Dai migliori ai peggiori: classifica dei film Pixar

Questo fine settimana PixarL'ultima meraviglia digitale 'Università dei mostri, 'Ruggisce nei cinema (puoi leggere la nostra recensione qui). Pochi studi possono rivendicare il tipo di qualità che spesso Pixar fa - per un po 'lì è stato lo studio più amato dalla critica e dal punto di vista commerciale nella storia del cinema (anche se non sono privi di difetti; leggi il nostro controverso Le 5 cose peggiori di Pixar caratteristica). E per una buona ragione. Sembrava che anno dopo anno avrebbero commesso un nuovo classico, una gioia infinitamente ri-guardabile piena di personaggi che saranno amati dai bambini di tutto il mondo per i decenni a venire. In effetti, la quantità di eccellenza ha reso la classificazione dei film una proposta sfocata e onerosa. Ma con il senno di poi (e dopo un paio di scadenti conversioni 3D), diventa più chiaro quali film sono davvero più speciali di altri. Questo è ciò che abbiamo tentato di fare, con la nostra retrospettiva Pixar peggiore.

Inutile dire che alcune di queste classifiche rappresentano una superiorità frazionaria dell'una rispetto all'altra e che questa lista era davvero difficile da creare e organizzare. Va da sé che senza dubbio farà incazzare molte persone, quindi ti invitiamo a rispondere nella sezione commenti qui sotto.

14. 'Auto 2'(2011)
C'è una ragione per cui 'Cars 2' è l'unico film della Pixar a non essere nominato per il premio per il miglior film d'animazione (dall'inizio della categoria). Apparentemente alimentato più dal bisogno commerciale che dalla necessità creativa, questo sequel delle amabili e affascinanti 'Auto' nega totalmente il messaggio del film secondo cui la vita vale la pena vivere solo se rallenti di tanto in tanto, invece offrendo brividi senza sosta e scenografie vertiginose che sono appeso vagamente nel garage di una parodia del film di spionaggio. Sorprendentemente, il regista originale di 'Cars' John Lasseter, che è stato introdotto dopo il direttore iniziale Brad Lewis non è stato in grado di tagliarlo (durante un periodo incredibilmente difficile per Lasseter, personalmente, in coincidenza con la morte di suo padre), ha deciso di spostare l'attenzione della storia lontano dalla macchina da corsa fulmineo Saetta McQueen (Owen Wilson) e invece ha costruito il film attorno al suo braccio destro del rimorchio Tow Mater (Larry the Cable Guy). Mater si ritrova scambiato per un agente segreto, in un complotto di spionaggio che coinvolge spionaggio internazionale e una fonte di combustibile alternativa potenzialmente mortale. L'intera cosa è una follia senza sosta che non ha mai molto senso, tranne per il fatto freddamente cinico che apre l'universo delle 'Auto' per includere barche e aerei, maturi per sequel e spin-off propri (due 'piani'I film sono già stati programmati). Ha contribuito a ispirare uno dei più grandi successi non cinematografici dello studio, però: la sezione Carsland del parco a tema Disney California Adventure.



13. “Macchine'(2006)
La bassa classifica delle prime 'Auto' suggerisce che il film, come molti hanno affermato, è decisamente terribile; il primo brutto film Pixar. Non è. Ma gli altri film sono molto, molto meglio e 'Cars' (almeno all'epoca) sembrava una delusione. Ambientato in un mondo in cui i veicoli antropomorfi si guidano da soli, vede Owen Wilson come un'auto da corsa egotistica che viene messa da parte nella città addormentata di Radiator Springs, una reliquia della Route 66 giorni, dove è costretto a imparare l'umiltà grazie alla sua amicizia con un drogato camion di rimorchio (Larry the Cable Guy) e un ex avvincente auto da corsa diventato medico (appassionato di corse nella vita reale) Paul Newman, in una delle sue esibizioni finali). La divinità della Pixar Lasseter disse che voleva catturare parte dell'anima del suo idolo Hayao Miyazaki nell'approccio più rilassato a 'Auto' e in quell'aspetto riesce almeno in parte. Ci sono una manciata di momenti tranquilli e senza fretta che si collocano tra i migliori nell'opera Pixar, ma spesso le due metà del film si sentono diametralmente opposte e quando si incontrano si scontrano violentemente anziché senza soluzione di continuità. Le sequenze di corse, tuttavia, sono davvero emozionanti e ci sono una manciata di meravigliose esibizioni vocali (tra cui: George Carlin come un autobus hippie VW e Michael Keaton come un malvagio veicolo da corsa). Pur non essendo un grande successo nella sua versione iniziale, ha venduto una quantità oscena di merce, il che spiega il sequel e gli spin-off in corso (ironico dal momento che era il film Pixar finale prodotto indipendentemente prima che fosse inghiottito dalla Disney). Se 'Cars' fosse tanto intelligente quanto sincero, sarebbe uno dei classici, invece, è un simpatico quasi signorile.

