Tutti i vincitori del Palme d’Or del Festival di Cannes, classificati

L'hype dei premi annuali tende a guidare la percezione che l'Oscar sia il più alto riconoscimento nella comunità cinematografica. Ma per innumerevoli cineasti e cinefili in tutto il mondo, la Palme d'or viene fuori. Dal 1955, il Festival del cinema di Cannes ha riunito una giuria esigente di A-listers per conferire questo onore a una sezione esclusiva del Concorso che presenta alcuni dei più grandi autori che il medium abbia mai conosciuto.



Originariamente noto come Grand Prix, il luccicante Golden Palm ha avuto un ruolo chiave nell'avanzare delle carriere, ma è caduto altrettanto spesso tra i veterani della forma e nel corso di sette decenni le giurie hanno riconosciuto una gamma sorprendente di risultati cinematografici. Ma alcuni di questi premi erano più meritevoli di altri.

Ecco uno sguardo a tutti i vincitori di Palme nel corso degli anni, classificati in ordine di quelli che riteniamo meritassero di più. Considerati nel loro insieme, i vincitori forniscono una complessa indagine sul cinema internazionale degli ultimi 72 anni e chiunque non abbia familiarità con questi titoli dovrebbe considerare il seguente elenco come una guida essenziale per la visione.



71. “; Fahrenheit 9/11 ”; (2004)

Michael Moore a Cannes



Laurent Rebours / AP / REX / Shutterstock

I riconoscimenti per il documentario di Michael Moore del 2004 sono estesi: una lunga ovazione di 20 minuti a Cannes, il botteghino più alto di sempre per un doc, Moore è il primo (e, finora, solo) Palme d'or O . Eppure ciò non significa che sia impermeabile alle critiche o che abbia resistito nei 15 anni trascorsi da quando è arrivato sulla Croisette. Sia slavi che slapdash, ciò che una volta sembrava urgente e inquietante ora gioca solo come un agitprop senza molto per ancorarlo. Frantumando tra la tragedia dell'11 settembre, il record militare di George W. Bush e un'estesa metafora sulla combustione della carta, è un film che mostra la tendenza di Moore alla metafora schietta, apparentemente senza alcun controllo. Lo stesso Moore è tornato dal film con un lavoro migliore, più stretto e più raffinato, incluso l'anno scorso 'Fahrenheit 11/9'. che serve come una correzione di rotta per il suo predecessore. to-

70. 'Il mondo silenzioso'. (1956)

Il primo film vincitore di Palme e uno dei due vincitori del documentario, il racconto di Jacques Cousteau sui suoi studi sull'oceano sulla Calypso ha aperto la strada alla fotografia subacquea a colori. Co-diretto da Louis Malle (presagendo i suoi successivi documentari), rimane un film visivamente forte anche se il suo contenuto ora sembra familiare. All'epoca, apriva gli occhi al pubblico. La Columbia lo ha distribuito nelle sale negli Stati Uniti e ha anche vinto l'Oscar al miglior film documentario. Visto oggi, tuttavia, non è invecchiato bene: la narrazione ha una qualità ingenua e il cinema soffre di un senso a volte scomodo di incoscienza ambientale. -TB

69. & Custode di promesse ”; (1962)

Francois Truffaut fu uno dei giurati l'anno in cui vinse questa oscura favola religiosa brasiliana. È arrivato l'anno dopo la commedia eretica di Bunuel 'Viridiana' vincitrice del premio. Questa storia molto più didattica, basata su un'opera teatrale e ricca di dialoghi (sostanzialmente filmata sui gradini di una chiesa in cui un contadino sta tentando di fare un'offerta). Il conflitto arriva quando la temibile gerarchia clericale teme che i suoi sforzi siano contaminati dal voodoo. Questo è uno strano vincitore della Palme nella storia. È stato candidato all'Oscar in lingua straniera, ma anche con le doppie distinzioni non è stato rilasciato negli Stati Uniti, e poi a malapena, fino al 1964. Lo stesso periodo ha visto la nascita del cinema brasiliano Nuovo, una delle più importanti nuove ondate nazionali degli anni '60. Resta l'unico vincitore brasiliano e l'unico dei film di Duarte ad avere una significativa esposizione all'estero. -TB

68. “; Io, Daniel Blake ”; (2016)

'Io, Daniel Blake'

Il regista inglese Ken Loach ha vinto la sua seconda Palma d'oro dopo 'Il vento che accarezza l'erba' con il suo straziante dramma del lavello della cucina del 2016 'Io, Daniel Blake'. Detto con il marchio di fabbrica di Loach, il film si concentra sulla storia di un sopravvissuto di infarto di 59 anni che lotta per ricevere sostegno finanziario dal sistema di welfare inglese. L'argomento è quasi troppo cupo. La sceneggiatura di Loach si attacca a un tono opprimente, offrendo piccoli momenti di leggerezza o sorpresa per coloro che sono disposti a sopportare i suoi dettagli punitivi. Solo le due esibizioni di Loach escono da Dave Johns e Haley Squires innalzano il tono altrimenti cupo. Gli scudieri in particolare offrono un lavoro indimenticabile come madre single decadente che fa amicizia con il personaggio del titolo. La sceneggiatura di Loach costringe entrambi gli attori a passare attraverso uno strizzatore emotivo, ed è il modo in cui escono dall'altra parte con l'umanità intatta che fa 'Io, Daniel Blake' tagliare il traguardo come un dramma di impatto, anche se uno che non può competere con il meglio di Cannes. grassi poliossietilene

67. 'The Son' Room ”; (2001)

'La stanza del figlio'

“La camera del figlio”. potrebbe essere degno di una Palma d'oro, ma sicuramente non era degno della Palma d'oro nel 2001, quando il drammatico dramma di Nanni Moretti ottenne una vittoria su una scaletta di classici istantanei come & Muldolland Drive, ”; ; “; Millennium Mambo, ”; e 'L'uomo che non c'era' (e che sta solo contando i film della competizione che sono iniziati con la lettera 'M'). Da quel momento in poi, questo piccolo film doloroso è stato condannato a un'eternità di classifica verso il fondo di liste come questa. E quello probabilmente è dove appartiene.

Ad ogni modo, vincere un premio che non meritava (affatto) è il peggior peccato che 'The Son' La Stanza 'rdquo; impegna. Un lungometraggio pubblicitario di Brian Eno che è ammantato in un tenero, meditativo ritratto di una famiglia distrutta che cerca di riassemblare se stesso, il film di Moretti non potrebbe essere molto più semplice: lo scrittore-regista interpreta un terapeuta la cui vita è distorta da dolore quando annega suo figlio di 17 anni. Alla fine, dopo molte lotte domestiche e riflessioni interne, Giovanni e sua moglie (Laura Morante) entrano in contatto con la fidanzata del loro defunto figlio, e la arruolano per aiutarli ad andare avanti dalla loro perdita - un processo che comprende comprensibilmente l'ascolto di Eno ’; s “; By this River ”; (forse la canzone più desolata mai scritta) ancora e ancora e ancora. " The Son ’; s Room ”; potrebbe non essere il film più innovativo o ambizioso da presentare in anteprima sulla Croisette (in effetti, potrebbe essere uno dei meno importanti), ma comprende i terribili colpi di scena del dolore e affronta irresistibilmente la dolorosa consapevolezza che perdere qualcuno significa non ottenerli mai indietro. -DE

66. &Ddep; Dheepan ”; (2015)

'Dheepan-Una nuova vita'

Considerato da alcuni come una vittoria nella carriera di Jacques Audiard, che in precedenza aveva vinto due importanti premi al festival (Miglior sceneggiatura di 'A Self Made Hero' e Grand Prix per 'A Prophet'), la vittoria di 'Dheepan' non era ' Sono particolarmente ispirato. Il 2015 è stato anche l'anno di 'Son of Saul', 'The Assassin', 'Carol' e 'The Lobster', presentato per la prima volta in Concorso, e sebbene nessuno abbia lasciato la Croisette a mani vuote, è stato difficile anche al momento non sentirsi come erano stati modificati. 'Dheepan' ha certamente i suoi momenti, dalle sue sorprendenti carte del titolo alla performance di Antonythasan Jesuthasan nel ruolo del titolo, ma il suo terzo atto violento e d'azione sembra sollevato da qualche altro film minore. -MN

65. 'Il vento che scuote l'orzo'. (2006)

Il regista britannico Ken Loach in posa con il premio Palme D’O ha vinto per il suo film 'Il vento che accarezza l'erba'

Christophe Karaba / EPA / REX / Shutterstock

Il primo e più meritevole dei due vincitori di Palme d’Or di Ken Loach, 'The Wind That Shakes the Barley' non è ancora un all-timer. Cillian Murphy e Pádraic Delaney recitano come due fratelli che si uniscono all'IRA per lottare per l'indipendenza irlandese nel 1920, con Loach diretto da una sceneggiatura del frequente collaboratore Paul Laverty; come la maggior parte dei recenti progetti del regista, questo dramma in tempo di guerra è ben montato ma privo dello spirito che ha reso così avvincenti i personaggi di 'Kes'. Ciò non gli ha impedito di continuare a essere uno dei preferiti a Cannes - ha presentato in anteprima una dozzina di film lì e, oltre a questi due Palmes, in qualche modo ha vinto il Premio della giuria per 'The Angels 'Share' - e, anche se 'The Wind' That Shakes the Barley ”non è la sua ora migliore, è difficile procurargli rancore per l'onore. -MN

64. " The Tin Drum ”; (1979)

Volker Schlöndorff 's “; The Tin Drum ”; in qualche modo è riuscito a legare 'Apocalypse Now' per vincere il più grande onore del mondo cinematografico su 'Days of Heaven'. e “; My Brilliant Career ”; (e hai pensato che 'Crash' abbia battuto 'Brokeback Mountain' sia stata una vergogna). Adattato da Günter Grass ’; L'omonimo romanzo allegorico, l'epopea da favola di Schlöndorff racconta la storia sconclusionata di un giovane biondo di nome Oskar Matzerath (David Bennent), un tyke dall'aspetto di Joffrey Baratheon che ha regalato un tamburo di latta per il suo terzo compleanno, e poi giura di non invecchiare mai.

L'anno è il 1927, il mondo sta cercando di ristabilire una sorta di ritmo tra le guerre e il piccolo Oskar non ha alcun interesse a recitare un ruolo in qualsiasi atrocità sta per venire; questo insostenibile piccolo piantagrane - un sostituto per tutti i tedeschi che hanno scavato la testa nella sabbia - vuole solo battere il suo tamburo e urlare nella parte superiore dei suoi polmoni ogni volta che diventa angosciato (le sue grida acute hanno il potere di frantumarsi bicchiere). Bennent, che aveva 12 anni al momento delle riprese, offre un'esibizione potente e non diluita che ti colpisce sotto la pelle e rimane lì per quasi tre ore, ma la narrativa picaresca non riesce a trovare un ritmo costante, e persino i suoi episodi più inquietanti scivolano lungo il superficie delle idee presentate in Grass ’; libro. Oskar potrebbe non invecchiare mai, ma il suo film lo fa. -DE

63. 'Il bambino'. (2005)

Cannes ama pochi cineasti come i fratelli Dardennes, che si sono uniti al due volte Palme d'Or club con 'The Child' nel 2005. (In precedenza lo avevano vinto per la 'Rosetta' del 1999 e avrebbero continuato a portare a casa la migliore sceneggiatura per 'Lorna's Silence' e il Grand Prix di 'The Kid with a Bike'.) Un altro esempio della loro affinità per il realismo sobrio incentrato sul calpestato, segue i tentativi spensierati di una giovane coppia fuori dal comune un'esistenza dopo aver avuto un figlio - che, nella sua infinita saggezza, il padre (frequente collaboratore di Dardenne Jérémie Renier) vende ad un anello di adozione del mercato nero. La maggior parte dei film dei fratelli cinematografici opera in questo regno, ma pochi sono così commoventi o meritevoli degli allori di Cannes. -MN

62. “; Marty ”; (1955)

Vincitore del primissimo Palme d 'Ors, Delbert Mann 'Marty' Marty ”; sembra una cosa troppo modesta per guadagnare uno di quei premi, figuriamoci entrambi. La storia di un macellaio del Bronx (Ernest Borgnine) che si è rassegnato a una vita da scapolo - una condizione vergognosa a quei tempi - il film segue fondamentalmente il suo personaggio detestabile mentre cerca una ragazza come `` patetica '' ; così com'è, e poi cerca di non lasciar scivolare tra le dita quello che trova (Betsy Blair).

