corso di una diversa carriera. Inoltre, le due dozzine di progetti presentati qui accanto a filmati originali affrontano il processo di creazione. Questa è una guida simile a un collage per una vita di aspetto.

I crediti di Johnson vanno da esposizioni rischiose come 'Pray the Devil Back to Hell' e 'Citizenfour' a tariffa più leggera come il ritratto del cartone animato newyorkese dell'anno scorso 'Very Semi Serious', che emergono tutti in questo denso sondaggio globale. Ma l'argomento disparato si congela intorno alla sua presenza implicita in ogni scena. Il teorico cinematografico sovietico Dziga Vertov approverebbe sicuramente l'approccio di Johnson - un titolo alternativo potrebbe essere 'Donna con una cinepresa' - poiché trasforma l'idea della cinepresa in una nave per studiare il mondo. Sebbene gran parte del materiale di 'Cameraperson' sia vecchio, Johnson ha innegabilmente creato qualcosa di rinfrescante e nuovo.

5. 'Controllo creativo'

'Controllo creativo'

Con la sua nitida fotografia in bianco e nero e gli effetti sgargianti, il thriller ipnotico di fantascienza di Benjamin Dickinson è il controllo creativo di Creative Control. immagina abilmente una società dominata dalla tecnologia che è proprio dietro l'angolo. Ma i particolari della trama, in cui lo sviluppatore con sede a Brooklyn dei nuovi occhiali per realtà aumentata perde il contatto con il mondo che lo circonda, infonde l'obiettivo della sua critica con un netto spigolo contemporaneo. Indipendentemente dal genio delle nuove tecnologie, sostiene il film, ogni nuovo strumento di fantasia è soggetto a debolezze umane. È allo stesso tempo ultraterrena e familiare: una satira futuristica che punge con rilevanza immediata.

4. 'Tutti ne vogliono alcuni !!'

'Tutti ne vogliono alcuni !!'

I film di Richard Linklater sono pieni di osservazioni energiche a piccole dosi. Dense divagazioni filosofiche circondano le trame più sottili; un'aria casuale incontra l'esistenzialismo. Mentre discusso per secoli come un sequel spirituale ”; al suo liceo classico degli anni Settanta 'Dazed and Confused' rdquo; - e ambientato solo pochi anni dopo - la commedia di baseball del college 'Tutti vogliono un po '!!' contiene molti dei migliori ingredienti trovati durante la carriera di Linklater: un atteggiamento spensierato nei confronti della vita accoppiato con osservazioni più subdole sui suoi misteri più profondi.

Come con il suo ampio 'Prima'. trilogia e l'ambizioso ciclo di produzione di 12 anni di 'Boyhood', 'rdquo; il nuovo film gioca abilmente anche con il tempo. Affollando tre giorni di buffonate a festa in poco meno di due ore, 'Tutti vogliono un po '!!' si svolge negli ultimi giorni dell'estate in un piccolo college del Texas, in cui si nascondono le responsabilità dell'età adulta appena fuori dalla cornice. Altrettanto affascinante e saggio, 'Tutti ne vogliono un po '!!' incarna l'eccezionale capacità di Linklater di ingrandire il comportamento umano con leggerezza. Non c'è nulla di appariscente in questo film, ma questo è lo splendore di esso. La vita ti sorprende, e anche i film di Richard Linklater.

3. 'Weiner'

Anthony Weiner e Huma Abedin in 'Weiner'

Sundance Seleziona

È iniziato come una farsa tragica; con l'avanzare del 2016, 'Weiner' è diventato una sbirciatina allarmante nel mondo del buffone che potrebbe esserci costato la nostra democrazia. Weiner, durante la sua disastrosa campagna di sindaco di New York, divenne uno scherzo nazionale per ovvie ragioni. Ma il pubblico non ha potuto vedere il caos della campagna Weiner mentre il politico ha dovuto affrontare una delle più grandi umiliazioni pubbliche della storia recente. “; Weiner, ”; che ha vinto il gran premio della giuria al Sundance Film Festival di quest'anno, tira indietro quel velo per rivelare una delle grandi farse della storia della campagna moderna (almeno prima dell'attuale stagione presidenziale).