12. “Coraggioso'(2012)
Doveva essere quello che metteva le cose a posto: dopo che ripetute critiche erano (giustamente) rivolte contro lo studio per quello che molti percepivano come un vero sessismo nei suoi film, Pixar ha assunto una meravigliosa regista (Brenda Chapman) e ha iniziato lo sviluppo di ciò che era noto come 'L'orso e l'arco. ”Successivamente, il titolo è stato cambiato in“ Brave ”e, poco più tardi, Chapman è stato rimosso senza tante cerimonie sia dal film che dallo studio. (Quando il film in seguito ha vinto un Oscar per il miglior film d'animazione, avrebbe accettato il premio con il suo sostituto, Mark Andrews. La quantità di orgoglio che deve essere stata ingoiata quella notte ...) Con Chapman sparito, molta dell'umore del film (inclusa la sua impostazione invernale) è stato scambiato per più tradizionale, quello che alcuni affermerebbero essere più apertamente 'Disney' momenti di allegria solare. Il sentimento, che una principessa (interpretata da Kelly Macdonald) può scegliere il proprio destino invece di essere messo all'asta da un principe perdente, è un messaggio potente e il più vicino qualsiasi film Pixar è arrivato a essere considerato un lavoro 'femminista' (c'è un angolo femminista rispetto a un altro film Pixar, ma, in le parole di Mr. Incredible, ci arriveremo quando ci arriveremo). Il problema è che il film è goffo, con una narrazione che, invece di consentire alla principessa di diventare davvero la sua persona, la sella con uno scenario di film di amici onerosi in cui sua madre (Emma Thompson) viene accidentalmente trasformato in un orso. Non ha mai avuto il permesso di essere la donna che dovrebbe diventare da quando fa da babysitter alla sua mamma orso. È un freno.

sei la recensione peggiore

11. “Università dei mostri'(2013)
Un film che si sente già immediatamente sottovalutato, questo prequel ambientato al college per l'amato 'Monsters Inc.'(Ne parleremo più avanti tra un minuto) ci mostra com'era quando Mike (Billy Crystal) e Sulley (John Goodman) non erano i migliori amici ma erano, in effetti, nemici mortali. Il film utilizza 'Animal House' e 'Midnight Madness'Come modello, con i due mostri costretti in una confraternita perdente (Oozma Kappa) in modo che possano competere in una serie di giochi greci. Tematicamente stanno succedendo molte cose, con il principio del film che riguarda il fatto che, sebbene tu possa desiderare, sognare e sperare contro la speranza, potresti non realizzare ciò che vuoi nella vita. È una specie di messaggio abrasivo per un film per bambini, in particolare uno pieno di mostri color caramella che sembrano Muppet con le zanne confuse. Crystal e Goodman tornano con facilità ai loro ruoli, e il film indaga le dinamiche dell'amicizia eterosessuale con sorprendentemente sottigliezza. Oh, ed è anche incredibilmente divertente. I critici hanno già iniziato a respingere 'Monsters University' come un seguito disuguale, ma per bizzarra inventiva comica, si colloca comodamente accanto all'originale. (Dove impallidisce il confronto è nella cruda emotività del primo film; anche se ci sono alcuni momenti strazianti anche in questo.) Potrebbe non essere un sequel che qualcuno stava chiedendo, ma siamo sicuri che sia qui.