“Marty”

Detto con l'austerità di un dramma di Ozu e la tristezza di stick-your-face-in-the-mud di 'Make Way for Tomorrow', 'rdquo; “; Marty ”; è una storia d'amore a cuore solitario che sembra molto più grande di quanto sembri in superficie, specialmente una volta che la mamma dell'eroe (Esther Minciotti) viene alla ribalta e ti rendi conto di quanto poco deve tenere le cose insieme. I personaggi della sceneggiatura di Paddy Chayefsky sono prodotti del loro tempo (un momento, in cui Marty segna il suo appuntamento per un bacio della buonanotte, potrebbe essere particolarmente difficile da ingoiare per gli spettatori moderni), ma c'è una palpabile atemporalità per i loro yen e desideri e il soliloquio climatico di Marty trasmette un universo di desiderio umano in poche frasi. In altre parole, il film di Mann ha ancora molto da offrire oltre a essere una risposta fatidica in 'Quiz Show'. -DE

61. 'Friendly Persuasion' rdquo; (1957)

Nel dramma di William Wyler del 1956 basato sul romanzo del 1945 di Jessamyn West, la fede e il pacifismo di una famiglia quacchera pacifica, guidata da Gary Cooper, viene messa alla prova durante la guerra civile. Dorothy McGuire e Anthony Perkins completano il cast di un film su una famiglia che lotta per mantenere la sua identità in mezzo a confusione e crepacuore durante la guerra. Esibizioni trionfali, magnificamente girate a fianco di una grande colonna sonora di Dimitri Tiomkin, rafforzano questa storia calda e adorabile che mostra che, quando si tratta di ciò che è nel cuore della famiglia, non c'è davvero un grande abisso tra i giorni nostri e 150 anni fa. Il film potrebbe non essere il risultato cinematografico più avventuroso nella storia dei vincitori di Palme d'Or, ma è stato nominato per sei premi Oscar, tra cui Miglior film, Miglior regista e Miglior attore in un ruolo secondario. -PER

60. 'Le migliori intenzioni' (1992)

La Svezia Bille August ha vinto due volte la Palma d'oro. Ingmar Bergman non ha mai recitato in nessun film, anche se gli è stato assegnato un Palme speciale come miglior regista vivente che non abbia mai vinto al 50 ° anniversario del festival. Questo film di tre ore tratto da una miniserie televisiva più lunga prevista (simile a 'Fanny and Alexander' di Bergman, che esiste in entrambe le versioni) segue la storia della sua infanzia con uno sguardo un po 'speculativo sulla relazione dei suoi genitori. Basato sulla sceneggiatura di Bergman (ha scelto il regista), sua moglie Pernilla (una precedente star di Bergman) ha vinto il premio come migliore attrice. Anche Max von Sydow ha recitato. Ha ricevuto elogi meno che unanimi della critica, sicuramente molto meno di 'Fanny' o la 'Pelle' di August. La sua uscita americana lo ha visto tra le 10 migliori uscite sottotitolate del 1992, ma con solo una frazione di ciò che 'Fanny' ha fatto altrettanto sotto “Pelle”. Ad agosto seguì una serie sempre più convenzionale di film di prestigio (tra cui “La casa degli spiriti” e il non musicale “Les Miserables” del 1998, recentemente visto fuori dalla Svezia. -TB

59. 'Pelle the Conquerer' rdquo; (1988)

Il regista svedese Bille August è stato co-autore e regista di questa epica epica della metà del 19 ° secolo, che presenta una certa somiglianza con i successi degli anni '70, lodati da Jan Troell, 'The Emigrants' e 'The New Land', con Max Von Sydow. Questa volta, il veterano di Ingmar Bergman interpreta il ruolo di un anziano svedese impoverito che emigra in Danimarca promettendo una vita migliore al suo giovane figlio Pelle (Pelle Hvenegaard). Invece, trovano servitù per un brutale contadino (Axel Strøbye), che ospita i suoi nuovi lavoratori nella sua pollaio. Dopo terribili maltrattamenti, Pelle si adatta, impara il danese e trova la sua strada, mentre il suo vecchio padre Lasse trova l'amore con una donna sola il cui marito scomparso, purtroppo, ritorna dopo anni in mare. La produzione di budget più grande della Scandinavia (4,5 milioni di dollari), coprodotta da Danimarca e Svezia e girata dal direttore della fotografia Jorgen Persson, ha vinto la Palma d'oro del 1988, i rave della critica e l'Oscar in lingua straniera per la Danimarca. 'Pelle the Conqueror' è stato ritirato per la distribuzione in tutto il mondo; grazie a un'efficace spinta al marketing di Miramax (ha incassato 2 milioni di dollari in Nord America), Von Sydow ha ottenuto la sua prima nomination all'Oscar come miglior attore per la sua interpretazione straziante come un uomo distrutto che alla fine del film, non può affrontare di nuovo l'emigrazione, ma invia suo figlio verso l'America. -A

58. “; Il blu è il colore più caldo ”; (2013)

'Blu è il colore più caldo'

L'unico film in questa lista a condividere il massimo dei riconoscimenti con le sue star, il romanzo di tre ore di Abdellatif Kechiche, che è stato notoriamente famoso, ha provocato scioperi a Cannes prima di vincere la Palme d'or - oppure - diviso in tre modi tra il regista e le sue due attrici protagoniste. Basato su una graphic novel, il film è un racconto di maturità sessuale su una giovane insegnante di nome Adele (Adele Exarchopoulos), che si ritrova immediatamente attratta dal lothario Emma dai capelli blu (Lea Seydoux). La stanza si ferma quando si guardano l'un l'altro in un club affollato e iniziano una relazione piena di lussuria che si traduce in tre scene epiche di sesso. Mentre la lunghezza eccessiva (e le acrobazie) delle scene della camera da letto hanno sollevato le sopracciglia, non sono sorprendentemente così lunghe come si sentono. Ma non sono solo le scene di sesso che sono lunghe: l'impegno di Kechiche per il realismo si estende ai lunghi scatti di Adele che mangia spaghetti, insegna ai bambini piccoli e fa la doccia. Tuttavia, anche con le polemiche che circondano il film, non avremmo gettato 'Il blu è il colore più caldo'. fuori dal letto. to-

57. 'La Missione'. (1986)

Due anni dopo aver fatto un debutto davvero propizio con 'The Killing Fields', Roland Joffé ha evitato il crollo del secondo anno (e poi alcuni) vincendo il Palme d'Or. Robert De Niro e Jeremy Irons lo aiutarono in quella missione come mercenario e sacerdote gesuita, rispettivamente, nel Sud America del 18 ° secolo, i cui tentativi di diffondere la buona parola non sono stati accolti esattamente dai loro aspiranti ospiti. (Se questo suona del tutto simile al 'Silence' di Martin Scorsese, lo è - e questi due film farebbero piuttosto il doppio lungometraggio.) La loro ricerca non è facile, edificante o addirittura di successo, ma serve come promemoria di quanto potenti possano essere le questioni di fede e spiritualità se trattate in modo appropriato - qualcosa che manca gravemente nella maggior parte dei drammi basati sulla fede degli ultimi tempi. In tutto ciò, cercano di ricordare un passaggio chiave della Bibbia: 'La luce brilla nelle tenebre e l'oscurità non l'ha superata'. -MN

56. " Gli uccelli, le api, gli italiani ”; (1966)

'Signore e Signori' era il suo titolo italiano, ma quello inglese (usato per la sua uscita americana tramite Warner Bros.) trasmette il tono di questa commedia in tre parti di episodi non correlati. I film di Omnibus Continental erano comuni negli anni '50 e '60, ma di solito con un produttore che utilizzava più registi in uno sforzo legato al tema. In questo caso, il regista Pietro Germi, dopo 'Divorzio, stile italiano' e 'Sedotto e abbandonato' (ha condiviso un Oscar per aver scritto il primo), questo è stato un giro di vittoria in un periodo in cui era secondo solo a Fellini tra i registi italiani in popolarità negli Stati Uniti Il film, con storie di adulterio, impotenza e una seduttrice minorenne, ha condiviso il Palme con 'A Man and a Woman' di Claude Lelouch. I due film - visti mezzo secolo dopo - servono come primi esempi di ciò ha fatto appello al pubblico domestico sul cinema europeo in quel momento. -TB

55. 'La classe' (2008)

Il raro film scolastico ”; che non interpreta il suo personaggio di insegnante centrale come un ottimista con gli occhi spalancati o un disciplinare pazzo di regole, l'adattamento di Laurent Cantent del romanzo semi-autobiografico di François Bégaudeau (che recita anche nel film) sulle sue esperienze di insegnamento si tratta di trovare le sfumature tra le cose (e le persone). Forse i genitori di Cantent - entrambi insegnanti - devono essere ringraziati, o il cast per lo più non attori, o la sceneggiatura a ruota libera e improvvisata di Cantent. Che sia Cantent né Bégaudeau fossero preziosi con il materiale è chiaro, e il risultato è un film vissuto che reinventa tranquillamente il sottogenere (un alimento francese) esplorandolo con realismo e affetto. I ragazzi che completano il resto del cast - ragazzi reali, che idea! - ritagliarsi spazi unici per se stessi e, come il loro insegnante, non cedere mai a convenzioni o trope. Questo è il motivo per cui Cantent è in grado di esplorare facilmente questioni più grandi, sforzandosi di fare un film sulle differenze che spesso si rendono evidenti in un contesto educativo - dall'intellettuale all'economico - senza colpire nessuno con loro. Ambientato nel corso di un anno, il film a volte serpeggiante traccia tracce che cambiano vita man mano che il calendario prosegue, e quando la scuola è fuori per l'estate, è difficile non sentirsi un po 'preoccupati per tutto ciò che è accaduto prima. to-

54. 'La classe operaia va in paradiso' / 'L'affare Mattei' (1972)

Un raro caso di un anno con co-vincitori che farebbe anche un perfetto doppio repertorio da repertorio. Entrambi dall'Italia, entrambi interpretati da Gian Maria Volonte, entrambi con temi di sinistra, sono una capsula del tempo di una specie di cinema europeo dei primi anni '70. Entrambi provenivano da eminenti registi affermati: Petri, di origine più mainstream / di genere, aveva appena vinto l'Oscar in lingua straniera per 'L'indagine su un cittadino al di sopra dei sospetti', e Rosi ottenne il primato nei primi anni '60 per 'Salvatore Giuliano'. Mattei Affair 'è stato un tipico esempio di ciò che' Giuliano 'ha contribuito a stabilire come una sorta di biofilm. O prendendo direttamente una figura storica o presentando un ritratto sottilmente velato, presentava una figura che combatteva la corruzione (spesso al governo, ma anche agli affari e alla mafia). 'Z' poco prima, 'Stavisky' di Alain Resnais sono altri esempi eccellenti di ciò che il BFI nella sua retrospettiva dei film di Rosi ha chiamato 'cine-investigazione', film che espongono il crimine e l'ingiustizia, di solito all'interno dei più alti ranghi della società. 'Mattei' parlava di un funzionario del governo che ha sfidato l'oligarchia petrolifera italiana, poi è morto in un misterioso incidente aereo con l'accusa che il governo britannico ha pianificato.