Co-diretto dall'ex capo dello staff di Weiner, Josh Kriegman, con Elyse Steinberg, il film cattura Weiner e la moglie assediata, consigliere di Hillary Clinton, Huma Abedin, attraverso una serie di circostanze che inducono rabbia mentre i media predano continuamente le difficoltà della famiglia. Il divorzio di Weiner da Abedin durante l'estate nel bel mezzo della campagna di Clinton ha solo intensificato le scene della coppia nel film; più tardi, quando il regista dell'FBI James Comey rivelò che stava esaminando gli scambi di Weiner con un adolescente, la rilevanza del documentario divenne ancora più profonda.

Mettendo da parte tutto ciò, il tentativo di Weiner di spingersi in avanti contro probabilità impossibili si traduce in uno sguardo incredibilmente divertente alle insidie ​​delle celebrità moderne e all'arroganza coinvolta nell'inseguimento del potere nell'arena politica. Da un lato, Weiner ”; è una vera e propria verite cinematografica, che cattura la sua costante umiliazione e l'assurdo investimento nella sua campagna contro probabilità impossibili con dettagli sorprendenti, anche se il caos che circonda la sua caduta indica anche l'ossessione dei media per il suo scandalo. Allo stesso tempo, è un cartone animato editoriale chiassoso sulla follia intrinseca di un sistema truccato per autodistruzione. E ora, mentre Weiner svanisce nell'oblio, dobbiamo vivere nel suo casino.

2. 'Jackie'

“Jackie”

Il ritratto di Pablo Larraín del tentativo di Jackie Kennedy di lottare contro il controllo del caos in seguito all'assassinio di suo marito è parimenti thriller psicologico e indagine storica. Ancorata da Natalie Portman in una svolta migliore in carriera, la costruzione atmosferica del film trafigge la natura della vita pubblica e le macchinazioni politiche.

La sceneggiatura di Noah Oppenheim incornicia i pochi giorni in cui Jackie pianifica la sepoltura di suo marito e la cinepresa di Larraín rimane vicino al suo soggetto, costringendo gli spettatori a librarsi nella sua complessa mentalità. Non importa quanto tenti di proteggere il suo dolore, il mondo sciama dentro. 'Non è storia se non è scritto,' dice a un giornalista che la trascina ad ogni angolo. Questa affermazione è il principale obiettivo del cinema di Larraín: qual è la nostra relazione con il passato - e come possiamo cambiarla per soddisfare le nostre aspettative oggi? Dato che realtà e finzione si mescolano alle teorie cospirative dei forum e ai social media riduttivi che definiscono la nostra era dell'informazione, i film di Larraín non potrebbero arrivare in un momento migliore. 'Jackie' consolida il loro fascino.

1. 'Moonlight'

“Chiaro di luna”

Per gentile concessione di Color Collective e A24

Il follow-up atteso da tempo di Barry Jenkins a 'Medicine for Melancholy' è una tragedia profonda che è stata raccontata a colpo d'occhio. Ricco di immagini evocative e teneri scambi, il trattamento del regista di Tarrell Alvin McCraney è il gioco teatrale di In Moonlight Black Boys Look Blue ”; è un dramma bellissimo che riesce ad essere sia epico che sobrio.

“; Moonlight ”; esplora la difficile situazione di un giovane uomo di colore in tre epoche, alla ricerca del suo posto nel mondo mentre lotta con la sua identità gay sotto il peso della classe e di una famiglia distrutta. Il potere della storia deriva dal divario tra le parole e da una battaglia in corso per trovare quelle giuste. È un pezzo di umore sorprendente sulla natura dell'emarginazione su più livelli contemporaneamente.

La storia del giovane Chirone mentre cresce e perde la sua opportunità di trovare una vita soddisfacente diventa più disperata mentre si muove, fino a quando finalmente il ragazzo diventa un uomo e tenta un ultimo colpo per sistemare le cose. Nonostante il tono cupo, è un faro di speranza per le prospettive di parlare - e chiude l'anno per incarnare il suo umore instabile. Non importa quanto sia specifica la sua impostazione, il tono di 'Moonlight' riflette una miscela di disperazione e desiderio che definisce i nostri tempi difficili.

Rimani aggiornato sugli ultimi film e sulle ultime notizie TV! Iscriviti alla nostra newsletter via email qui.

Articoli Più

Categoria

Revisione

Caratteristiche

Notizia

Televisione

Kit Di Strumenti

Film

Festival

Recensioni

Premi

Botteghino

Interviste

Cliccabili

Elenchi

Videogiochi

Podcast

Contenuto Del Marchio

Premiazione Della Stagione Dei Premi

Camion Del Film

Influencers