10. “Vita da insetto'(1998)
Prendendo in prestito il suo modello da 'I sette samurai, 'Questo avventuroso seguito al cambio di paradigma'Toy Story'È una rivisitazione a grande schermo della cavalletta e della favola della formica. Tranne che questa volta la formica è un inventore nevrotico (Dave Foley) e la cavalletta è il leader di un gioco spietato per motociclisti (Kevin Spacey). Quando la formica va via nella grande città per reclutare guerrieri per combattere le cavallette malvagie, finisce per assumere un gruppo di artisti circensi (tra cui David Hyde Pierce, Madeline Kahn, Jonathan Harris e Denis Leary). Il team Pixar era ancora relativamente piccolo quando 'A Bug’s Life' fu completato, e gran parte del team creativo (incluso il regista John Lasseter) passò direttamente da 'Toy Story' a 'A Bug’s Life'. Non che questo tipo di affaticamento mostri. Semmai, rende il film, con dozzine di personaggi principali e sequenze di folla espansive, ancora più impressionante. (Notoriamente, Pixar ha ri-inquadrato le complesse sequenze di folla per il video home full frame, qualcosa che ora sembra un'incredibile perdita di tempo.) 'A Bug's Life' è colorato e spesso piuttosto divertente (ha introdotto la sequenza di credito 'bloopers' sarebbe diventato un pilastro dei film Pixar per un po '), ma manca di risonanza emotiva. Più un risultato tecnico smagliante che un tour de force narrativo, tuttavia ha dimostrato che la caratteristica animata al computer, più abile nella realizzazione di strutture geometricamente perfette, potrebbe catturare gli spazi aperti in modo naturalistico.

9. “Toy Story 2'(1999)
Uno dei rari sequel altrettanto buono dell'originale, 'Toy Story 2' è nato come un sequel diretto al video che lo studio stava producendo in basso. Quando John Lasseter e i dirigenti della Disney videro la qualità della storia, decisero che poteva essere un'uscita teatrale, e Lasseter intervenne per revisionare in modo massiccio il film in poco più di un anno, cosa inaudita per un film d'animazione, specialmente un computer film d'animazione (questo era ancora durante l'infanzia della tecnologia). “Toy Story 3'Ha approfondito la' mitologia 'del film originale esplorando le origini di Woody - come un legame di grande valore per un perduto'Salve Doody“Tipo di programma televisivo, e ha introdotto un secondo Buzz Lightyear (ancora Tim Allen), che era tanto delirante quanto Buzz nel primo film. Il sequel si è avvicinato piuttosto all'originale da un punto di vista strutturale (con un ossessivo collezionista di giocattoli che sostituisce il bambino abusivo della porta accanto e un elaborato inseguimento in passerella che sostituisce il commovente inseguimento del primo film), ma ha offerto alcuni bei nuovi svolazzi, il la migliore delle quali è l'introduzione della cowgirl Jesse (Joan Cusack) personaggio, il cui tragico retroscena rende commovente, Sarah McLachlaninterludio musicale cantato. Molti elementi del sequel, tra cui la fantastica apertura del mondo dei videogiochi e i temi più adulti di perdita e memoria, verrebbero ampliati e perfezionati nel film seguente. Ma all'epoca, 'Toy Story 2' era il più vicino possibile a un seguito senza pari come avresti potuto chiedere - visivamente, tematicamente ed emotivamente ricco.