Oggi si colloca al di sotto dei migliori film di Rosi, che insieme a 'Giuliano' includono 'Hands Over the City', poi 'Christ Stopped at Eboli' e 'Three Brothers'. È stato distribuito negli Stati Uniti dalla Paramount (erano tempi diversi) a impatto minimo. (Il prossimo film di Rosi, 'Lucky Luciano' con Rod Steiger come personaggio leggendario della mafia, aveva un post di rilascio molto più ampio 'Il padrino'.) In ogni caso, era più importante della versione minima accordata a 'Working Class' (titolo USA : “Lulu the Tool”) del New Line Cinema, recentemente formato e spesso politico. Lulu è un lavoratore in una fabbrica, amato dai suoi capi per la sua produttività e non dondola sulla barca. Ai suoi collaboratori non piace. Quando perde un dito in un incidente, la sua vita inizia a dipanarsi e inizia a alienarsi dal mondo. Questo è stato il film di mezzo nella cosiddetta 'trilogia della nevrosi' di Petri ('Investigation' è stato il primo). Qui, non solo i proprietari ma anche i suoi colleghi sono bersagli del cinismo, con l'attenzione rivolta a un simpatico personaggio maschile che ha perso la direzione (il film sembra un modello per la serie di film un po 'meno politica di Lina Wertmueller poco dopo con Giancarlo Giannini). Sia 'Mattei' che 'la classe operaia' sembrano capsule del tempo di un'era passata, con un forte richiamo locale (entrambi erano grandi successi in Italia): sono politici, spigolosi, arrabbiati e ricordano un tipo di cinema che fiorì brevemente ma mancava di una qualità senza tempo. -TB

53. 'The White Ribbon' rdquo; (2009)

'Il nastro bianco'

A Michael Haneke piace premere i pulsanti del suo pubblico, e certamente lo ha fatto ancora una volta con questo dramma del periodo in bianco e nero che è sottotestualmente sull'ascesa del nazismo. Ambientato alla vigilia dell'assassinio dell'arciduca Ferdinando nel 1914 nella cittadina di Eichwald, nella Germania settentrionale, 'The White Ribbon'. segue diverse famiglie che non si rendono conto che la loro esistenza sta per essere distrutta per sempre. Gran parte del film parla dei bambini, presentato come cugini Bösekinder dei disumani tykes in 'Il villaggio dei dannati'. L'implicazione? Questa è la generazione nazista in forma proto; cresceranno e guideranno tutti gli orrori che seguiranno. La giuria del concorso di Cannes ha scoperto che la lettura delle origini del fascismo è profonda. Se è davvero è discutibile; ciò che non è discutibile è che la cinematografia del film è straordinariamente atmosferica, come un esercizio degli ultimi giorni nell'espressionismo tedesco, ombre minacciose proiettate dalle foglie montate dal vento e tutto il resto. Il terrore si diffonde da ogni fotogramma, rendendo il film di Haneke un'esperienza viscerale, anche se si vorrebbe che fosse altrettanto stimolante per l'intelletto. -CB

52. & Addio My Concubine ”; (1993)

Per un momento, quando Chen Kaige ha realizzato una sontuosa epopea che ha battuto artisti del calibro di 'Naked'. e 'The Puppetmaster' ”; per la Palma d'oro o nel 1993, sembrava che sarebbe emerso come la voce distintiva della cosiddetta 'quinta generazione'. dei cineasti cinesi. Ahimè, non doveva essere; Il follow-up di Chen, 'Temptress Moon', ”; è stato infastidito da problemi di produzione e problemi di censura, e deve ancora riprendersi completamente. Ma anche se Chen fosse riuscito ad ampliare il successo critico e commerciale di cui godeva con il suo epico ritratto nel backstage dell'Opera di Pechino, 'Addio mia concubina'. sarebbe probabilmente ancora ricordato come il gioiello della corona in cima alla sua carriera.

Come con molti film di quinta generazione, Addio My Concubine ”; è incorniciato dallo sconvolgimento della Rivoluzione Culturale, ma il capolavoro di Chen si distingue per la magnificenza della sua scala, il melodramma della sua storia e il significato delle sue canzoni. Da oltre 50 anni, il film segue due personaggi dalla fanciullezza alla morte, poiché sono assegnati a ruoli specifici in un'antica tradizione e costretti a mantenere le loro parti anche mentre il mondo si trasforma intorno a loro (Leslie Cheung e Zhang Fengyi interpretano i protagonisti da adulti, mentre il grande Gong Li appare come la tragica cortigiana che si frappone tra loro, anche se non nel modo che ci si potrebbe aspettare). Una sontuosa e avvincente testimonianza del fatto che il tumulto politico è la somma di un miliardo di storie personali, 'Addio mia concubina'. è stato abbattuto da Harvey Weinstein per la sua uscita americana, ma il taglio completo di 171 minuti - che ha un disperato bisogno di restauro - vola in un lampo straziante. -DE

51. 'L'anguilla' (1997)

Il maestro giapponese Shohei Imamura ha condiviso il Palme con Abbas Kiarostami 'Taste of Cherry'. per questo dramma teso sulle seconde possibilità. La storia ruota attorno a Takuro (Koji Yakusho), un uomo imprigionato per aver ucciso la moglie infedele e costretto a ricostruire la sua vita dopo essere stato rilasciato dalla prigione. Dopo aver aperto un negozio di barbiere, forza un legame con la scoraggiata Keiko (Miss Shimizu) e alla fine viene trascinata nei suoi drammi di relazione con uno squalo del prestito locale. Imamura era già una figura di spicco della New Wave giapponese quando recita questa assorbente incarnazione della rabbia e della vulnerabilità che ribollono sotto la superficie della moderna identità del suo paese, ed è un'introduzione ideale al suo lavoro - intimo, pieno di morale ambiguità, e triste per un difetto, riesce anche a colpire una nota struggente sul desiderio di andare avanti anche quando le prospettive sembrano desolate. -Una

50. “; Spaventapasseri ”; (1973)

Il regista Jerry Schatzberg ha condiviso la Palme del 1973 con The Hireling ”; per questa classica incarnazione del più grande decennio per il cinema americano prodotto in studio. Il drammatico dramma trova due uomini ribelli (Al Pacino e Gene Hackman al culmine del loro fascino cinematografico) che uniscono le forze per avviare un'attività mentre fanno un viaggio sfortunato per riconnettersi con vecchi parenti che sono andati avanti senza di loro. Nel processo, finiscono in prigione (per il personaggio di Hackman, una seconda volta) e tentano di rimettere in sesto le loro vite, con risultati contrastanti. Ma questi sforzi sono principalmente un trampolino di lancio per il primo film di amici veramente moderno, poiché la coppia sviluppa una co-dipendenza unica che le loro altre relazioni nella vita non potrebbero mai fornire. Con il pugno di uno-due del 1971, Panic in Needle Park ” e questo avvincente studio di carattere seriocomico, Schatzberg ha dimostrato di essere uno dei registi americani più impressionanti per emergere in questo venerato decennio - e rimane uno dei meno apprezzati. -EK

49. " When Father Was Away at Business ”; (1985)

Emir Kusturica, uno yugloslav serbo, aveva realizzato solo un film prima che questo fosse il vincitore a sorpresa del 1985. È il primo dei suoi due destinatari Palme ('Underground' nel 1995 è considerato il suo capolavoro). Sebbene non sia autobiografico, fa delle sfumature autobiografiche nella sua ricreazione della Jugoslavia dei primi anni '50 e di come le sue complicate politiche (inclusa la pausa da Mosca) abbiano influenzato la vita di un bambino di sei anni. Gli viene detto che suo padre, in realtà un prigioniero politico, è in viaggio per lavoro. Questa lunga storia include una ricca gamma di personaggi di grandi dimensioni, un apprezzamento terreno delle loro lotte e la capacità di far fronte (simile ai precedenti film cechi della New Wave; Kusturica ha studiato film a Praga) e un amore appassionato per il suo complicato paese poco prima della fine del comunismo e la sua discesa nella guerra civile. La chiave del suo successo è la sensibilità trasmessa dal punto di vista di un bambino. Lo stesso Kusturica recita spesso ed è anche un artista musicale. La sua esperienza in entrambi i campi dà ulteriore colore a questo film. -TB

48. 'The Square' rdquo; (2017)

'La piazza'

Tre anni dopo il debutto della sua commovente commedia nera 'Force Majeure'. al festival, il cineasta svedese Ruben Östlund è tornato con una nuova interpretazione di un'altra istituzione che ha bisogno di una giusta inclinazione. Mentre “; Forza maggiore ”; ha assunto l'unità familiare e il concetto di mascolinità, 'The Square'. è andato dopo il mondo dell'arte stabile e ha anche offerto alcune prospettive uniche sulla femminilità moderna nel processo. Soprattutto un rinvio del mercato dell'arte contemporanea e la diffusione virale dei social media, 'The Square'. completa il suo umorismo scandaloso con alcune esibizioni subdole, da Claes Bang a Elisabeth Moss. Tuttavia, è il pezzo di arte performativa a tutto gas di Terry Notary che guida davvero il film. È scelto qui come Oleg, un uomo che si comporta come una scimmia e riesce a convincere il suo pubblico - sia nel film che fuori a teatro - a provare uno spettro terrificante di emozioni. Questo è ciò per cui l'arte - anche ai suoi estremi più sciocchi - è, e quello in cui Östlund continua a trovare i suoi modi folli per eccellere. to-

47. “; Cronache degli anni di fuoco ”; (1975)

'La battaglia di Algeri' di Gillo Pontecorvo, un capolavoro raccontato dal punto di vista di un estraneo sulla guerra d'indipendenza di quel paese dalla Francia, dipinge la lotta in un contesto urbano. “Chronicle of the Years of Fire” è stato realizzato da un algerino, dal punto di vista arabo, circa 15 anni prima che scoppiasse la guerra nel 1954. Questo film di tre ore è conosciuto e intimo nel suo ritratto dei suoi personaggi e una buona introduzione storica al soggetto, ma manca della portata cinematografica raggiunta dall'egiziano Yuossef Chahine, il maestro del cinema africano di Sarahan. Il film è stato accolto da minacce di morte quando è stato mostrato a Cannes, con rabbia tra i pieds-noirs - i cittadini europei dell'Algeria quando era una provincia francese - ancora sobbollendo. Non ha mai ricevuto una versione teatrale convenzionale degli Stati Uniti e rimane poco conosciuto qui fino ad oggi. -TB

46. “; Rosetta ”; (1999)

I fratelli d'autore belgi Jean-Pierre e Luc Dardenne hanno vinto il loro primo dei due Palme d'or per questo lavoro fondamentale del realismo sociale, il genere che fanno meglio di chiunque altro al giorno d'oggi. La storia della giovane adolescente titolare (Émilie Dequenne, che ha vinto la migliore attrice al festival) che lotta per la vita in un parco roulotte con sua madre alcolizzata è una distillazione dei Dardennes ’; capacità di realizzare rappresentazioni assorbenti della vita di classe inferiore attraverso personalità sorprendenti e suspense a fuoco lento. La ricerca di Rosetta di trovare un lavoro in un negozio di waffle locale, anche a spese dell'uomo di buon cuore che lavora lì, costruisce una serie di incidenti snervanti in cui la storia minaccia di trasformarsi in una saga criminale. Ma i Dardennes sono più intelligenti di così, e mantengono il pubblico agganciato accennando alla possibilità delle frustrazioni di Rosetta sull'ambiente circostante per produrre circostanze terribili anche se mantengono il dramma radicato nella sua incertezza psicologica. Il finale ambiguo non è un lieto fine, ma riesce a trasmettere la vanità del tentativo di riparare un sistema rotto - in realtà, nulla di ciò che Rosetta può cambiare la sua situazione - alludendo alla prospettiva di sopravvivere un altro giorno attraverso la compagnia. Il film mostra quanto i Dardennes siano stati in grado di creare la loro versione del neorealismo basata sulle preoccupazioni belghe contemporanee. Soprattutto, 'Rosetta' rdquo; illustra i Dardennes ’; propensione a fondere commenti sociali dour con suspense di prim'ordine. È un dramma avvincente da registi che eccellono nel trasformare il naturalismo mopey in intense esperienze viscerali. -Una

45. 'The Hireling' rdquo; (1973)

Due anni dopo la vittoria di 'The Go Between' di Joseph Losey a Cannes, un secondo adattamento di un romanzo sull'amore illecito ambientato nell'aristocrazia della campagna inglese condivideva il massimo dei voti (con 'The Scarecrow'). Diretto da Alan Bridges, precedentemente noto per la regia di spettacoli teatrali trasmessi dalla BBC, ha interpretato Robert Shaw come autista che viene coinvolto in Sarah Miles come suo ricco datore di lavoro. Non è 'Driving Miss Daisy', ma piuttosto uno studio critico su come le prospettive distorte dalle differenze di classe possono portare a danni e ferite. Ciò ha avuto un impatto molto minore rispetto al film precedente di Losey, sebbene entrambi abbiano ricevuto un'uscita domestica attraverso la Columbia. Bridges continuò principalmente con il lavoro televisivo, sebbene il suo successivo 'Il ritorno del soldato' e 'Il partito di tiro' ricevettero modesta attenzione il decennio successivo. -TB

44. 'Il talento e come ottenerlo' (1965)

Il seguito di Richard Lester al classico dei Beatles 'A Hard Day’s Night' è un altro cinetico e schiacciante San Valentino per gli anni '60. Questa commedia in bianco e nero di maniere romantiche adattata da Lester e Charles Wood della commedia di Ann Jellicoe schiera un coro di colorati londinesi anziani per commentare i costumi sessuali del giovane, incarnato dal batterista hipster Tolen (Ray Brooks). Ha 'il talento' delle ragazze dello sbarco, mentre Colin (Michael Crawford), insegnante di scuola meno regolare e praticato, no. Per imparare dal maestro, Colin si trasferisce con Tolen per osservare di persona le sue tecniche di seduzione. Mentre sta acquisendo un poster a baldacchino più grande, incontra Nancy, una timida e sorridente gamine del paese alla ricerca dell'YWCA (Rita Tushingham), che lo aiuta a riportare il letto sul tappetino da scapolo, dove Colin non vuole condividere lei con il suo amico. Le incomprensioni derivano quando Nancy sviene e pensa di essere stata violentata da Tolen. Lester non solo ha i suoi attori indirizzati alla macchina da presa, ma usa tecniche di montaggio disgiuntive, sottotitoli divertenti e una colonna sonora di John Barry. (Jane Birkin, Charlotte Rampling e Jacqueline Bisset hanno tutti lanciato una lunga carriera con questo film.) Il film ha ottenuto sei nomination ai BAFTA dopo la sua sorpresa alla Palma d'Oro o alla vittoria a Cannes. -A

43. “; Secrets & Lies ”; (1996)

'Segreti e bugie'

La classica e intricata serie drammatica di Mike Leigh è interpretata da Marianne Jean-Baptiste nei panni di una giovane optometrista nera che, dopo la morte dei suoi genitori adottivi, decide di rintracciare la madre biologica, che scopre essere una donna bianca (Brenda Blethyn). Il caos che è la vita familiare della madre fornisce molto foraggio per il dramma. Come per ogni lavoro di Mike Leigh, la recitazione è di prim'ordine, grazie in gran parte ai metodi del regista - ha lavorato alla sceneggiatura durante diversi lunghi periodi di prove con il cast che è durato mesi. I risultati includono alcune interpretazioni molto credibili, poiché gli attori hanno contribuito a creare i personaggi. E la fotografia senza tante cerimonie del cineasta Dick Pope sottolinea l'estetica docu-drammatica del film. Marianne Jean-Baptiste ha ricevuto una nomination all'Oscar come migliore attrice non protagonista, rendendola la prima attrice britannica nera ad essere nominata per un Oscar. -PER

42. “; Un uomo e una donna ”; (1966)

Dal regista Claude Lelouch arriva questo classico del 1966 - un film tenero e visivamente emozionante di amore rigenerante tra una vedova e un vedovo: un pilota di auto da corsa (Jean-Louis Trinignant) e una sceneggiatrice di film (Anouk Aimee) condividono una candida storia d'amore, bilanciando le esigenze di carriera e genitorialità. È uno sguardo toccante e realistico di una storia d'amore in crescita per adulti, con ogni partecipante gravato da una tragedia passata, che li fa procedere delicatamente. Il film è anche famoso per la splendida colonna sonora di Francis Lai. Vincitore degli Oscar per il miglior film in lingua straniera e la migliore sceneggiatura originale, è probabilmente una delle storie d'amore più dolci mai catturate sullo schermo. Un sequel inferiore, 'A Man and a Woman: 20 Years Later' è stato rilasciato nel 1986 e Lelouch ha in programma di completare quella che sarà effettivamente una trilogia, con un terzo film in anteprima a Cannes 2019. -PER

41. 'La lunga assenza'. (1961)

Un po 'ironicamente, dato l'impatto del movimento in Francia, nessun regista francese della New Wave ha mai vinto il Palme d’or. Nonostante il movimento fosse al culmine nel 1961, un film d'esordio di Henri Colpi, anch'egli francese, condivise il premio (con la 'Viridiana' di Bunuel), il cui film non faceva parte del movimento. Colpi era un editore (ha tagliato 'Hiroshima, mon amour' di Resnais e ha continuato a lavorare a volte per il resto della sua carriera). Nonostante questa vittoria iniziale, lui e questo film rimangono poco conosciuti, almeno al di fuori della Francia. Visto oggi, sembra un film più della 'Tradizione della qualità' nel film francese che Truffaut ha denunciato notoriamente nel 1954. Alida Valli ha gestito un bistrot di periferia da solo da quando suo marito non è tornato da un campo di prigionia della Seconda Guerra Mondiale. Appare un vagabondo amnesico che gli assomiglia, con la sua vera identità poco chiara. Il film ricorda i drammi francesi degli anni '30 e '40, di registi come Carne, Pagnol, Duvivier e altri che rappresentavano artigianato e narrativa più convenzionali e uno stile meno personale. (La favorevole recensione del New York Times di Bosley Crowther inizia lodando il fatto che è diversa dai recenti film francesi.) Separata dal suo contesto, questa è una storia coinvolgente con molti momenti piacevoli da risparmiare. -TB

40. 'L'albero degli zoccoli di legno' (1978)

“; L'albero degli zoccoli di legno ”; è un trionfo del naturalismo come quasi nient'altro nel cinema, e sembra lo stato finale del neorealismo italiano - che dopo l'epopea di Ermanno Olmi non c'è semplicemente più bisogno di andare nella forma. Olmi racconta questa storia di tre ore di quattro famiglie che vivono e lavorano in una massiccia fattoria comunale a Bergamo, in Italia, all'inizio del XX secolo. È animato interamente da non attori locali che parlano nel dialetto bergamasco. La maggior parte del film è solo vignette della vita di campagna: personaggi che cantano mentre sgusciano il grano, partecipano alla messa, affrontano la ricaduta di mandare un figlio a scuola invece di farlo lavorare, attraversando il processo elaborato della macellazione di un maiale (gli animali venivano feriti la realizzazione di questo film). Non c'è da stupirsi che sia uno dei film preferiti di Mike Leigh e sul Criterion Blu-Ray di The Tree of Wooden Clogs ”; si oppone a quanto viene aggiunto facendo in modo che i non attori abbiano familiarità con la vita di campagna facendo cose con cui hanno familiarità. (Leigh scherza su quanto sarebbe sciocca l'idea che la città possa imparare a macellare un maiale.) La vita dei braccianti agricoli è contrastata con quella dei ricchi proprietari terrieri per i quali stanno dedicando la vasta porzione del loro lavoro in un una specie di feudalesimo moderno. Olmi trova grazia nella loro fatica e imposta scene del loro lavoro a Bach, mentre i proprietari terrieri ’; i bambini suonano rondos di Mozart sul loro clavicordo. Parla di come diventare politico attraverso il sottotesto. -CB

39. 'All That Jazz' rdquo; (1980)

'Tutto quel jazz'

Com'è triste che F / X abbia massacrato la storia della vita di Bob Fosse in una miniserie quando lui stesso ha esposto tutto con tanta grazia quasi 40 anni fa. Uno dei grandi musical originali del film di cui vediamo raramente, il film rispecchia vagamente '8 1/2' di Federico Fellini nel suo racconto vagamente autobiografico, leggermente fantastico di un artista egomane e delle donne che lo orbitano. Il film presenta un'esibizione febbrilmente carismatica di Roy Scheider nei panni di Joe Gideon nei panni di Fosse, oltre a giri da leggende sui propri diritti Jessica Lange e Ann Reinking. Lo stile singolare di Fosse e la coreografia distintiva avrebbero sempre avuto un bell'aspetto nei film, ma il fatto che abbia scritto (con David Alan King) e diretto una commedia mortalmente così intimamente intima non è cosa da poco. -JD

38. “; M * A * S * H ​​* ”; (1970)

È ancora difficile immaginare come deve essere stato guardare il film irriverente e non convenzionale di guerra commedia di Robert Altman mentre il paese era intriso della distruzione del Vietnam. In parte era una commedia nera come il dott. Stranamore, ”; ma con un'assurdità apolitica che è quasi più pericolosa. Il film episodico era pieno di sequenze comiche, come quando un personaggio, Painless, decide di suicidarsi per un attacco di impotenza. L'equipaggio della MASH organizza un'Ultima Cena per amministrare la pillola fatale - completa con la canzone 'Suicide is Painless', 'rdquo; sarebbe diventato il tema dello spin-off della serie TV di successo - che non è altro che uno schema elaborato per farlo scopare. L'uso sperimentale di lunga durata di Robert Altman pieno di personaggi che sono tutti individualmente microfonici e che portano avanti varie conversazioni sembrava una partenza radicale per una commedia pubblicata in studio. La sorpresa Palme d o rsquo; o il vincitore sarebbe diventato un successo a sorpresa ancora più grande e un fenomeno culturale. CO

37. “; Elephant ”; (2003)

'Elefante'

Uno dei film più inquietanti per vincere il Palme d'Or, 'Elephant' di Gus Van Sant si ispira al massacro della Columbine High School per creare un ritratto dell'America sonnambulismo che si fa strada verso la tragedia. La sceneggiatura di Van Sant consiste in un dialogo minimale, con gli attori che improvvisano gran parte delle loro battute sul corridoio. L'effetto dà a 'Elephant' la sensazione di un documentario, con Harris Savides ’; macchina fotografica scorrevole che crea un livello di insensatezza che aumenta solo nell'intensità claustrofobica una volta iniziate le riprese. 'Elephant', che ha portato a casa la Palma d'oro nel 2003, è una storia inarrestabile della tragedia americana che la maggior parte degli americani non vuole accettare, quindi non c'è da meravigliarsi se il film non ha avuto un impatto simile negli Stati Uniti come a Cannes. grassi poliossietilene