8. “Toy Story'(1995)
Quello che ha dato il via a tutto, 'Toy Story' è stata la rara combinazione di innovazione tecnologica e abilità narrativa. Il film, che non possiamo dimenticare, non era solo il primo lungometraggio Pixar, ma anche il primo lungometraggio interamente generato dal computer (mai), era in parte basato su un cortometraggio che Lasseter aveva diretto chiamato 'Giocattolo di latta'Che immaginava quali ricchi oggetti di vita interna i giocattoli dovevano avere quando i loro proprietari non c'erano. Da ciò è nata la creazione di Woody (Hanks), una bambola da cowboy e il giocattolo preferito di Andy … Questo fino a quando Andy non avrà un nuovissimo giocattolo high-tech sotto forma di Buzz Lightyear (Allen) per il suo compleanno. Improvvisamente Woody si sente inadeguato e obsoleto. In un impeto di gelosia cerca di spingere Buzz fuori dal quadro (letteralmente), il che lo porta anche ad essere abbandonato. Il film, nel suo cuore, è un classico film amico sulla scia di '48 ore' o 'Midnight Run', Il che è stato piuttosto scioccante dato che è stato rilasciato dalla Disney durante l'apice del loro periodo rinascimentale Disney, uno che è stato in gran parte definito da grandi musical in stile Broadway (ci sono canzoni in' Toy Story 'ma sono deformati da Randy Newman e giocato in background, non in primo piano). In un certo senso, 'Toy Story' è una metafora dell'animazione - con Woody che rappresenta l'animazione tradizionale disegnata a mano su cui i creatori di 'Toy Story' sono cresciuti (e continuano ad amare) e Buzz sostituisce le caratteristiche animate del computer che verrebbe a dominare il mercato. Mentre alcune delle immagini sono apertamente semplicistiche per gli standard di oggi, il film continua si muove - e dal punto di vista della narrazione, il film è ancora più impressionante se pensi che i registi dietro al film (oltre a pochi collaboratori esterni come Joss Whedon) non erano tradizionalmente formati nel cinema. Erano ragazzi che scrivevano codice e sviluppavano software. Eppure hanno realizzato una delle caratteristiche animate più esilaranti di tutti i tempi, piena di personaggi che vivranno letteralmente per sempre.

7. 'Alla ricerca di Nemo'(2003)
Al momento della sua uscita, 'Alla ricerca di Nemo' divenne presto la più grande caratteristica animata di tutti i tempi (superata in seguito da una delle 'Shrek'Sequel) ed è facile capire perché - la storia di un pesce pagliaccio di nome Marlin (Albert Brooks) che perde suo figlio dopo anni di essere apertamente cauto e super protettivo - è qualcosa a cui tutti possono relazionarsi (anche i cowboy hanno problemi di papà). E i personaggi sono ben disegnati, dalla dimentica compagna di crimine di Marlin Dory (Ellen DeGeneres) all'equipaggio eterogeneo di pesci che circondano Nemo nell'acquario della sala d'aspetto del dentista (in particolare Willem Defoe). C'è una ragione per cui ci sono attrazioni a tema 'Nemo' Disney's Animal Kingdom, Centro EPCOT, Disney California Adventure e Disneyland parchi a tema e un seguito nelle opere - persone amore questo film. Ma dopo averlo rivisto durante la sua recente conversione in 3D teatrale, ha rivelato che non tutto 'Alla ricerca di Nemo' funziona. La trama divisa in due, divisa tra il viaggio di Marlin e la prigionia di Nemo, spesso rallenta il ritmo del film (a volte quasi striscia); la dinamica Marlin / Dory era troppo familiare all'epoca, quando sembrava che ogni film della Pixar sarebbe stato una variante di un film amico; e il climax extra del film, in cui Nemo viene catturato in una rete (ancora) e deve convincere i pesci catturati in modo simile a nuotare sul fondo dell'oceano in modo che possano scappare tutti, è noioso e tematicamente ridondante. Ce l'abbiamo. Andiamo avanti. Tuttavia, 'Alla ricerca di Nemo' ha un potere innegabile, che può davvero parlare con chiunque. È anche un film Pixar singolarmente bello, con lo stile naturalistico che hanno aperto la strada a 'A Bug's Life' immerso nell'oceano, con relativamente pochi fioramenti stilistici (comparativamente, 'Alla ricerca di Nemo' è stato un film a basso budget perché hanno soffiato così tanto Denaro per ricerca e sviluppo su 'Monsters Inc.'). È solo che, come Dory, è facile dimenticare alcuni dei problemi del film perché è così facile lodare il lavoro nel suo insieme.