36. “; Missing ”; (1982)

Per un po 'lì, nessuno stava facendo thriller politici come quelli di Costa-Gavras. Dopo aver vinto il Premio della giuria per la 'Z' del 1969, è tornato 13 anni dopo con 'Missing' per vincere quello grande. In una delle sue migliori (e meno divertenti) esibizioni, Jack Lemmon interpreta Edmund Horman, il cui figlio Charles è scomparso (leggi: assassinato) durante il colpo di stato del Cile del 1973. Lemmon è affiancato da Sissy Spacek nei panni della nuora di Horman, con il film che assume uno stato d'animo sempre più senza speranza, quasi claustrofobico più a lungo continua. Questo è in parte grazie a una colonna sonora tipicamente densa di Vangelis, per non parlare della vera storia su cui si basa 'Missing', e Costa-Gavras condanna tutti coloro che sono coinvolti nella parodia senza mai menzionarli per nome. Per i suoi sforzi, ha vinto non solo il Palme d'Or, ma ha anche condiviso un Oscar per la sceneggiatura del film con il co-sceneggiatore Donald E. Stewart; nonostante sia celebrato altrove, il film è stato bandito in Cile. -MN

35. 'The Piano' rdquo; (1993)

'Il piano'

Jan Chapman Prods / Miramax / Kobal / REX / Shutterstock

Al debutto della proiezione alla stampa del Cannes Palais del dramma romantico di Jane Campion del 1850, i critici piansero la storia di una pianista muta solitaria e infelicemente sposata (vincitrice dell'Oscar Holly Hunter) che preferisce una pioniera dura ma tenera della Nuova Zelanda (Harvey Keitel) alla sua taciturna marito (Sam Neill). Ventitre anni dopo, sola come regista in un mare di vincitori maschili di Palme d'Or, Campion è stata allietata dalla celebrazione del 70 ° anniversario di Cannes. Nessun'altra donna ha portato a casa quel premio. E Campion è una delle cinque donne nominate per il miglior regista Oscar; ha portato a casa la vittoria (per la sceneggiatura originale) insieme a Hunter per la sua performance emotiva silenziosa e Anna Paquin come la sua giovane figlia vigile. Questo film inimitabile e intimo regge nel tempo e continua a dare un pugno emotivo. -A

34. “; Se … ”; (1969)

L'anno dopo che Cannes fu cancellata a causa delle proteste studentesche, era naturale che la Palme d 'O dovesse essere assegnata a un film su una sanguinosa insurrezione sulla base di un campus. Un dramma furioso che osa considerare il lato positivo della violenza rivoluzionaria (e termina con una sparatoria a scuola giustificata in modo giusto in cui gli studenti iniziano ad aprire il fuoco sui loro genitori e insegnanti), il film si chiama “; If …, ”; come in “; if … oggi qualcuno l'ha fatto, rovinerebbe letteralmente la carriera di ogni singola persona coinvolta. ”;

Willem Dafoe è gay

Ma Lindsay Anderson non ha mai avuto paura di mandare un colpo di avvertimento attraverso la prua della cultura dell'establishment britannico, e nemmeno la stella Malcolm McDowell, la cui interpretazione come non conformista della sesta forma Mick Travis - un personaggio che avrebbe ripreso in 'Lucky Man' ! ”; e “; Britannia Hospital - funge da audizione per il ruolo che avrebbe interpretato in 'A Clockwork Orange'. tre anni dopo. In un anno di Cannes che conteneva anche artisti del calibro di 'Easy Rider'. e “; Z, ”; “; Se … ”; era ben lungi dall'essere l'unico film a lanciare una granata allo status quo, ma la visione di Anderson è così sconcertante e incendiaria che si distingue. È raro che un film trasmetta una minaccia diretta da una generazione all'altra, e se 'rdquo; risuona come una reliquia irremovibile di un'epoca in cui la pop art non aveva paura di mettere in scena un assalto diretto ai poteri. -DE

33. “; eternità e un giorno ”; (1998)

L'autore greco Theo Angelopoulos era atteso da tempo per una Palma d'oro, o prima di vincere nel 1998, emergendo trionfante da un schieramento della competizione piuttosto irrisorio che è stato messo in evidenza da artisti del calibro di The Hole, ”; “; Gli idioti ”; e “; Velvet Goldmine ”; (ahimè, Roland Emmerich 'Godzilla' è stato proiettato fuori concorso). Ma se “; eternità e un giorno ”; non è esattamente uguale ai capolavori precedenti come 'The Travelling Players'. e 'The Suspended Step of the Stork', ”; Angelopoulos ’; la meditazione poetica sulla morte e sul significato è ancora il lavoro toccante di un artista cinematografico insolitamente riflessivo; una passeggiata elegante e tortuosa attraverso la nebbia della memoria che attraversa alcune delle immagini più inquietanti del regista prima di approdare a un colpo finale che divide la differenza tra verità profonda e assurdità saccarina.

Il grande Bruno Ganz (soprannominato in greco) interpreta un morente scrittore di Salonicco di nome Alexandros, i cui ultimi giorni fanno una deviazione improvvisa quando si confonde con un giovane ragazzo albanese che viene trafficato in tutto il paese. Quel filo della trama è annodato insieme ai malinconici lamenti di un vecchio che cerca di prendere la misura della propria vita, e il tutto impiega un po 'a farsi strada verso la fine (si scopre che l'eternità e un giorno sono un bel a lungo). Se la stimolazione sonnambulante e le fioriture spirituali ricordano le ultime opere di Andrei Tarkovsky, l'imperativo morale del film è trama e trama. riff su Akira Kurosawa 's “; Ikiru, ”; un'altra storia su qualcuno che cerca uno scopo mentre si trascinano fuori da questa spirale mortale. Ma come ogni grande film sull'argomento, Angelopoulos ’; il vincitore ti lascerà alla ricerca del tuo. -DE

32. 'L'Albero della Vita'. (2011)

'L'albero della vita'

Una poesia visiva raccontata con la luce. C'è sempre un elemento di spiritualità nell'opera di Terrence Malick, insieme alla consapevolezza che l'esistenza umana è una specie di oscurità nel vasto arco dell'universo. È un tema palesemente esplorato in questo film - comprese le spaccature di scene che coinvolgono la creazione dell'universo - ma è meglio espresso nei momenti effimeri che Malick mette in scena e trova, mentre il direttore della fotografia Emmanuel Lubezki insegue la luce, per creare un ritratto di un famiglia in una lotta senza fine tra vita e morte, luce e oscurità, distruzione e grazia. 'The Tree of Life' presenta una visione cosmica della vita, dell'universo e di tutto: pochi cineasti avrebbero il coraggio di tagliare dai dinosauri e il big bang alla vita in Texas nelle piccole città. Ma quella visione senza compromessi è ciò che rende 'The Tree of Life' un'esperienza così irremovibile. Alcuni critici hanno fischiato il film a Cannes, ma ciò non ha impedito alla giuria di premiarlo con il massimo onore. CO

31. “; Road ”; (1982)

Non è un film perfetto, ma se c'è qualcuno in questa lista che merita di essere visto meglio, è Yılmaz Güney '' Yol. ”; Ne vale la pena la storia della sua realizzazione. Güney era un dissidente politico che negli anni '60 ha contribuito a innalzare il profilo del cinema turco come nessun regista prima di lui - il suo film del 1970 'Umut'. (“; Hope ”;) ha persino vinto il plauso di Elia Kazan. Ma è stato imprigionato per gran parte degli anni '70, prima dopo essere stato accusato di aver ospitato radicali studenteschi e poi per aver presumibilmente sparato e ucciso un pubblico ministero. Ha continuato a scrivere sceneggiature durante la sua prigionia, facendo lavorare la regia dal suo collaboratore Serif Goren. Nel 1981, fuggì dalla prigione e fuggì in esilio a Parigi - ancora una volta, fece eseguire a Goren il lavoro di regia di Yol. ”; Questo film è la storia di un trittico di tre prigionieri in Turchia rilasciati per una settimana. Una trama segue la riunione di un condannato con sua moglie - è stato imprigionato per una rapina andata in male che ha provocato la morte di suo fratello, e la sua famiglia lo vuole morto ora per aver permesso che ciò accadesse. Un altro si concentra su un detenuto curdo che torna nella sua famiglia e vede l'orribile oppressione che affrontano per mano dell'esercito turco - “; Yol ”; è stato bandito in Turchia solo per l'inclusione del 'Kurdistan' del Kurdistan; come titolo della posizione sullo schermo. E l'ultimo e il più potente riguarda il terzo prigioniero, che dopo essere stato rilasciato dalla prigione si confronta con la sua famiglia con il fatto che sua moglie ha commesso adulterio mentre era rinchiuso: chiedono che lui viaggi con lei di nuovo nel suo villaggio ancestrale per lui di commettere l'omicidio d'onore ”; di lei. Non vuole, ma sente di non avere altra scelta. Quello che succede è indimenticabile. -CB

30. Dancer in the Dark ” (2000)

“Dancer in the Dark”

La provocatoria commedia musicale del regista Lars von Trier, ambientata nel 1964, vede Björk nei panni di Selma, immigrata ceca che lavora in una fabbrica rurale nello stato di Washington, ed è una madre single che perde la vista a causa di una malattia ereditaria. Per proteggere suo figlio di 10 anni dallo stesso destino, Selma salva diligentemente i suoi guadagni per pagare un'operazione necessaria. Di notte, fugge in un mondo in cui non succede mai nulla di terribile, ”; provare una produzione di 'The Sound of Music' con la migliore amica Kathy (Catherine Deneuve). Ma quando un vicino (David Morse) tradisce la sua fiducia, la vita di Selma si dipana e le linee tra realtà e fantasia si confondono. Anche Peter Stormare e Joel Grey recitano in questa originale tragica fiaba. È il terzo film della 'Trilogia del cuore d'oro' di von Trier; 'Breaking the Waves' (1996) e 'The Idiots' (1998) sono gli altri due. La traccia “I’ve visto tutto” della colonna sonora - pubblicata come album 'Selmasongs' e scritta principalmente da Björk - è stata nominata per un Oscar per la migliore canzone originale. -PER

29. 'Winter Sleep' rdquo; (2014)

Nuri Bilge Ceylan posa con il suo premio Palme d’Or per 'Winter Sleep' a Cannes nel 2014

Thibault Camus / AP / REX / Shutterstock

Alcuni vincitori di Palme sembrano uscire dal nulla, mentre altri sono preceduti dall'autore in questione raccogliendo premi più piccoli lungo la strada. 'Winter Sleep' di Nuri Bilge Ceylan rientra in quest'ultima categoria: 'Distant' aveva già vinto il miglior attore, il miglior regista di 'Three Monkeys' e 'Once Upon a Time in Anatolia' ha portato a casa il Grand Prix - ma questo non significa non era degno. Una meditazione lenta e meravigliosamente sparata sulle disuguaglianze di classe in Turchia e oltre, ha la sensazione di una favola senza essere palese nella sua moralizzazione. Il cinema di Ceylan può essere un gusto acquisito, ma è anche profondamente soddisfacente. -MN

28. “; Sotto il sole di Satana ”; (1987)

Se non hai mai visto l'adattamento di Maurice Pialat del romanzo di Georges Bernanos, la tua prima domanda è probabilmente se sia all'altezza di quel titolo. La risposta è un sì enfatico: Gérard Depardieu, in una delle sue migliori interpretazioni, interpreta un devoto sacerdote il cui legame con un giovane assassino potrebbe in realtà essere una forma di tentazione satanica. La sua Palma d'oro, la prima per un film francese in 20 anni, è stata vista come un evento tale che l'allora presidente François Mitterrand scrisse a Pialat una lettera di congratulazioni in cui affermava che il film “mostra la vitalità che può e dovrebbe caratterizzare Cinema francese. ”Se conosci Depardieu solo per le sue più recenti buffonate, consenti a“ Sotto il sole di Satana ”di rifondere completamente la tua percezione di lui - e, forse, il concetto stesso di grazia divina. -MN

27. “; Man of Iron ”; (1981)

La cosa più vicina a un sequel tra i vincitori di Palme, 'Man of Iron' ha seguito 'Man of Marble' del regista Andrzej Wajda nel suo cantiere navale di Danzica e il suo personaggio principale, il figlio dell'eroe del film precedente. Wajda è giustamente celebrato per la sua trilogia di film ambientati nella Seconda Guerra Mondiale realizzati negli anni '50 ('A Generation', 'Kanal' e 'Ashes and Diamonds'.) L'ascesa del movimento Solidarity lo ha riportato al successo internazionale con questi due film a quattro anni di distanza. 'Iron' è stato il più anti-governativo di loro, con un disgelo ideologico che è cresciuto durante le riprese e ne ha permesso il rilascio, anche se è stato bandito poco dopo. La sua immediatezza è la sua più grande risorsa, ma la sua disponibilità a ritrarre gli eventi attuali con la velocità lo compromette rispetto alla mancanza di tempo dei primi drammi basati sulla storia di Wajda. La vittoria di Cannes in parte è stata vista come una spinta per la solidarietà. -TB

26. “; Underground ”; (1995)

L'inventiva visiva e la frenetica stimolazione del regista Emir Kusturica - che spesso si sente come Fellini su adderall, accompagnata da una rauca banda di ottoni balcanici - questa volta si estende alla storia travagliata della sua amata Jugoslavia, che si trovava in un lungo periodo di disintegrazione. “; metropolitana ”; è un'ambiziosa farsa di tre ore (c'era una versione di cinque ore per la televisione) su ciò che accade all'anima di un paese e alla sua gente che vive in uno stato di guerra costante da 50 anni. I colpi di scena della trama sono tanto assurdi quanto preoccupanti: Marko, un leader emergente nel partito comunista, mantiene i suoi amici nascosti nella cantina convinti che la Gestapo sta ancora andando a porta a porta 15 anni dopo la fine della guerra. Ma nulla può impedire ai personaggi chiassosi di Kusturica di bere, combattere e scopare. CO

25. 'Taste of Cherry' rdquo; (1997)

Vincitore della Palma d'oro a Cannes 1997, 'Taste of Cherry' di Abbas Kiarostami è uno dei vincitori più importanti del festival. Roger Ebert notoriamente odiava il film, definendolo 'terribilmente noioso', ma qualcosa sulla pazienza di Kiarostami e il taglio trasversale tra i primi piani e le vaste inquadrature paesaggistiche crea un incantesimo innegabile sullo spettatore. Il film vede Homayoun Ershadi come un uomo che guida attraverso Teheran in cerca di qualcuno che accetti di seppellirlo sotto un ciliegio dopo che si è suicidato. L'approccio mette il personaggio principale di Kiarostami sotto una lente microscopica mentre lo spettatore analizza i suoi movimenti per ottenere risposte. Più l'uomo viene messo a fuoco, più 'Taste of Cherry' invita gli spettatori nel labirinto di autoriflessione di Kiarostami. grassi poliossietilene

24. 'The Ballad of Narayama ”; (1983)

Il regista Shōhei Imamura è sempre stato sottovalutato, con la notevole eccezione di Cannes, dove due dei suoi gioielli della fine della carriera hanno vinto il Palme. C'era spesso un'esuberanza cinematografica e giocosità nei film precedenti di Imamura, ma in questa storia della pratica giapponese del 19 ° secolo nota come ubasute - un anziano genitore viene trasportato sulla montagna e lasciato morire all'età di 70 anni - mostra una straordinaria moderazione. La cinepresa e lo storytelling consentono sottigliezze della performance messa in contrapposizione alla bellezza del paesaggio rurale per portare la storia. Sumiko Sakamoto offre una prestazione straordinariamente discreta come una donna che espone il suo destino, ma ha bisogno di trovare il figlio maggiore una moglie prima di portarla su per la montagna. -CB

23. 'Sex, Lies, and Videotape' rdquo; (1989)

Il regista americano Steven Soderbergh, a sinistra, detiene il Golden Palm che gli è stato assegnato per il suo film 'Sex, Lies and Videotapes' al 42 ° Festival Internazionale del Cinema di Cannes, in Francia. Accanto a lui c'è l'attrice Jane Fonda
Festival del cinema di Cannes, Cannes, Francia

Gilbert Tourte / AP / REX / Shutterstock

Un lungometraggio di debutto di Steven Soderbergh, che tratta i temi della sessualità e dell'ossessione del film con umorismo incisivo e sensualità. La drammatica commedia erotica vede James Spader nei panni di Graham, un'amica del college perduta da tempo che si sposta di nuovo in città e nelle vite di John (Peter Gallagher), un playboy impegnato in se stesso, la sua santa moglie Ann (Andie MacDowell) e sua sorella sfacciata Cynthia (Laura San Giacomo). Ciascuno viene gradualmente attirato nella rete di sesso, bugie e videocassette di Graham, e viene trasformato. Spader ha ottenuto il premio per il miglior attore al Festival di Cannes per la sua interpretazione eccezionalmente sottile e provocatoria in un film ben eseguito che presenta spettacoli avvincenti su tutta la linea. Soderbergh è stato nominato per un Oscar per la sua sceneggiatura. -PER

22. 'Le gru volano'. (1958)

I primi tre onorificenti della Palma d'oro erano, in ogni caso, indiscutibili: 'Marty', 'Marty'. il documento di Jacques Cousteau 'Il mondo silenzioso', e “; Friendly Persuasion. ”; Ma il quarto Palme d o rsquo; o vincitore è elettrico e merita di essere molto più conosciuto oggi tra i cinefili: 'The Cranes Are Flying'. è uno studio vertiginosamente soggettivo sulle vite dei civili sovietici che subiscono la distruzione e la privazione urbana durante la seconda guerra mondiale. Ad un certo punto, il personaggio femminile protagonista è lo stupro di una brutta schivata è giustapposto a un assalto aereo tedesco, una scelta espressionistica in faccia per associare il terrorismo personale al terrorismo di bombe che cadono che sottolinea le cicatrici psicologiche durature che provengono da tutti e due. Questo è un film profondamente empatico in cui le emozioni non si perdono mai in quelle che sono alcune delle immagini in bianco e nero più mostruose mai messe sullo schermo, per gentile concessione del maestro sovietico Mikhail Kalatozov e del suo direttore della fotografia Sergei Urusevsky. Avrebbero ripetuto i lunghi movimenti di tracciamento, i complicati blocchi naturalistici, gli angoli olandesi e gli effetti di illuminazione ad alto contrasto estremi di 'The Cranes Are Flying'. in due altrettanto stupefacenti, seppur meno soddisfacenti dal punto di vista emotivo, il racconto di sopravvivenza nella natura selvaggia 'Letter Never Sent' e rivoluzionario potboiler “; I Am Cuba. ”; -CB

21. 'Black Orpheus ”; (1959)

Marcel Camus ’; 1959 Il vibrante classico (vincitore anche dell'Oscar del 1960 per il miglior film in lingua straniera) si basa vagamente su Orfeo ed Euridice della mitologia greca, con Rio de Janeiro, Brasile, durante la stagione del Carnevale, come sfondo. Orpheu (Breno Mello) si innamora di Eurydice (Marpessa Dawn), e la coppia deve scappare da un sicario vestito come Death (Ademar Da Silva) e la vendicativa fidanzata di Orfeu Mira (Lourdes de Oliveira) in questa magica tragedia realista. Il film presenta una partitura musicale di samba di Luiz Bonfa e Antonio Carlos Jobim. La sua notevole colonna sonora è attribuita con la sola introduzione della Bossa Nova al resto del mondo. È una versione fresca, colorata, suggestiva e contagiosa di una favola iconica. -PER

20. 'The Go-Between' rdquo; (1971)

'The Go-Between' è uno dei grandi film sulla memoria del regista Joseph Losey e dello sceneggiatore Harold Pinter, adattato dal famoso romanzo di L.P. Hartley, e contenente l'indimenticabile linea di apertura: 'Il passato è un paese straniero; fanno le cose diversamente lì. 'Ambientato nel 1900 in un agosto afoso in una tenuta di campagna della Norfolk, il film viaggia ininterrottamente avanti e indietro nel tempo, 50 anni, raccontando una avvincente storia di rito di passaggio sulla corruzione di innocenza, amore, e bellezza. Il dolce e fantasioso Leo (Dominic Guard) trascorre le vacanze estive con l'amico del collegio Marcus (Richard Gibson), giocando e facendo incantesimi, cercando di inserirsi al di sopra della sua classe. Quindi Leo cade sotto l'incantesimo della bellissima sorella maggiore di Marcus, Marian (Julie Christie), che lo attira ad essere il suo messaggero privato, passando lettere avanti e indietro con il suo amante segreto, il contadino inquilino, Ted (Alan Bates). Ma ciò che inizia come un gioco romantico diventa una maledizione per Leo (con la versione per adulti interpretata da Michael Redgrave). Girato da Gerry Fisher con un senso di opulenza e decadenza, e punteggiato dalla colonna sonora di Michel Legrand (con pianoforti da duello), 'The Go-Between' sopravvive come un'amara valutazione del 20 ° secolo. -BD

19. “; Barton Fink ”; (1991)

'Barton Fink'

L'isterica satira hollywoodiana degli anni '40 dei Coen Brothers vede John Turturro nella sua più grande interpretazione un drammaturgo di Broadway che si trasferisce con riluttanza a Hollywood per lavorare come sceneggiatore. Incaricato di scrivere una sceneggiatura a basso budget sul wrestling, Fink sviluppa un grave blocco dello scrittore ... e iniziano a succedere cose strane. Il tempo passa e la pressione aumenta mentre la vita di Barton gira fuori controllo. Turturro guida un solido cast che comprende anche John Goodman, Judy Davis, Michael Lerner, John Mahoney, Tony Shalhoub, Jon Polito e Steve Buscemi. La suggestiva colonna sonora di Carter Burwell e la splendida cinematografia di Roger Deakins completano il senso surreale della Golden Age di Hollywood che si chiude su se stessa. Il film ha ricevuto tre nomination all'Oscar, tra cui il miglior attore non protagonista per Lerner. Turturro e Joel Coen riceveranno il premio come migliore attore e miglior regista a Cannes, oltre a vincere il Palme. -PER

18. “; The Pianist ”; (2002)

'Il pianista'

Uno dei più grandi - forse i più grandi - film sull'olocausto mai realizzati. Dopo tutto, quanti cineasti del talento di Roman Polanski sono sopravvissuti all'Olocausto? Sebbene rimanga una figura polarizzante per molti a Hollywood, l'emozione e l'umanità in 'Il pianista' sono state sufficienti per sospendere il giudizio di Polanski, se non moralmente, almeno artisticamente. Com'è appropriato che il film debba essere una meditazione sulla natura e la valuta dell'arte e degli artisti in una società moralmente depravata. Ma non sono stati gli sforzi di Polanski da soli a rendere il film così sorprendente; 'The Pianist' ha presentato il talento monumentale del futuro vincitore dell'Oscar Adrien Brody - la figura illustre ha recitato in una performance di carriera come musicista ebreo polacco-polacco Władysław Szpilman. Quando il nome di Polanski è stato annunciato come miglior regista agli Academy Awards del 2002, ha ricevuto una standing ovation in contumacia. Tale è il potere di 'Il pianista'. -JD

the walking dead stagione 1 episodio 4

17. “; Love ”; (2012)