recensione orgogliosa Maria

6. 'Monsters Inc. ”(2001)
La Pixar aveva una certa esperienza nella costruzione del mondo quando 'Monsters, Inc.' è stata lanciata nel 2001, ma i mondi che avevano costruito erano microcosmici e facevano parte della nostra stessa realtà. Con 'Monsters, Inc.' hanno creato un universo completamente separato, in cui i mostri coltivano le urla dei bambini per alimentare le loro città moderne, usando un sistema di porte magiche. È un concetto geniale e che si riferisce alle nostre paure infantili del mostro nell'armadio (chi scopre che è solo un dipendente di ciò che equivale a una grande società energetica). C'è una sorta di inventiva sfolgorante in ogni fotogramma di 'Monsters, Inc.', dal design dei personaggi (come Mike con un occhio e il blu, peloso Sulley) al sistema di porte, che ripaga davvero in una mascella il climax in cui i nostri eroi e i cattivi cavalcano le porte attraverso i labirintici canali posteriori della corporazione. È anche una sornione della nostra continua crisi energetica e un amorevole omaggio ai film mostruosi di un tempo (un ristorante popolare nell'universo monster-y è quello di Harryhausen, dal nome del grande pioniere degli effetti recentemente scomparso Ray Harryhausen). Ma la vera ragione per cui 'Monsters, Inc.' funziona così bene è la connessione emotiva forgiata tra il minuscolo umano che si scatena nel mondo dei mostri (che chiamano soprannome Boo) e Sulley, un mostro gigante e temibile il cui compito è spaventare poco i bambini come Boo. Il modo in cui si sviluppa la loro relazione, per lo più senza parole, è una testimonianza della fiducia nello storytelling dello studio. Il modo in cui finisce il film è probabilmente uno dei momenti più potenti che lo studio abbia mai realizzato, uno che è delicato e non forzato. La semplicità e il potere emotivo di 'Monsters, Inc.' è ciò che ha reso un sequel (almeno per un po ') inconcepibile. Ma con un mondo vasto e coinvolgente come quello creato per 'Monsters, Inc.', ci sono senza dubbio molte, molte storie diverse da raccontare.

5. “Toy Story 3'(2010)
Pixar è assolutamente senza paura. Ancora. Considera 'Toy Story 3': è stato il secondo sequel dell'amato originale e (all'epoca) considerato da molti come la conclusione della saga di 'Toy Story' nel suo insieme. Avrebbero potuto insinuarsi nel servizio dei fan, rilanciare con una trama prevedibile che vedeva tutti i vecchi personaggi ricadere nei loro ruoli familiari e guardare arrivare centinaia di milioni di persone. Invece, il regista Lee Unkrich e sceneggiatore Michael Arndt, decise di capovolgere la formula sulla sua testa. Invece di avere Andy sospeso nell'infanzia perpetua, gli hanno fatto invecchiare negli anni tra i film, così che ora andava al college e si lasciava alle spalle i giocattoli. Ciò ha fatto sì che i giocattoli mostrassero un lato diverso di se stessi: meschino, geloso, autocommiserante (praticamente tutte le cose che Woody era nel primo film) mentre si occupavano dell'inevitabile. Invece di farli rimanere a casa per meditare sul loro destino, il team creativo li ha fatti imprigionare in un asilo nido governato da un orsacchiotto spietato di nome Lotso (Ned Beatty). I film precedenti erano stati definiti da una sorta di allegria infallibile, a prescindere dal pericolo, mentre 'Toy Story 3' sviluppava un senso quasi noir-y di illuminazione e colore del film e assunse il tono e la struttura di un film di fuga in prigione, allacciato con elementi di vecchi film horror. Tematicamente, si preoccupava solo della morte, poiché i personaggi si trovavano di fronte a un'eternità che si decomponeva in una discarica (o incenerita, come drammatizza una potente sequenza dell'ultimo atto, completa con le immagini dell'Olocausto) o, come propone Lotso, restando bloccato nell'asilo dove nuovi i bambini possono giocare con te ogni anno, che può essere letto come un'allegoria per il purgatorio o un'elaborata indagine sulla reincarnazione. Merda piuttosto inebriante per un film in cui uno dei personaggi principali è un cane Slinky. Gli ultimi momenti del film, che ha visto Andy passare i suoi amati giocattoli (e i nostri amati personaggi) a una nuova famiglia, sono alcuni dei più toccanti e profondamente commoventi. Uscendo dalla prima proiezione, tutti restarono imbarazzati con gli occhiali 3D, tanto meglio da nascondere le lacrime.

4. 'WALL-E'(2008)
Amato dalla critica (A.O. Scott lo ha definito il suo film preferito del decennio) e deriso dagli esperti di destra (che hanno affermato che il suo messaggio ambientalista permaloso era dannoso per i bambini), “WALL-E” è un film audacemente sperimentale che non attacca del tutto l'atterraggio ma nondimeno sembra una casa d'arte là fuori più di un film per bambini di Hollywood con un budget enorme. Considera la prima metà del film quasi completamente senza parole, in cui un piccolo droide drogato di nome WALL-E (quelli di voi che giocano in casa potrebbero ricordare che WALL-E sta per Wif Allocation Load Lifter, Earth-Class) pulisce ancora una spazzatura completamente deserta, coprì il pianeta terra centinaia di anni dopo che l'ultimo essere umano viveva lì e almeno così tanto tempo da quando l'ultimo robot ha smesso di funzionare. La ragione per cui WALL-E è sopravvissuto è che ha sviluppato una personalità: si nutre attraverso il relitto di soprammobili che porta a casa sua e ha uno scarafaggio domestico che si prende cura di lui. Quando un'astronave atterra nella terra desolata e un nuovo elegante robot chiamato EVE (Extraterrestrial Vegetation Evaluator), WALL-E viene colpito. Quando scopre che ha una pianta viva tra i suoi souvenir, viene richiamata su una nave da crociera galleggiante chiamata Axiom, che esplode di vita robotica ma in cui gli umani si sono trasformati in macchie gelatinose. Mentre su Axiom, WALL-E scopre una cospirazione e 'riavvia' l'umanità. Si innamora anche lui. Ci sono momenti di pura trascendenza in “WALL-E”, come la danza spaziale che lui ed EVE svolgono al di fuori dell'Assioma, e il film è probabilmente il più difficile, in termini di satira, di tutti i film Pixar (co-sceneggiatore Jim Reardon era un 'Simpsons'Bigwig per molti anni e in molti modi il film sembra un episodio davvero costoso di'Futurama“). È anche incredibilmente strano: dalla prima metà senza parole al fatto che questo è un film in cui gli attori della vita reale appaiono accanto alle loro controparti CGI (principalmente da Fred Willard come capo della società Buy-N-Large) a tutti i 'Ciao Dolly'Riferimenti e la tristezza generale in termini di tono, questo è un film gonzo, volgare. La storia, tuttavia, avrebbe potuto ancora usare un po 'di tensione (se questa cospirazione robotica super vecchia per mantenere le persone dalla terra fosse in effetti perché mandare EVE laggiù?), Il fatto che fossero così infernali disposti ad assegnare caratteristiche binarie di genere a i robot senza sesso sembrano sciocchi e va da sé che la prima metà senza parole rende la seconda metà caotica meno potente.