Michael Haneke dà appunti a Emmanuelle Riva e Jean-Louis Trintignant
sul set di 'Amour' (2012)

Wega Film / Kobal / REX / Shutterstock

L'autore austriaco Michael Haneke ha sempre saputo affrontare la tragedia, ma il vincitore Palme del 2012 ha aperto ancora più spazi nel suo particolare marchio di bella, martellante sofferenza. Giustamente definita una tragedia romantica, 'rdquo; il film riprende con la metà della coppia centrale del film già morta, quindi lavora all'indietro per farci capire perché è successo (e perché quel finale potrebbe non essere una tragedia totale). Sottolineato da leggende cinematografiche in buona fede Jean-Louis Trintignant ed Emmanuelle Riva (con Isabelle Huppert, la normale figlia di Haneke, come loro figlia adulta), 'Amour'. è una storia d'amore con i suoi ritmi distintivi, e inizia quando le ruote si sono staccate, il fiore è fuori dalla rosa e tutto il lustro è sparito. Cosa rimane allora? Haneke e le sue stelle lavorano verso un'inevitabile, straziante fine (e, beh, anche un inizio) e si sforzano di dargli tutte le sfumature che un'unione lunga decenni può eventualmente contenere. La puntura è profonda, ma è anche quella che è stata guadagnata e onesta, una tragedia resa terribilmente personale. to-

16. “; Blowup ”; (1967)

Il thriller misterioso di Michelangelo Antonioni “Blowup” ha ottenuto il massimo dei voti al 20 ° Festival di Cannes nel 1967 e ha continuato a ispirare classici come “The Conversation” di Coppola e “Blow Out” di De Palma. David Hemmings interpreta un fotografo di moda londinese che può o potrebbe non aver catturato un omicidio in un film, la cui risposta porta a un'ossessione oscura. La direzione di Antonioni scava sotto la superficie dell'ambientazione controculturale e del talento visivo del film per creare una dichiarazione sulla relazione dell'artista con l'arte e sui flussi e riflussi di soddisfazione e isolamento che ne derivano. Il risultato finale è una delle grandi meditazioni sull'arte del cinema, ma travestito da thriller misterioso. grassi poliossietilene

15. 'Zio Boonmee che può ricordare la sua vita passata' (2010)

'Zio Boonmee che può ricordare le sue vite passate'

Mostra A quando si tratta di 'motivi per essere entusiasti e credere ancora nel cinema nel 21 ° secolo' è Apichatpong Weerasethakul. I suoi film non sono solo ambienti avvolgenti, sono radicalmente empatici, cibo d'avanguardia e comfort: potresti fare di peggio che realizzare uno dei tuoi schermi televisivi a casa dedicati a riprodurre la filmografia di Weerasethakul su un loop. In realtà uno qualsiasi dei suoi film è Palme d'onore o degno ed è difficile capire perché lo zio Boonmee abbia detto. è più di “; Tropical Malady ”; o “; Sindromi e un secolo ”; o “; Cemetery of Splendor ” ;: & zio Boonmee ”; porta sicuramente molti dei tratti distintivi di questi altri: un sound design così coinvolgente che sembra risvegliare i tuoi sensi, rappresentazione delle cure mediche, mescolanza di iperrealismo e surrealismo, uno sforzo determinato per stimolare l'attività delle onde delta e theta nel tuo cervello. Quest'ultima parte non è uno scherzo: credendo che lo cinema sia simile a uno stato di sonno e di sogno, Weerasethakul ha effettivamente sperimentato esperienze teatrali in cui le persone si sdraiano in culle mentre guardano uno dei suoi film e sono incoraggiate ad andare a dormire. & zio Boonmee & zio ”; potrebbe essere quello che più si sente come una coperta di sicurezza, nella sua rappresentazione di un uomo anziano con insufficienza renale che viene rivisitato dai fantasmi dei suoi cari perduti. Persino una linea di lancio quando parla della sua dialisi e dice: 'Questo è karma perché ho ucciso troppi comunisti e hellip; e tanti bug nella fattoria ”; non puoi sminuire il tuo vero affetto per lui. La vita è piena di orrori. Ecco film che rendono la vita migliore. -CB

14. “; Parigi, Texas ”; (1984)

'Parigi, Texas'

Harry Dean Stanton che vaga nel deserto del Texas occidentale. Un maglione rosa, abbastanza sfocato da afferrare qualunque cosa passi. Ry Cooder, sbattendo la sua chitarra slide, intere vite che riverberano tra ogni nota. Una vita di home video girati su una fotocamera Super 8. Nastassja Kinski fissa il suo riflesso in uno specchio unidirezionale e ascolta la voce familiare dall'altra parte mentre le racconta una storia su 'queste due persone'. una volta lo sapeva.

Wim Wenders ’; “; Parigi, Texas ”; che stava in piedi sopra gli altri film in Concorso a Cannes nel 1984, è uno di quei film che si nascondono nel tuo corpo da diverse direzioni contemporaneamente, e poi iniziano a raccogliersi in fondo alla tua mente come la sabbia in una clessidra. Morbido e impenetrabile allo stesso tempo, questo dramma semi-mistico (o è un western completamente moderno?) Inizia con un uomo che esce dal passato, ricongiungendosi con il giovane figlio che ha lasciato alle spalle, e quindi rintracciare la bella donna con che una volta viveva “; in un luogo senza linguaggio o strade, ”; e costruito un paradiso che non è mai stato così forte come i ricordi sepolti nelle sue rovine.

Una storia di irrequietezza, di vagabondaggi, di demoni privati ​​e di sogni condivisi, e della promessa e dei tradimenti della distesa americana, questo vincitore di Palme è un inno singolare a tutto ciò che abbiamo perso ma che non possiamo lasciare indietro. È anche un documento di diversi importanti artisti che si uniscono per completarsi a vicenda, da Wenders. regia trascendente, alla polverosa macchina fotografica di Robby Müller, L.M. Kit Carson e Sam Shepard, sceneggiatura di riserva e poetica, al ruolo che Stanton è nato per interpretare. Nessuna mappa dei più grandi film del 20 ° secolo è completa di un perno a Parigi, in Texas. ”; -DE

13. “; Wild at Heart ”; (1990)

Il team di 'Wild at Heart' a Cannes nel 1990

Alan Davidson / Silverhub / REX / Shutterstock

Adorato e fischiato a Cannes durante la sua premiere del 1990, il tanto perverso ed esilarante 'Wild At Heart' segna finora l'unica vittoria di Palme d'Or o della carriera di David Lynch. La sceneggiatura abbina una Nicolas Cage esagerata e una lussuriosa Laura Dern mentre due amanti sfuggono al passato in un viaggio contorto in un cuore dell'America diventato infernale. Lynch si dimostra un maestro dei turni tonali qui, bilanciando senza sforzo l'eccitazione esagerata con i brividi psicosessuali che riescono a rovesciare il sottogenere degli amanti in fuga e parlare con un'America in caduta libera. 'Wild At Heart' è un film senza paura in ogni senso della parola. grassi poliossietilene

12. '4 mesi, 3 settimane e 2 giorni' (2007)

'4 mesi, 3 settimane e 2 giorni'

Dice molto che '4 mesi, 3 settimane e 2 giorni' hanno vinto la Palma d'oro lo stesso anno in cui 'Nessun paese per vecchi', 'Zodiaco', 'Secret Sunshine', 'Silent Light' e 'The Diving Bell and the Butterfly ”è stato presentato in anteprima a Cannes e nessuno si è lamentato. Lo sguardo devastante di Cristian Mungiu sull'aborto nel suo paese d'origine ha annunciato la New Wave rumena al mondo in un modo che nemmeno 'La morte del signor Lăzărescu' o '12:08 ad est di Bucarest', mostrando i molti modi in cui il regno opprimente di Nicolae Ceaușescu continuò a risuonare quasi due decenni dopo la morte del dittatore. Il suo trionfo a Cannes è stato particolarmente importante dato il suo clamore da Oscar, che punge ancora più di un decennio dopo. -MN

11. 'La conversazione'. (1974)

Gene Hackman in 'The Conversation' (1974)

Moviestore / REX / Shutterstock

Francis Ford Coppola non ha mai voluto rendere la vita facile per se stesso. Dopo il più grande successo della sua carriera in 'Il padrino', rdquo; che ha battuto i record al botteghino, ha vinto l'Oscar per il miglior film e, beh, è ​​diventato subito uno dei film più amati di tutti i tempi, avrebbe potuto semplicemente riposare sugli allori e preparare 'The Godfather Part II'. Invece ha guadagnato un altro alloro - un alloro letterale in Palme d'or - per uno dei traguardi cinematografici più impegnativi della sua carriera e un mezzo eccitante per sfidare il cinema americano a provare nuove cose. “; La conversazione ”; è un'immersione profonda autocosciente in una ricerca ossessiva di significato incarnata da un detective privato di nome Harry Caul (Gene Hackman), che pensa che un ricco uomo d'affari (Harrison Ford) pianifichi l'omicidio di sua moglie (Cindy Williams) e del suo amante a causa di uno strappo della loro conversazione, ha registrato: 'Ci ucciderebbe se avesse la possibilità.' Ma cosa significa in realtà quella singola frase? E come cambierebbe questo significato a seconda dell'intonazione e del contesto? Pensa “; Blow-Up, ”; ma reso anche un ritratto inarrestabile di solitudine: questo è uno dei personaggi più remoti e inconoscibili di Hackman. Popeye Doyle sembra caldo e sfocato rispetto a Harry Caul. -CB

10. 'Taccheggiatori' rdquo; (2018)

“taccheggiatori”

Non è solo stare seduti attraverso il tempo di due ore per lo più delizioso, a volte straziante di 'Taccheggiatori' sembra far parte di una famiglia che è completamente estranea alla maggior parte delle persone, ma grazie al calore dei personaggi e all'intimità di Il cinema di Hirokazu Kore-eda, ti senti completamente a casa. Accattivante dal primo fotogramma all'ultimo, il vincitore della Palme di Kore-eda intreccia sapientemente un dramma familiare commovente, quindi scosta furtivamente i suoi fili fino a quando il tappeto non viene appena estratto da sotto di te - è completamente disintegrato. Ogni personaggio adulto contiene nodi di contraddizioni, il loro fascino li rende infinitamente irresistibili anche dopo che le loro verità sconvenienti sono state rivelate. Gli attori, sia bambini che adulti, si sfidano più come un ensemble teatrale che un cast cinematografico, e la loro naturale facilità e chimica fondano la storia stravagante. Come i suoi personaggi, 'Taccheggiatori' è un grande film - in termini di portata, ambizione e cuore - che eccelle nel rendere piccoli momenti indescrivibili come solo l'arte grande può fare. -JD

9. “;Padre Padrone”; (1977)

Questa potrebbe essere stata l'ennesima storia dolorosa di un'orribile infanzia di un giovane e della sua trionfale trascendenza nella prima età adulta: 'Padre Padrone'. è basato sulla storia del celebre linguista Gavino Ledda di crescere come un pastore in Sardegna e dell'orrendo trattamento che subisce per mano del suo tirannico padre - Ledda è stato anche analfabeta fino a quasi 20 anni prima di imbarcarsi in un famoso mondo carriera accademica. Ma nelle mani di Paolo e Vittorio Taviani, questa storia diventa qualcosa di molto di più: lungi dall'essere solo un crogiolarsi nel miserabilismo, 'Padre Padrone'. diventa una delle storie di età più surreale e singolare mai filmate - a un certo punto una delle capre che il giovane Gavino continua a provare a mungere si rivolge direttamente a Gavino direttamente nella narrazione di voiceover. Sì, la capra è un narratore - uno dei tanti in questa storia prismatica che ottiene meta dall'inizio e alla fine diventa tanto quanto la natura della narrazione. Le prime scene del giovane Gavino, appena ritirate da scuola, e durante un lungo soggiorno con il gregge di suo padre sembrano come se potessero essere ambientate su un altro pianeta. È una delle visioni più alla Jodorowski mai prodotte da qualcuno diverso da Jodorowski. -CB

8. “; The Umbrellas of Cherbourg ”; (1964)

“Ombrelli di Cherbourg”

Uno dei migliori e più influenti musical mai realizzati, la gioia cantata da Jacques Demy non ebbe solo successo a Cannes, ma ricevette anche cinque nomination agli Oscar, tre delle quali per la sua musica. Il degno e riverito compositore Michel Legrand ha messo insieme un arazzo in tre parti per i personaggi di Catherine Deneuve e Nino Castelnuovo da cantare, e sebbene 'I Will Wait for You' rimanga la canzone più conosciuta, non è certo il lombrico. Un dramma romantico per i secoli, 'The Umbrellas of Cherbourg' ha anche la rara distinzione di essere un piacere visivo tanto quanto musicale. -MN

7. “; Pulp Fiction ”; (1994)

'Pulp Fiction'

Miramax

Ecco, molti anni dopo, anche i fan più esigenti di Quentin Tarantino non riescono a discutere di chiamare il suo vincitore di Palme d'Or il suo miglior film. Nel bene e nel male, ci sono pochi film in questo elenco culturalmente rilevanti come 'Pulp Fiction' - echi di 'Zed’s dead, baby' e che la famosa scena della danza si diffonderà per sempre nella cultura pop. Inserito tra 'Reservoir Dogs' e 'Jackie Brown', 'Pulp Fiction' ha stabilito Tarantino come il regista postmoderno per eccellenza, in grado di trasformare un vertiginoso omaggio riempito con innumerevoli riferimenti cinematografici in un parafulmine ferocemente originale di un film che avrebbe cambiato per sempre il film indipendente . Quando pensi a quante regole Tarantino ha infranto per creare 'Pulp Fiction', è una meraviglia che abbia conquistato lo stabilimento a Cannes. -JD

6. “; Kagemusha ”; (1980)

Akira Kurosawa ha realizzato due dei suoi più grandi successi cinematografici nel crepuscolo della sua carriera, ed entrambi sono stati il ​​tipo di epiche costose e ambiziose che molti registi trascorrono la loro vita combattendo per fare. Con “; Kagemusha ”; e “; Ran, ”; Kurosawa è riuscito a consegnare un paio di capolavori storici sulla sanguinosa storia del Giappone di regni in guerra e leader appassionati. Calcio d'inizio del 1980 con “; Kagemusha, ”; Kurosawa ha vinto la sua prima Palma d'oro, o quando molti cineasti potrebbero essersi accontentati di un premio alla carriera (ha vinto uno di questi, un Oscar, 10 anni dopo). Quella sola vittoria (che è stata in parte grazie al super fan di Kurosawa George Lucas, che ha aiutato il progetto a garantire il supporto dello studio americano) rende questo un vincitore per i secoli. Ma “; Kagemusha ”; è diventato solo più ricco con il tempo. Il vivido dramma del regista riguarda la storia di un ladro ribelle consegnato a lavorare come esca per un signore malato (Tatsuya Nakadai, in entrambi i ruoli) per nascondere la sua malattia; quando il leader muore, il suo doppio è costretto a mantenere le apparenze, sia per il clan stesso che per le fazioni in guerra. Alla fine, il “; kagemusha ”; (un esca politico) si assesta nella sua illusione di potere con conseguenze devastanti. Il film diventa un'affascinante meditazione sulla disperazione di un popolo in dissolvenza che lotta per mantenere le apparenze mentre il Giappone consolidava il suo potere sul campo di battaglia. La resa dei conti climatica - una ricreazione tentacolare della Battaglia di Nagashino, quando migliaia di vite furono perse - è un capolavoro di finezza narrativa: Kurosawa destreggia i movimenti di enormi eserciti in tandem con le reazioni di un singolo spettatore sconcertato mentre lotta con il l'orrore della guerra e la puntura ideologica della sconfitta. Questo è un film personale scritto in grande misura, e un risultato visionario di un regista che incanala i suoi decenni di successi in ogni fotogramma. -Una

5. “; Apocalypse Now ”; (1979)

'Apocalisse ora'

Zoetrope / United Artists / Kobal / REX / Shutterstock

'Questa è la fine', grida Jim Morrison di The Doors mentre i colpi di fuoco illuminano una fila di alberi in Vietnam. Inondato di sudore, il Capitano Willard (Martin Sheen), ufficiale delle operazioni speciali dell'esercito, fuma a letto, fissando un ventilatore a soffitto prima di intraprendere un surreale viaggio in barca infuso di stupefacenti lungo il fiume dal Vietnam del Sud fino alla Cambogia per trovare il colonnello ribelle Kurtz (Marlon Brando ). Liberamente adattato da Coppola e John Milius da 'Heart of Darkness' di Joseph Conrad, 'Apocalypse Now' vanta così tanti momenti iconici che è difficile ricordare che ci si aspettava che fosse un disastro completo. 'Adoro l'odore del napalm al mattino', intona il surfista a torso nudo colonnello Kilgore (Robert Duvall). Gli elicotteri volano in formazione sul mare, accompagnati da 'Ride of the Valkyries' di Wagner. Dopo anni di ritardi nelle Filippine, tra cui l'infarto di Sheen e set distrutti dai tifoni (raccontato da Eleanor Coppola in 'Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse' ), Francis Ford Coppola ha proiettato 'Apocalypse Now' come un lavoro in corso di tre ore a Cannes, dove l'accoglienza è stata sufficiente a dare al regista assediato un po 'di fiducia per finire il suo taglio in modo che United Artists potesse rilasciarlo ad agosto, con lo stato suono surround all'avanguardia, quando è stato un successo. (La nuova versione 'finale' di Dolby Atmos 4K di Coppola è appena stata proiettata al Tribeca Film Festival.) Il film è stato assegnato al primo premio con 'The Tin Drum' e ha battuto 'Norma Rae' e 'Days of Heaven'. Ora è ampiamente diffuso considerato uno dei migliori film mai realizzati. -A

4. & Virdiana Viridiana ”; (1961)

Quando un film vince la Palma d'oro, viene bandito nel suo paese d'origine e viene denunciato dal Vaticano, deve fare qualcosa di giusto. È il caso del capolavoro di Luis Buñuel del 1961, che oggi non si sente meno audace di quanto non abbia dovuto avere circa 60 anni fa. Il maestro surrealista qui rivolge la sua attenzione a un noviziato il cui piano per prendere i voti è complicato da un invito a visitare suo zio - un uomo che vede in sua nipote una somiglianza con la sua cara defunta moglie. Ciò che segue è scandaloso, ovviamente, e rappresentato con il tipo di arguzia e padronanza da cui Buñuel ha fatto carriera. Per quanto riguarda le sue intenzioni, il cineasta l'ha detto come solo lui poteva: 'Non ho deliberatamente deciso di essere blasfemo, ma poi Papa Giovanni XXIII è un giudice migliore di queste cose di me.' -MN

3. “;La Dolce Vita”; (1960)

Fellini con la Palma d'oro

Wehrle / AP / REX / Shutterstock

Forse il definitivo pubblico di Cannes, l'opera magnum di Federico Fellini è una storia lussureggiante sulla ricerca dell'omonima dolce vita nel corso di soli sette giorni a Roma. Il film di Fellini non è stato solo un successo enorme, uno che ha solo sigillato il suo posto come uno dei più grandi cineasti del cinema, ma un film che ha dato al mondo una moda audace, intelligenti nuovi detti e parole (ciao, paparazzi, rdquo ;!) e alcune domande esistenziali incredibilmente ricche da masticare. Come giornalista di celebrità Marcello Rubini, Marcello Mastroianni è, è stato e sarà sempre un uomo sorprendentemente moderno, e le domande che affronta mentre si diverte a Roma - come, vuole solo divertirsi o se gli interessa davvero fare qualcosa di significativo con la sua vita? - sono senza tempo. Ma questo non significa che non può essere tutto divertente da guardare, e mentre il vincitore di Fellini non lascia libero il suo pubblico quando si tratta di pensare alle vere viscere della vita, lo fa con così tanto stile e scatto che quasi (quasi!) dimentichi quello che ti sta davvero chiedendo. to-

2. 'The Leopard'. (1963)

'Il leopardo'

Sotto i rigogliosi simboli del vincitore del 1963 di Luchino Visconti batte il cuore del più tragico dei drammi personali e politici. Adattato dal romanzo omonimo di Giuseppe Tomasi di Lampedusa, l'epopea italiana segue i giorni calanti dell'aristocrazia siciliana attraverso gli occhi dell'omonimo leopardo stesso (don Fabrizio Corbera (interpretato da Burt Lancaster in uno dei suoi migliori ruoli, anche se il suo casting era controverso in quel momento). Il film presenta due lunghe sequenze sbalorditive che da sole avrebbero segnato il film come un capolavoro e un coronamento per Visconti: una scena di battaglia di 25 minuti che non lesina l'orrore e una sequenza da ballo di 45 minuti che spezza il cuore che vede Don Fabrizio pedalare attraverso quasi ogni emozione, ogni pensiero, ogni movimento con elettrizzante destrezza emotiva. È un film sull'inevitabile passare del tempo, ma nulla su di esso sembra (anche adesso!) Rote o dal libro. Il primo taglio di Visconti ha spinto un tempo di funzionamento di 205 minuti - nessuna sorpresa, considerando quelle splendide sequenze lunghe - ed è stato ridotto a 195 minuti per Cannes, quindi 185 minuti per un'uscita italiana, con la versione soprannominata in inglese che registrava 161 minuti . Tuttavia, è un film che richiede di essere visto per intero, perché chi potrebbe forse sapere meglio che ogni minuto conta di Don Fabrizio Corbera stesso? to-

1. 'Taxi Driver' rdquo; (1976)

'Tassista'

Columbia Pictures

Fellow Palme d ’; O il vincitore Quentin Tarantino una volta chiamava 'Taxi Driver' rdquo; il più grande studio sui personaggi in prima persona mai dedicato al cinema e non siamo qui per non essere d'accordo. Ciò che è stato così straordinario in questo periodo della carriera di Scorsese è che poteva guardare uno psicopatico razzista come Travis Bickle (Robert Deniro) esattamente negli occhi, non scusare, né lucidare nessuna delle sue verruche, ma invitarci al cinema nel suo mondo in un modo che ci ha fatto capire. Le immagini allucinatorie di Scorsese mescolate con lo sceneggiatore Paul Schrader e la voce fuori campo e il compositore Bernard Hermann creano una visione da incubo di New York 1976 che è così piena di esuberanza filmica che è tanto esaltante quanto terrificante.

Nella vera forma di Paul Schrader, il film ci prepara ad affrontare la violenza e la follia in un modo scomodo, sanguinante e stridente alla fine. È un finale controverso, il tipo che guida la conversazione nei circoli dei cinefili e respinge gli spettatori nelle orde. Eppure, oltre 40 anni dopo, questo ritratto contorto e cupo di uno psicopatico non è solo una gemma della Criterion Collection, ma un classico del film americano, citato ('Stai parlando con me?') E riproposto come se fosse 'Jaws ”; Jaws ”; Jaws ”; ; o “; il padrino. ”; Nella storia del cinema non esiste un'immagine che contenga qualcosa di simile al patrimonio immobiliare occupato da 'Taxi Driver'. -CO



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