3. 'Su'(2009)
Per molti aspetti 'Up' è altrettanto strano (se non più strano) di 'WALL-E', ma con una storia più controllata e ricoperta da uno strato di dolce surrealismo. In 'Up' un vecchio di nome Carl Fredricksen (Ed Asner) si sta ancora riprendendo dalla morte dell'amore della sua vita, Ellie. Entrambi erano stati attratti dal desiderio di avventura, ma la vita spesso ostacolava i loro piani, in particolare per visitare una cascata nella giungla sudamericana. Dopo che Carl assalta un operaio edile, è costretto a evacuare la casa che ha fatto con Ellie e trasferirsi in una vecchia casa di gente. Invece, lega un gazillion di palloncini a casa sua e traccia un percorso per il Sud America. Arriverà comunque a quella cascata se è l'ultima cosa che fa. Naturalmente, per complicare le cose, c'è un clandestino in questa avventura: un Wilderness Explorer di nome Russell (Jordan Nagai) che stava provando a segnare il suo distintivo 'assistere gli anziani' e ha ottenuto molto, molto più di quanto si aspettasse. Mentre nella giungla, Carl e Russell si incontrano con un cane parlante di nome Dug (condirettore Bob Peterson) e un uccello esotico di nome Kevin. Carl incontra anche il suo idolo perduto da tempo, un avventuriero disonorato di nome Charles Muntz (Christopher Plummer). L'intera trama è allegramente bizzarra, ma in qualche modo tutti i diversi filoni hanno senso sia indipendentemente che quando sono collegati insieme. 'Up' sarà probabilmente ricordato per il prologo senza parole di quattro minuti 'vita coniugale' che racconta con garbo la storia della vita di Carl ed Ellie insieme, fino alla sua fine agrodolce. Non è solo il più grande trionfo del film, ma è anche uno dei momenti salienti dell'animazione degli ultimi due decenni (è anche segnato, magnificamente, da Michael Giacchino). I primi prognostici affermarono che le possibilità del successo commerciale del film erano scarse (i produttori di giocattoli non avrebbero nemmeno concesso in licenza la proprietà), ma alla fine fu un successo sia in termini critici che finanziari, e divenne solo il secondo film d'animazione nella storia degli Academy Awards essere nominato per il miglior film (il primo è stato 'La bella e la bestia“). Invece di una responsabilità, la sua stranezza ha finito per essere un bene. Come Kevin, c'è una sfuggente meraviglia di 'Up' che è difficile da individuare o esprimere a parole. L'avventura è là fuori. È anche qui.

fahrenheit 451 film hbo

2. 'Ratatouille'(2007)
Per un po 'sembrò che 'Ratatouille' fosse condannato: il suo regista originale, Jan Pinkava, è stato licenziato dalla produzione poco più di un anno prima che il film fosse proiettato nelle sale e stava portando con sé un'importanza extra, poiché sarebbe stato il primo film uscito al di fuori del suo patto di distribuzione con Disney (che spiega il suo internazionale ambientazione). Quindi il film è stato assegnato a Brad Bird, che ha radicalmente revisionato la storia, rifuso i personaggi e trasformato in qualcosa di un nuovo classico. La storia di Remy (Patton Oswalt), un topo che desidera essere uno chef, è commovente e strano. Quando Remy fa amicizia con un cuoco sfortunato Linguini (Lou Romano), scopre che, nascondendosi sotto il cappello e tirandosi i capelli, può controllare l'umano e trasformarlo nella sensazione culinaria che sogna solo di diventare, riecheggia i vecchi film Disney di una volta. Ma c'è molto altro da fare in 'Ratatouille'. Da un lato è una forte critica al modo in cui la società Disney era gestita all'epoca, con un malvagio cuoco anziano (Ian Holm) che disonora il nome del ristorante sfornando una serie di cene congelate (stand-in per i sequel di classici della Disney diretti al video come 'Cenerentola'), Su un altro è un esame molto sentito di come sia seguire il tuo destino, anche se quel destino è molto diverso da quello che la tua famiglia o connazionali pensano sia giusto per te. C'è uno strano elemento di coppia del film amico non corrispondente nell'amicizia tra Remy e Linguini. E forse più profondamente è un'esplorazione dell'importanza della critica e dell'arte, riassunta amorevolmente in un monologo di Aton Ego (Peter O 'Too), un critico malvagio che si è sciolto il cuore per le confezioni di Remy e Linguini. C'è così tanto da fare, tematicamente, che pensi che la storia stessa possa perdersi, ma sotto lo stretto controllo di Bird si trascina a vapore, dirigendosi verso un climax indimenticabile che coinvolge un intero squadrone di topi in cucina, qualcosa di sia rivoltante che senza speranza carino. Non puoi fare a meno di essere ammirato da 'Ratatouille'.

1. 'Gli incredibili'(2004)
Quando 'The Incredibles' è stato pubblicato, sembrava una rivelazione, come un momento veramente innovativo di uno studio che aveva letteralmente reinventato il film d'animazione almeno una volta prima. È stato il primo in molti modi: il loro primo film in cui gli umani sono i personaggi centrali (anziché insetti o mostri o giocattoli); il primo film a essere classificato come PG (a causa della sua azione e della sessualità implicita - è vero, la sessualità implicita); il primo film ad essere segnato da Michael Giacchino (che sarebbe poi diventato un giocatore di potere della Pixar); il primo film a flirtare con il segno di 2 ore (115 minuti); insieme a una serie di innovazioni tecniche esoteriche (skin, abbigliamento e motori fisici che diffondono la luce in modo realistico). Ma tutto avrebbe potuto essere tutto per nulla se la storia di 'Gli incredibili' non fosse così avvincente. Ingegnosamente ideato da Brad Bird, che recentemente aveva sofferto terribilmente per mano di Warner Bros Animation, 'The Incredibles' parla di un supereroe sovrano Mr. Incredible (Craig T. Nelson) costretto a trasferirsi in periferia e ad assumere una nuova identità, insieme alla moglie egualmente superpotente Elastigirl (Holly Hunter) e i bambini, dopo che i supereroi sono stati messi fuori legge. È mentre Mr. Incredible lavora in una compagnia di assicurazioni mortale che viene avvicinato da una donna misteriosa per svolgere una serie di compiti che solo lui può svolgere, su un'isola segreta nella giungla. Improvvisamente, è tornato in gioco. Si sente meglio con se stesso, cammina con una molla nel suo passo e romanza di nuovo la moglie, il che naturalmente la porta a sospettare che una relazione sia parte di questa crisi di mezza età che sembra attraversare. Invece, è molto più pericoloso di così, e presto l'intera famiglia è in pericolo. Metaforicamente, 'Gli Incredibili' è geniale, con ogni membro della famiglia che ottiene le capacità di dimensioni eccessive di ciò che è richiesto da loro a casa (il papà deve essere forte, quindi Mr. Incredible può sollevare i vagoni del treno, la madre deve essere in un milione di posti contemporaneamente per allungarsi, l'imbarazzante figlia adolescente diventa invisibile, ecc.) e stilisticamente è ancora lo sforzo più forte di Pixar, con un'estetica di design che combina l'eleganza degli anni sessanta con James Bond-ian gadget; è futuristico e senza tempo. Innumerevoli fumetti e personaggi sono citati in 'Gli incredibili' - tutto da Will Eisner'S 'Lo spirito' e Alan Moore'S 'Watchmen'(Entrambi non ancora adattati per il grande schermo in quel momento), e Bird costruisce sequenze d'azione nel modo in cui Robert Zemeckis lo fa, con una serie di ostacoli crescenti che non diminuiscono mai una volta sull'acceleratore. Bird non evita la violenza (un bambino apparentemente uccide innumerevoli goon) o il sesso (l'analogia della relazione e alcuni doppi sensi ben posizionati) e aggiunge almeno una straordinaria aggiunta alla mitologia dei supereroi: Edna Mode (interpretata da Bird stesso), la costumista di supereroi. 'The Incredibles' è spesso così pieno di vita esuberante che minaccia di esplodere. Per fortuna, come uno dei semi di Edna Mode, tutto rimane insieme. Il risultato è un capolavoro senza pari e il miglior film Pixar.

Certo, saremmo remissivi se non menzionassimo i fantastici cortometraggi che quasi sempre accompagnano i lungometraggi (molti dei quali sono ora completati dal brillante campus canadese di Pixar), l'ultimo dei quali, 'The Blue Umbrella, 'Presenta un punteggio elegante di Jon Brion ed è allegato alla 'Monsters University'. Ciò richiederebbe un elenco completamente separato. Inoltre, se avessimo avuto più tempo avremmo incluso 'John Carter'Da qualche parte qui. Il film è stato sviluppato, progettato e montato in Pixar dal regista di 'Alla ricerca di Nemo' e 'WALL-E' Andrew Stanton e il co-regista “Brave” Mark Andrews. E per un po 'almeno 'John Carter' è stato marchiato come 'il primo film d'azione live della Pixar' (fino a quando John Lasseter è diventato schizzinoso). C'è anche 'Buzz Lightyear of Star Command: The Adventure Begins, 'Una sorta di lungometraggio pilota per un programma televisivo Buzz Lightyear tradizionalmente animato che Pixar ha coprodotto e realizzato l'animazione di apertura.

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